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La entidad / Institucional

Firman la iniciativa Argentores, ESCENA, ARTEI y la Asociación Argentina de Actores, entidades preocupadas por la realidad que está atravesando Proteatro 

CARTA PÚBLICA AL MINISTRO DE CULTURA DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES

Argentores, ESCENA (Espacios Escénicos Autónomos), ARTEI (Asociación Argentina de Teatro Independiente) y la Asociación Argentina de Actores han dado a conocer la siguiente carta pública dirigida al Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Aquí compartimos su texto: “Las organizaciones abajo firmantes, estamos en conocimiento de que se le ha pedido la renuncia al Sr. Alejandro Ullúa, Director Ejecutivo de Proteatro. Entendemos que esta medida agrava la ya compleja situación de dicho Instituto. El magro presupuesto de Proteatro, su reubicación en el organigrama, que le disminuye el rango, y esta drástica medida, tienden a la disolución de este Instituto tan representativo del quehacer teatral independiente. Desde estas organizaciones respaldamos la gestión del actual Director Ejecutivo, valoramos su trayectoria en el ámbito teatral, resaltamos su valioso aporte en la discusión sobre el presupuesto de dicho organismo y pedimos al Sr. Enrique Avogadro, Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que revea su decisión. Nuestra actividad se encuentra en estado de emergencia, preocupación e incertidumbre y creemos que la decisión a la que nos referimos profundiza en este contexto la situación actual.”

La entidad / Cultura

La gran actriz dialogará con la periodista Alicia Petti en el auditorio de la entidad

CRISTINA BANEGAS EN ARGENTORES, EL VIERNES  27 DE JULIO

El viernes 27 de julio, a las 19, en el auditorio de la entidad,  se realizará “Cristina Banegas en Argentores”, una charla abierta con la notable intérprete, coordinada por la periodista Alicia Petti y organizada por la Comisión de Cultura de Argentores. La propuesta  -que, recordamos,  contara con las visitas de Juan José Campanella y Pepe Soriano – es mensual y tiene en cada oportunidad a una figura relevante de cada una las disciplinas de nuestra entidad. Alicia Petti dialogará con la actriz acerca de su relación con autoras y autores, sus personajes, los textos y su carrera en teatro, cine y televisión.

La actriz nació en el barrio de Constitución. Es hija de la actriz Nelly Prince y el productor Oscar Banegas. Tiene una extensa trayectoria en cine, televisión y teatro. Estuvo casada con Alberto Fernández De Rosa; es la madre de la actriz Valentina Fernández de Rosa.

Comparte con Valentina Fernández De Rosa la dirección del espacio El Excéntrico de la 18, pionero como modelo de teatro independiente en Buenos Aires, que ya cumplió 30 años de actividad.

Banegas ha  desarrollado una larga trayectoria en teatro, con obras relevantes como Woyzeck, de Georg Büchner; Recordando con ira de John Osborne; Romeo y Julieta, de William Shakespeare; El príncipe idiota, de Fedor Dostoievski; Puesta en claro, de Griselda Gambaro; El padre, de August Strindberg; Antígona, de Sófocles; Los invertidos, de José González Castillo; Salarios del impío, de Juan Gelman; Eva Perón en la hoguera, de Leónidas Lamborghini; Cuarteto, de Heiner Müller; La señora Macbeth, de Griselda Gambaro, Medea, de Eurípides; Molly Bloom, de James Joyce; Sonata de otoño, de Igmar Bergman; El Jardín de los cerezos, de Antón Chéjov; Los caminos de Federico, sobre textos de Federico García Lorca; y Amaramara, de Juan Gelman, en 50 años de actividad.

Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros.

Como directora realizó más de 10 puestas en escena, como La persistencia, de Griselda Gambaro; La familia argentina, de Alberto Ure; Íntimos; La señorita Julia, de August Strindberg y Barranca abajo, de Florencio Sánchez.

Como cantora de tangos, dirigió y protagonizó el musical teatral La morocha. Junto a Lidia Borda y Liliana Herrero integró el show Veladas criollas, en El Club del Vino. Presentó su disco Tangos, (nominado al Premio Gardel) Con Ubaldo de Lío, en el Club del vino; y su segundo disco, La criollez, con Edgardo Cardozo. También produjo el disco de tangos Tarde, de su madre, Nelly Prince, y juntas hicieron el show de tango Aire Familiar.

Realiza el show de tangos y poemas Canciones bárbaras con Rita Cortese, y como invitada de honor, Nelly Prince.

En televisión ha intervenido en innumerables ciclos, como Zona de riesgo, Vulnerables, Locas de amor, Mujeres asesinas, Tratame bien, Televisión por la inclusión, El pacto, Doce casas, La casa, 22 pares y El marginal. Ha participado en casi 40 películas, destacándose sus trabajos en Sentimientos (o Mirta, de Liniers a Estambul), de Jorge Coscia; Sinfin, de Manuel Sanabría y Carlos Villaverde; Siempre es difícil volver a casa, de Jorge Polaco; Tango feroz, de Marcelo Piñeyro; La nube, de Pino Solanas; El astillero, de David Lipszyc; El artista, de León Ferrari; Animalada, de Sergio Bizzio; La vida por Perón, de Sergio Belloti; Géminis, de Albertina Carri e Infancia clandestina, de Benjamín Ávila.

Se ha editado su primer libro y disco para niños, El país de las brujas, (Editorial Alfaguara), Participó del libro Caligrafía de la voz, (Editorial Leviatán). Con Lucila Pagliai compartió la adaptación de Medea, de Eurípides, (Editorial Losada) Con Laura Fryd compartió la traducción de Molly Bloom capítulo final del Ulises, de Joyce, (Editorial Leviatán), cuya edición realizaron con Ana Avarado.

Ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas: Premio María Guerrero, Clarín, Martín Fierro, Podestá, Florencio Sánchez, ACE, Teatros del Mundo, Trinidad Guevara, Fundación Konex, Emmy, Premio Democracia (Caras y caretas), Cóndor de Plata, Premio Sur. En 2013 fue nombrada Personalidad destacada de la Ccltura. Desde 1986 dicta clases de actuación en su espacio, El Excéntrico de la 18 (teatro). (Información extraída de Wikipedia).

La Comisión de Cultura de Argentores recuerda la grilla de talleres, cursos y seminarios gratuitos que se dictarán en esta segunda mitad de año; algunos comienzan en agosto y luego habrá otros en setiembre, octubre y noviembre 

TALLERES / SEGUNDO SEMESTRE ´2018

Aquí toda la información y cronograma de inscripciones. 

COMIENZAN EN AGOSTO – Abierta la inscripción

 LA PROTAGONISTA ES MUJER / Taller de versiones teatrales / Patricia Suárez

Este taller está propuesto como una experiencia para DRAMATURGAS y/o mujeres interesadas en la Escritura Teatral. 

Este taller está propuesto como una experiencia para DRAMATURGAS y/o mujeres interesadas en la Escritura Teatral.. 

Un taller donde las dramaturgas puedan aprender algunas técnicas de la adaptación y la versión de textos del teatro universal. La idea es estimular las voces dramatúrgicas femeninas en un tiempo que se han vuelto necesarias para comprender la realidad que, en cuanto a género, no atraviesa.

Lunes de agosto, setiembre y octubre de 17 a 19. – 12 clases

Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) – La docente seleccionará 20 inscriptas por currículum o entrevista previa. 

Requisitos: SER MUJER. Las participantes deberán traer leídas obras del teatro universal donde la protagonista femenina tenga una importancia fundamental como Antígona, Medea, Fedra, Macbeth, La señorita Julia, Hedda Gabler, Casa de Muñecas, Tres hermanas, o La gringa, para luego elegir una de ellas para el trabajo a versionar.

EL GUION Y DESPUÉS / El camino del guion hacia el film / Eduardo Spagnuolo

La propuesta es recorrer el complejo camino creativo de un guion, y de su autor, desde el momento que, ya escrito, ese relato se va a transformar en film en conjunto con actrices, actores y demás creadores de la obra audiovisual. El taller está diseñado en función de quienes tienen guiones escritos y esperan concretarlos, estudiantes/aspirantes a guionistas, o personas del mundo autoral con intenciones de incursionar en el mundo del cine desde la autoría

Martes de agosto y septiembre 15 a 17. – 8 clases / Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: contar con un guion escrito o en proceso de escritura para trabajar durante el taller. 

HECHOS DRAMÁTICOS Y TEXTOS FILOSÓFICOS: convergencias, divergencias y referencias / Horacio Banega 

El taller sobre filosofía y teatro se propone introducir textos filosóficos en relación a la escritura y práctica teatral. En este caso se va  a trabajar sobre  los conceptos de tragedia y la propiedad de la tragicidad. Se va  a leer la Poética de Aristóteles, y se trabajará sobre  el libro de Hans Thies-Lehmann Tragedia y teatro dramático, aprovechando su reciente aparición en español; además se abordarán  algunos capítulos de George Steiner, Raymond Williams y Terry Eagleton. Miércoles de agosto, setiembre y 0ctubre  de 14 a 17. – 12 clases / Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Lectura de los materiales que el docente informará en clase. 

ESCRIBIR EN LOS MEDIOS DE FUTURO / Creatividad y guion para nuevos medios / Ramiro San Honorio 

Creatividad y guion para nuevos medios (comic, web y  videojuegos) Guion de cine, tv, comic, animación y  videojuegos. Un taller teórico/práctico dedicado a autores, guionistas, no guionistas y para todo aquel que quiera ampliar el horizonte del mundo audiovisual. Un curso con todas las herramientas y recursos fundamentales para las nuevas narrativas, siempre desde una mirada real del oficio del autor-guionista, donde con ejercicios creativos el alumno experimentará la cocina del autor del futuro y la figura del showrunner. Miércoles de agosto, setiembre y octubre de 14 a 16.

Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Sin requisitos

EL PROTAGONISMO DE LA PALABRA / Taller de Radio y Oratoria / Inés Mariscal 

La palabra como elemento constructivo  y  manifestación  genuina  del ser que se piensa y expresa a sí mismo. El autor de radio y la expresión verbal de sus personajes. El taller tiene como propósito despertar en el orador luz propia, síntesis, entusiasmo, transformación del mensaje vano y  abusivo, en verbo magnético. Viernes de agosto de 17 a 18.30. – 4 clases. Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: sin requisitos.

HISTORIA DEL CINE / Evolución de la estructura cinematográfica – desde los comienzos hasta 1960 / Raúl Brambilla

Un seminario destinado a investigar de qué manera las primeras experiencias cinematográficas comenzaron a estructurarse como relatos, la evolución del arte de narrar en el cine y las películas que resultaron fundamentales en la construcción del lenguaje del cine, siempre en relación a su contexto histórico. Viernes de agosto, septiembre y octubre  de 15 a 17 – 12 clases Inscripción: De lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 10 y el 27 de julio, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Sin requisitos

COMIENZAN EN SETIEMBRE – La inscripción será en agosto

TALLER DE GÉNERO Y TELEVISIÓN / Un análisis sobre la obra de Celia Alcántara, Aída Bortnik y Nelly Fernández Tiscornia / Docente: Gabriela Elena

Un taller en el que se abordará parte de la obra de estas tres autoras fundamentales, y desde allí interrogarnos sobre el rol de las autoras actuales: ¿Cómo son hoy las heroínas que pueden generar un cambio de conciencia en el público? ¿Qué tipo de historias contar? ¿Qué temáticas y con qué recursos abordarlas? El objetivo final del taller es haberse acercado a una idea y desarrollar un guion sobre género y feminismo que impacte en la realidad sociopolítica de hoy. Jueves de septiembre, octubre y noviembre de 18 a 20. Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 6 y el 27 de agosto, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Sin requisitos.

SONIDO ESCÉNICO: El relato sonoro como manifiesto del texto y la trama / Malena Graciosi

El taller propone indagar en la poética del sonido escénico y audiovisual entendiendo al relato sonoro como elemento constructor de sentido. Comprender al sonido escénico y audiovisual como información de pertenencia y de referencia, que marca relación con el grupo y con el entorno. No requiere tener conocimientos previos de música. Jueves de septiembre/octubre de 18 a 20 – 8 clases Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 6 y el 27 de agosto, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Sin requisitos

CLÍNICA DE FICCIÓN RADIAL / Reescritura de ficciones radiales concluidas o en progreso / María Mercedes Di Benedetto 

Supervisión de la reescritura luego de un primer diagnóstico que ayude a localizar las dificultades que presenta el texto. Optimización de  título, personajes, conflicto, estructura narrativa. Construcción definitiva de la historia dentro del formato y la estética sonora de un guion radiofónico: música, efectos, planos, silencios. Miércoles de septiembre de 17 a 19. – 4 clases.

Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 6 y el 27 de agosto, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción)

Requisitos: Los aspirantes al taller deberán aportar una ficción de su autoría, acabada o en proceso de escritura, a fin de trabajar ese texto durante el mismo.

COMIENZAN EN OCTUBRE – La inscripción será en setiembre

LA NO-FICCIÓN EN RADIO: Documentales sonoros, microprogramas / Mariano Pagnucco

El periodismo narrativo como recurso / La importancia de escuchar el entorno social y traducirlo al lenguaje de radio / El documental sonoro, entre la investigación y el arte / Todos los mundos posibles que caben en el tiempo que dura una canción. Miércoles de octubre de 17 a 19 – 4  clases.

Inscripción: De lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 3 y el 26 de setiembre, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción)

Requisitos: Sin requisitos

COMIENZAN EN NOVIEMBRE – La inscripción será en octubre

HISTORIA DEL TEATRO NACIONAL / Seminario teórico / Roberto Perinelli

Esta historia del teatro argentino abarcará desde los pioneros trabajos dramatúrgicos producidos en el Río de la Plata, hasta el fenómeno de Teatro Abierto ´81. Se hará especial hincapié en la época limitada entre los años 1902 a 1930, designada como la época de oro de nuestro teatro. Asimismo, se apreciará el grotesco de Armando Discépolo y otros autores que cultivaron el género. Lunes de noviembre de 14 a 16 – 4 clases. Inscripción: de lunes a viernes de 13 a 18 en Juncal 1825, entre el 8 y el 26 de octubre, con currículum impreso y planilla de inscripción (se brinda en el momento de la inscripción) Requisitos: Sin requisitos

El evento organizado por Argentores a beneficio  ofrece en el Teatro Regina obras del recordado ciclo Teatro Abierto, adaptadas a formato de radioteatro y protagonizadas por primeras figuras del espectáculo

“TODOS X LA CASA DEL TEATRO”: PRÓXIMA OBRA, “HAY QUE APAGAR EL FUEGO”,  DE CARLOS GOROSTIZA, EL 6 DE AGOSTO

Como sabemos, el viernes 8 de junio fue el lanzamiento de la propuesta “Todos x la Casa del Teatro”, que organiza Argentores a beneficio, con la presentación de “El nuevo mundo” de Carlos Somigliana y luego la propuesta continuó con “Gris de ausencia”,  de Tito Cossa, con dirección de Jorge Graciosi y adaptación radial de Victor Agú. 

Gorostiza: autor esencial; una de sus creaciones se verá en agosto.

El ciclo continuará el 6 de agosto con “Hay que apagar el fuego”,  de Carlos Gorostiza. Elenco: Silvina Bosco, Roly Serrano y Roberto Vallejos. Dirección: Kiki Peña. ¿Argumento de la pieza? Leemos en Alternativateatral.com: “Un triángulo amoroso entre Cayetano, un bombero voluntario, Libertad, la esposa del bombero y Pascual, un carnicero amigo de Cayetano y amante de Libertad. La relación se manifiesta abiertamente ante los ojos del público y del bombero. Él no ve o no quiere ver lo tiene ante sus ojos. Esto genera un ambiente de confusión y desesperación que se ve claramente reflejado en el personaje de Libertad que no aguanta más el cinismo o la negación de su marido. La obra gira en torno a la omisión de una realidad evidente, tanto para el público como para sus protagonistas.”

El 3 de setiembre se ofrecerá “El corso”,  de Manuel Cruz, con dirección de Santiago Doria. Por su parte, el 1º de octubre se presentará “Papá querido”,  de Aída Bortnik, con dirección de Silvana Manfredi  y 5 de noviembre llegará “Príncipe azul”,  de Eugenio Griffero, con dirección de Thelma Biral.

Las entradas es un bono contribución que va desde $ 150 a $ 500 a voluntad de cada espectador. Hay una entrada especial de $ 100  para jubilados y estudiantes. Las localidades son sin numerar y se podrán adquirir desde dos horas antes en la boletería del Teatro Regina con un número por orden de llegada. Teatro Regina: Av. Santa Fe 1235.

La entidad / Informan los Consejos Profesionales

Primera convocatoria de tutoría de guiones para series de tv

ATENCIÓN: POR  PEDIDO DE  MUCHOS DE  NUESTROS SOCIOS SE  PRORROGA LIMITE DE RECEPCION DE PROYECTOS HASTA EL 3 DE AGOSTO DE  2018

Argentores invita, a través del “Consejo Profesional de Televisión”, a sus socios de las categorías: “Administrado A” y “Administrado B” de todo el país, a participar de la “Primera convocatoria de tutoría de guiones para series de TV”, con el objetivo de brindar herramientas, para desarrollar proyectos de ficción que puedan resultar viables, a los requerimientos actuales de la industria audiovisual, tanto a nivel nacional, como internacional.

Se elegirán 4 proyectos, y los tutores serán Fernando Castets, Jorge Goldenberg, Marcela Guerty y Patricio Vega.

“BASES”

1. Podrán presentarse los/las socios/as de Argentores administrados A y B, y los autores de webseries que tengan obras declaradas en Argentores.

2. Los/as autores/as que deseen participar deberán presentar en castellano un proyecto de serie de televisión (con temporadas de un mínimo de 8 y un máximo de 13 capítulos, y con duración mínima de 30 minutos por capítulo y máxima de 60 minutos ) a desarrollar a lo largo del proceso de tutoría. El proyecto debe incluir: TÍTULO, GÉNERO, IDEA (máximo cinco líneas) y SINOPSIS (desarrollo de la historia, en la que esté plasmado el argumento desde su comienzo hasta su resolución. Máximo 4 páginas en Courier 12, interlineado 1,5). Todo el material debe venir en un solo documento, en formato PDF.

3. Los/as autores/as presentarán, además, un CURRÍCULUM actualizado con sus datos académicos, profesionales, personales y de contacto (nombre y apellidos, domicilio, teléfono y correo electrónico), en el mismo documento al que hace referencia el punto 2.

4. El proyecto debe ser original y se recomienda que la sinopsis, esté registrada en la Dirección Nacional de Derechos de Autor, como inédita.

5. Únicamente se admitirá un proyecto por autor/a.

6. Los proyectos presentados podrán ir firmados por dos autores/as como

máximo.

7. El proceso de tutoría consistirá en la elaboración de Logline, sinopsis de la serie, tratamiento argumental, descripción de personajes, el guion del capítulo piloto de la serie, una breve sinopsis de cada capítulo de la primera temporada, y una síntesis general de la segunda temporada, si la

hubiere.

8. La documentación requerida deberá enviarse por correo electrónico a tutoriaargentores@gmail.com a partir del día 15 de Junio de 2018, siendo la nueva  fecha límite de recepción de proyectos el día 3  de agosto  de 2018. 

9. El Consejo profesional de Televisión de Argentores preseleccionará 20 proyectos, de los cuales, 4 serán elegidos por los tutores. 10.Las tutorías estarán a cargo de los autores, Fernando Castets, Jorge Goldenberg, Marcela Guerty y Patricio Vega.

11. Como complemento, a los autores elegidos, se les impartirá una clase de “Pitching”, a cargo de un especialista de nivel internacional, y una clase que versará sobre herramientas para la venta de contenidos a nivel internacional, a cargo de un profesional destacado.

12.Los cuatro proyectos ganadores, elegidos por los tutores, así como sus respectivos/as autores/as, serán anunciados en la fiesta del Día del Autor, el 17 de setiembre de 2018 por el presidente de Argentores: Miguel Ángel Diani.

13.A cada uno de los cuatro proyectos ganadores se le asignará un/a tutor/a.

14.El proceso de tutoría para el desarrollo de los proyectos correspondientes se llevará a cabo entre el 20 de setiembre y el 20 de diciembre de 2018.

15.La forma de desarrollar las tutorías se establecerá por el/a tutor/a asignado/a a cada proyecto, siendo factible el desarrollo de las mismas a distancia, a través de Internet.

16.El proyecto desarrollado será propiedad del autor/a del mismo.

17.El/a tutor/a establecerá un calendario de trabajo para el desarrollo del proyecto que el/a seleccionado/a deberá cumplir con aprovechamiento. En caso contrario, dicha tutoría cesará.

18.Para cualquier duda o consulta escribir a: tutoriaargentores@gmail.com

Escribe María Mercedes Di Benedetto, integrante del Consejo Profesional de Radio

EL CARRITO DE TESPIS POR LRA RADIO DEL ESTADO

La tradición atribuye al autor Tespis, en 534 AC, la primera representación trágica compuesta para las Grandes Dionisíacas de Atenas. Se cuenta que Solón, escandalizado por la puesta, lo increpó duramente, y Tespis se vio obligado a alejarse de Atenas y dar sus espectáculos por los pueblos del Ática sobre un escenario móvil provisto de ruedas: el carro de Tespis.

Muchos siglos después, la escritora y directora argentina Eugenia de Oro (1909- 1998) creó la audición Carrito de Tespis, en la que un elenco difundía obras para niños. 

Eugenia de Oro (seudónimo de Aurora Norma García Berroeta de Núñez Acuña) se desempeñó por varios años como jefa de prensa de Radio Splendid , dictó cursos, hizo periodismo, estrenó obras de teatro, obtuvo importantes premios, publicó libros y fue, además, directora de teatro en Radio del Estado, desde 1951 hasta 1970. 

Egresada como profesora de Letras en 1933, también se desempeñó como columnista de la popular Revista Sintonía, donde escribió varias secciones defendiendo los derechos de la mujer (en época lejanas a la aprobación del voto femenino en Argentina) y también dedicó su espacio A través de mi lente de aumento (Sintonía, 1933) a diversos aspectos culturales.

Su participación radial como comentarista del «Film Femenino» por Radio Splendid en 1934, la llevó a una gran aceptación por parte de los oyentes.

Tuvo una nutrida actividad en el mundo del teatro por radio como directora en Las Dos Carátulas, el Teatro de la Humanidad y en 1949 trabajó en el Ciclo de Difusión Radial de Cultura Argentina, con aporte de la Comisión Nacional de Cultura, como directora y adaptadora. 

Susana Sisto, una locutora todo terreno, con una voz dúctil y fresca para encarnar personajes variadísimos que incluyen el cine de animación y las publicidades (entre muchos otros, los mosquitos de cierto insecticida, las perritas de unas reconocidas salchichas de viena, al nene chuavechito de un suavizante para ropa; fue también la voz de Susanita cuando Mafalda llegó a la pantalla chica y muchísimos animales en las películas de García Ferré) nos cuenta acerca de sus años en el Carrito de Tespis: -“Empecé como bolista (es decir, con pequeños parlamentos) y luego integré los distintos elencos de Radio del Estado, sobre todo el infantil, El Carrito de Tespis, por mi facilidad para hacer voces de animales y niños. Se trabajaba de domingo a domingo, con los jueves de franco, en varias obras al mismo tiempo.”

“El Carrito de Tespis, un teatro para los niños” se emitía los sábados a las 17 y  tenía, como ya dijimos, por destinatarios a los menores, para cuyo entretenimiento y e ilustración se había conformado el Elenco de Teatro Radiofónico Infantil de Radio del Estado. Algunas de las obras representadas fueron, a principios de los 50: “El complejo de Manolo” de Laura de Holmer; “Lo insignificante y lo grandioso”, de Emil Fonten ;  “Heidi”,  de Juana Spyri y  “La niña del mar” de Lola T. de Lesquerre. Leyendas y mitos fueron adaptados por autores locales, como es el caso de  “Wally Dad”, adaptación de un cuento hindú llevada a cabo por Herminia Avellaneda; “Tres deseos” adaptación de una leyenda irlandesa, por la misma escritora, y “El castillo encantado”, leyenda nórdica adaptada por Osvaldo Blanco.

Hoy hemos recordado este espacio de literatura, teatro y personajes; escuchándolo, los niños de mediados del siglo pasado jugaron a imaginar y a protagonizar desde su hogar, junto al aparato de radio, increíbles historias en tierras de fantasía. Nuestro agradecimiento a su creadora, Eugenia de Oro, y a todos aquellos autores y autoras, actores, actrices, sonidistas, musicalizadores y operadores que hicieron posible que el carro de Tespis se pusiera en movimiento una vez más.

Susana Sisto, múltiple y eficaz locutora y actriz.

Argentores Federal / El país

A cargo de Adriana Tursi

CLASE MAGISTRAL DE DRAMATURGIA EN MIRAMAR

En Miramar, mucha gente atenta a la propuesta argentorista.

Se ha realizado una clase magistral de dramaturgia a cargo de la autora Adriana Tursi en el teatro Abel Santa Cruz de la ciudad de Miramar. Esto forma parte del programa Argentores Federal  que se está llevando adelante en todo el país,  coordinado por el Secretario de la entidad, Guillermo Hardwick, y los Delegados Culturales en cada región, en este caso bajo la delegación del dramaturgo marplatense José Toti Gallo.  

Adriana Tursi, durante un momento de la charla.

Se trata de “Intergaláctico”, de Miguel Kot

SE ESTRENA EN MAR DEL PLATA LA OBRA GANADORA DEL CONCURSO DE TEATRO DE OBRAS PARA NIÑOS » FRENTE AL MAR» ORGANIZADO POR EL TEATRO AUDITORIUM Y ARGENTORES 

 Desde el Gobierno de la Provincia de Buenos Aires se informa que se presenta en Mar del Plata  «Intergaláctico», del autor Miguel Kot, pieza teatral que resultó ganadora como “Mejor obra infantil” en el concurso de Argentores. El espectáculo que abrirá el ciclo “A desaburrir el invierno”, cuenta con dirección de Alan Darling y producción integral del Teatro Auditorium a través del Ministerio de Gestión Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Las funciones se realizan desde el martes 17 al domingo 29 de julio en la sala Astor Piazzolla del Auditorium.»Intergaláctico» es la historia de diferentes animales amantes del cantar que no son ni serán parte de la historia universal, nadie los recordará como héroes. La mayoría de los animales han decidido vivir lejos del hombre y han aprendido a convivir entre ellos demostrando que todo en esta tierra tiene música y todas las músicas deberán transcurrir sin la necesidad de interrumpirse. Recordamos que el Teatro Auditorium le da a la obra ganadora una importante producción y además la gran posibilidad al autor de estrenar en la sala principal en plena vacaciones de invierno.

La entidad  / Concurso

La recepción de los trabajos concluirá el viernes 26 de octubre de este año

CONCURSO NACIONAL PARA EGRESADOS DE CARRERAS DE DRAMATURGIA DE ESCUELAS PÚBLICAS

Argentores convoca a los egresados en los últimos cinco años de los cursos y carreras de dramaturgia de escuelas públicas oficiales de todo el país a participar del primer “Concurso de obras teatrales para estimular y promocionar las carreras de dramaturgia y difundir el trabajo de los jóvenes autores”. 

Para los fines de premiación, Argentores constituirá un jurado de tres (3) integrantes de reconocida trayectoria en el medio, que seleccionará hasta seis (6) obras que serán editadas durante 2019 y posteriormente distribuidas para su difusión a nivel nacional. 

Las bases de participación son las siguientes:

1) Los autores deberán presentar copia fehaciente del título o certificado de la institución donde cursaron la carrera de dramaturgia.

2) Las obras teatrales serán de temática libre y deberán ser firmadas por un solo autor. Se admitirá una sola obra por participante.

3) Los textos presentados deberán ser rigurosamente inéditos, no aceptándose adaptaciones. No podrán haber sido estrenadas en el país o en el extranjero, ni publicadas total o parcialmente, ni premiadas o distinguidas hasta el momento del cierre de la presente convocatoria.

4) No hay restricciones en el número de actores ni tampoco para el sostén técnico (escenografía, luces, multimedia, etc.)

5) El autor deberá prever una extensión mínima de 60 minutos y un máximo de 90 minutos.

6) Los autores, antes de su presentación al concurso, deberán hacer la inscripción de sus obras en la Dirección Nacional del Derecho de Autor (Moreno 1228, CABA. 011-4124-7200).

7) Deberán presentarse tres ejemplares del texto escrito en papel A4 en una sola cara, con fuente Arial 12 o similar, con un interlineado de 1,5 (25 a 30 líneas por página). Los textos deberán ser presentados anillados o encarpetados, con las páginas numeradas. Los tres ejemplares deberán llevar el título de la obra y el seudónimo adoptado por el autor para esta ocasión.

8) En sobre aparte y cerrado se consignará, en su cara externa, el título de la obra y seudónimo adoptado. En el interior, nombre y apellido completo, fecha de nacimiento, tipo y número de documento de identidad, teléfonos, correo electrónico y lugar de residencia. En dicho sobre el autor presentará la autorización firmada para que el texto pueda ser editado por Argentores.

9) Se deja claramente expresado que será anulada la participación de aquellos trabajos que omitan algunas de las condiciones referidas.

10) La recepción de los trabajos comenzará el lunes 11 de junio de 2018 y concluirá el viernes 26 de octubre de 2018. Los textos deberán entregarse personalmente en el anexo de Argentores, Juncal 1825, CABA (Código Postal: C1126AAB); todos los días hábiles en el horario de 12.30 a 17. Asimismo podrán enviarse por correo postal.

11) Los trabajos presentados no serán devueltos.

12) Cualquier situación no contemplada en las bases será resuelta por el Jurado.

13) La participación en el presente concurso significa la aceptación total de las bases.

14) El Jurado producirá dictamen en marzo de 2019.

15) El fallo del Jurado será inapelable.

El país 

De acuerdo a este artículo del diario Pagina 12, la actividad teatral pasa por la peor crisis de los últimos años

SE ENCIENDEN LUCES, PERO DE ALARMA

“Según los datos auditados en el sector, el mes pasado concurrió al teatro un 27 por ciento menos de espectadores que en junio de 2017. Ya no solo cuesta llenar las salas, sino que los espectáculos reducen el número de funciones semanales. Empresarios analizan la situación.

El teatro argentino está atravesando una de las peores crisis de los últimos años. No en términos artísticos, donde tanto en el circuito comercial como en el off el volumen de producción se mantiene tan variado como interesante. Desde ese punto de vista, el teatro argentino siempre está vital y en constante búsqueda. Lo que vuelve preocupante el diagnóstico teatral actual es el que remite a las boleterías, donde tanto en cantidad de espectadores como en recaudación se percibe el peor semestre en años. Según los datos auditados por la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales (Aadet), la venta de entradas en las salas de la Ciudad de Buenos Aires en los primeros seis meses de 2018 fue un 4 por ciento menor que respecto del mismo período del año anterior, perforando incluso el piso histórico del olvidable 2016. El panorama no es alentador de cara al mediano plazo, teniendo en cuenta que en junio de 2018 la cantidad de espectadores que fueron a ver algún espectáculo del teatro comercial de la cartelera porteña se redujo en un 27 por ciento, en relación al mismo mes del 2017. Los productores no dudan: que en junio se hayan vendido 70 mil entradas menos que en el sexto mes del año pasado obedece exclusivamente a la crisis económica que atraviesa el país.

Los números son contundentes: entre enero y junio se vendieron 878.302 entradas en el circuito comercial porteño, un 4 por ciento menos que las 914.889 de los primeros seis meses de 2017. Más allá de esa caída semestral, lo cierto es que los productores encendieron las luces de alarma porque el sendero descendiente se profundizó en los últimos tres meses. La comparación interanual marca una tendencia decreciente y cada vez más acelerada en las boleterías: en abril se vendieron un 7 por ciento menos de entradas en relación a mismo mes de 2017, en mayo la caída fue del 12 por ciento y en junio de 2018 los 188.731 tickets vendidos representaron una caída en la taquilla del 27 por ciento en comparación con junio de 2017, mes en el que 258.786 personas acudieron al teatro. Es decir: en junio se vendieron 70 mil entradas menos que un año atrás.

«Estamos viendo que, de 2014 para acá, este es el año más flojo de todos». 

El que afirma taxativamente el derrumbe de la actividad teatral es Sebastián Blutrach, presidente de la Aadet, la asociación que nuclea a los empresarios teatrales. «Lo más preocupante es que el primer trimestre había sido bueno, es decir que todo lo malo aparece a partir de abril y todo indica que esta situación económica va a ir para peor. Es preocupante de la misma manera que lo es para cualquier comercio o empresas Pyme ante la falta de plata en la calle y la retracción del consumo», subraya el productor teatral, dueño de Teatro Picadero. 

El cartelito de «Entradas agotadas» acumula cada fin de semana más polvo. La convocatoria teatral ya no es la de otros tiempos y volvió a ser normal ver salas a medio llenar en funciones de fin de semana, incluso en obras exitosas como Sugar, Toc-Toc, Perfectos desconocidos y ¿Qué paso con Walter?, por citar las más convocantes. La baja en la venta de localidades se expresa no sólo en salas que cuesta llenar sino también en que los espectáculos van reduciendo la cantidad de funciones semanales. Si en otros tiempos era habitual que sólo los lunes fuera el día de descanso, desde hace un tiempo se ha vuelto común que las obras vayan de miércoles a domingo. Incluso, algunas van de jueves a domingo. Ahora se sumó un nuevo síntoma de la crisis: la doble función, que hasta no hace mucho era propia de los días viernes y sábado, incluso algún domingo, en la actualidad quedó reducida solo a los sábados. Y no para todas las piezas teatrales.

Las causas de la caída en las ventas de entradas, coinciden los empresarios, son más económicas que artísticas. De hecho, el derrumbe en la cantidad de espectadores que va al teatro es integral, afectando el «borderó» (tickets vendidos) de todas las obras, sean comedias o dramas, se presenten en grandes salas o en pequeñas, sean novedades o éxitos consagrados en temporadas pasadas, formen parte del circuito comercial, del teatro oficial o del espacio independiente. Esa afectación general en las boleterías, dicen los que saben, responde únicamente a la crisis económica que atraviesa la argentina, profundizada por la pérdida de poder adquisitivo de los ciudadanos. 

Sus 43 años de trayectoria como productor y teatrista convierten a Carlos Rottemberg en una voz autorizada al momento de analizar el complejo presente teatral. «El presupuesto familiar y el estado de ánimo corren en paralelo a las boleterías», reflexiona, ante la consulta de PáginaI12. «El talento artístico en Argentina se mantiene intacto y vigoroso. En el único país del mundo donde existen más espacios escénicos que pantallas de cine, intentar -con más de mil estrenos anuales- distraer lo económico con el pretexto de lo artístico es buscar tirar la pelota afuera. Hoy todo es caro, comenzando por la canasta básica familiar. La caída afianza la tendencia a que haya menor disponibilidad en los bolsillos de la clase media, principal clientela teatral», subraya el productor, desde el más elemental sentido común.

La vasta oferta de partidos del Mundial de Fútbol de Rusia transmitidos en directo puede ser, para algunos, un factor a tener en cuenta a la hora de buscar las causas de la situación. Sin embargo, los productores no creen creen que el mundial explique semejante caída en las ventas. «El mundial tuvo una incidencia mínima», enfatiza Blutrach. «La caída -afirma- obedece a la crisis económica y a la falta de plata en la gente. El mundial siempre es distractivo, pero este año los horarios diurnos de los partidos no coincidieron con los nocturnos del teatro, por lo que no lo veo como un condicionante tan fuerte. Hay una referencia clara, además: en Brasil 2014, con horarios parecidos y con la selección Argentina llegando a la final, y por lo tanto con mucha más atención popular, la venta de entradas teatrales de ese junio fue superior en un 12 por ciento a este que acaba de terminar».

Si el diagnóstico actual teatral es «preocupante», el pronóstico de la actividad para los próximos meses tampoco es alentador. La alta inflación, el tarifazo continuo, la pérdida del poder adquisitivo y el anunciado «fin del gradualismo» no crean precisamente las condiciones más propicias para modificar la tendencia. «Promediando julio hay silencio sobre los armados de las temporadas de Villa Carlos Paz y Mar del Plata. Después de 43 años dedicados a lo mismo, conozco ese termómetro como síntoma preliminar para medir certezas o dudas en el ambiente de la producción. En 2016 escuché al primer productor teatral afirmar: ‘si tengo dinero, entre producir teatro o comprar Lebacs, no lo dudo'», confiesa Rottemberg, que pese a este oscuro panorama inaugurará en agosto un nuevo espacio teatral: el Multitabaris (Corrientes 831), que contará con tres salas. 

«Llevando la política económica al terreno teatral, algunos creemos que el problema es ‘la obra’. Otros creen que es solo cuestión de ‘elenco’. Se hicieron algunos cambios de ‘actores’. Lo concreto es que el espectáculo está bajando mal a la platea», sentencia Rottemberg, a modo de conclusión.

El modelo económico, entonces, parece ser el principal escollo con el que hoy se enfrenta la actividad teatral, que básicamente necesita de mercado interno para desarrollarse. Blutrach considera que los problemas de sustentabilidad afectarán negativamente tanto la cantidad como el tipo de espectáculos que se produzcan en los próximos meses. «Los que nos dedicamos a la producción artística o de cualquier otro bien -analiza el productor-  dudamos sobre qué hacer. Sobre todo si tenemos tasas en pesos del 60 por ciento y un consumo planchado o en caída. Hay un costo de oportunidad que se pierde al no timbear. Si tenés la posibilidad de ganar 60 por ciento poniendo la plata en el sistema financiero, qué rentabilidad te tiene que dar la producción de algún bien o servicio para no hacerlo. Esta situación es una encrucijada en la que nos metió este gobierno, que no tiene ningún tipo de salida, por lo menos para el bien común. Esperemos que cambie en el corto plazo porque, en este contexto, nadie va a producir espectáculos grandes. Es triste, pero a lo sumo produciremos lo necesario para que nuestras salas no estén vacías.”

Se enfocará en la escritura de dos proyectos que tiene en carpeta desde hace diez años

GERARDO ROZÍN EXPLICÓ POR QUÉ ABANDONA «MORFI»: “VINE DE ROSARIO PARA SER GUIONISTA»

El conductor dejará su ciclo en las mañanas de Telefe para ser reemplazado por Damián De Santo. «Para mí es muy fuerte dejar Morfi», confesó.

“Una mañana, se levantará de la mesa para ya no volver… En unas semanas Gerardo Rozín se irá de Morfi, todos a la mesa, el programa de Telefe que comenzó en junio de 2015, por una decisión personal. Aunque le costará. Y mucho. «Para mí es muy fuerte dejar ‘Morfi'», confesó el conductor, en diálogo con el programa radial Modo Sábado, de Radio Nacional. Acto seguido, explicó los motivos. El primero tiene que ver directamente con él. «Yo vine de Rosario para ser guionista; en el medio fui Gerente de Programación -recordó-. Cuando tenés una espalda mínima o apropiada y no te la jugás por lo que querés hacer, es porque te volviste un pelotudo importantísimo. Hay un par de ficciones que llevo 10 años queriendo hacer, y que nunca las moví lo suficiente. Por ahí no gustan, pero tengo que intentarlo».

Rozín tiene una productora propia que «necesita crecer», y para eso hace falta «hacer más programas». Y hace falta tiempo. «Pero con seis días por semana en vivo, tres horas, no hay manera de tener cabeza para otra cosa… O yo, por lo menos, no lo puedo hacer», se sinceró el conductor que seguirá al frente de La peña de Morfi, mientras planifica un libro y trabaja en un documental que se llamará Diáspora.

La segunda razón, en tanto, está más relacionada con su rol en el programa de Telefe que encabeza junto a Zaira Nara. Cuestión de formas. O de estilo, más bien. «Yo tengo un peso ahí adentro (en Morfi), y el programa tiene que ser más liviano o más quilombero. Y yo voy por liviano, por más divertido. Me cuesta mucho no hacer editoriales, y el programa no lo necesita. Y estoy en un momento donde tengo ganas de hablar», explicó. Por eso dice que una de las tantas versiones del ciclo, Morfi café, «tiene una alegría que yo no voy a tener nunca».

Será el actor Damián De Santo quien tome la posta. «Es un tipo extraordinario. Yo tenía dos o tres nombres, ninguno parecido a Damián. Tenía un nombre para cada estilo del programa en el que Morfi se podría reconvertir», dijo, y concluyó: «Damián es inteligentísimo, un tipo brillante».

Una mañana, De Santo se sentará en la cabecera de la mesa, frente a los televidentes. Y llegará el momento de servir un nuevo menú. A partir de ahí, todo estará por probarse. Y por verse, justamente.” (Infobae)

Exterior

Un medio de prensa de México  habló en exclusiva con el escritor y guionista mexicano sobre «Luis Miguel, la serie», el fenómeno mediático en que se ha convertido la biografía televisada autorizada de la estrella de la música latinoamericana 

DANIEL KRAUZE: EL CEREBRO DETRÁS DE LA SERIE DE NETFLIX SOBRE LA VIDA DE LUIS MIGUEL

“Hay otro tema de conversación en Hispanoamérica además del mundial de fútbol. Y a menos que hayas estado viviendo debajo de una roca en las últimas semanas, sabrás cuál es. Luis Miguel, la serie es el fenómeno mediático que desde hace siete semanas se viene apoderando de la atención de fanáticos, seguidores, Indiferentes y hasta haters de la superestrella de la música. En vivo, en redes sociales y en todos lados. Eso porque, oh, menudo detalle, cuenta con la misma aprobación del cantante mexicano, quien no solo es productor ejecutivo, sino que hasta ha narrado pasajes de su vida para ese fin específicamente. Vamos, que hasta tiene un cameo legendario en uno de los capítulos, valga decir, incrustado ya en la posteridad porque en Internet fue tendencia mundial. No son pocos los motivos que explican, pues, el éxito arrollador de este producto televisivo (se trata, quizá, de la biografía del último gran clásico vivo de la música; el elenco acertadamente escogido; el ritmo y planteamiento de la ficción, la difusión del producto en la era de Twitter y los memes…), sin embargo, hay uno clave: la narración detallada de una vida personal y profesional sobre la que se ha especulado, sin respuesta, durante décadas. La trágica relación con el padre, la desaparición de la madre, la explotación desde los 10 años, los amores de la juventud –corazón roto, incluido-. Eso y más en 13 capítulos que tienen en vilo a millones como desde hace mucho no lo conseguía una ficción latinoamericana. Sobre todo ello, así como del impactante capítulo 7 emitido anoche, la revista Somos conversó en exclusiva con el mexicano Daniel Krauze, coescritor de la serie.

-¿Qué pasa en tu WhatsApp una hora después que se suelta un capítulo de la serie cada domingo? ¿Te revientan el teléfono los amigos con preguntas?

-Mis domingos por las noches eran muy tranquilos antes de la serie, ciertamente. Ahora espero que lleguen para ver nada más qué se le ocurre a Internet. Meterme a Twitter y poner el hashtag de la serie o el de alguno de los personajes es como una lotería. Nunca sabemos qué personaje o momento van a gustar más al espectador. Ver esa respuesta de manera inmediata en redes sociales ha hecho de mis fines de semana y de mis lunes una nueva rutina muy divertida. Qué lástima que vaya a acabar en algún momento. Yo feliz me aventaría un año entero.

-Con honestidad, ¿A ti te gustaba Luis Miguel? ¿Escuchabas su música?

-Me gustaba muchísimo. Yo le dejé a seguir la pista como a finales de los años 90 cuando comenzó a sacar el cuarto disco de boleros. Eso porque me pareció que se había estancado ligeramente en un estilo. Pero, bueno, yo nací en 1982 y en mi infancia y adolescencia temprana Luis Miguel era lo que todos escuchábamos muchísmo. Por ponerte un ejemplo, yo he ido al Auditorio Nacional, que es donde da conciertos en México, cuatro veces. La primera vez cuando sacó el disco «Segundo Romance» y luego fui cada año de forma consecutiva y religiosamente. Yo soy muy fan de música. Me sé hasta las canciones más lamentables del disco «Busca una mujer»…

-¿Cuál es tu favorita?

-«Fría como el viento». Aunque «Culpable o no» se volvió tan popular tras la emisión del capítulo 4 de la serie que ya también…Pero sí, yo era muy fan de Luis Miguel y parte de ello fue lo que intenté traer al proyecto.

-Luis Miguel, su música y todo lo que tiene que ver con él cuentan con la aceptación de públicos de todos los estratos en América Latina. Lo escucha quien tiene plata y quién no. ¿Pasa lo mismo en México o sucede tal vez lo que con Chespirito que parece ser más querido fuera de su país?

-Con respecto a Chespirito, eso va a ser dependiendo con quién conversas. A los mexicanos a veces nos gusta hablar de manera despectiva de nuestra cultura pop, pero creo que si le preguntas al grueso de la población en México te diría que recuerdan con cariño a Chespirito. Ahora, en función de Luis Miguel, a mí me parece que lo que demuestra esta serie es que él y lo que representó en los años 80 y 90 tuvo un gran impacto en todos los estratos sociales mexicanos. Y lo sigue teniendo, ya ves como el hombre sigue llenando estadios ahora mismo. Él no es un cantante de palenque (espacios donde se desarrollan eventos populares) como Juan Gabriel, por ejemplo. Además, claro, basta ver al tipo. Es un ‘cuate’ que sale vestido de traje, elegantísimo, que canta en Las Vegas… Su música atraviesa demográficos. Le gusta al rico, al pobre y al que está en el medio.

-¿Cómo llegas a formar parte del proyecto?

-Carla González Vargas, la showrunner de la serie, el cerebro detrás de todo, lee una novela que escribí, «Fallas de Origen», que de hecho presenté hace algunos años en Lima. Esta tiene un universo más o menos similar a aquel en el que Luis Miguel y sus amigos se mueven a lo largo de la serie. Ella sabía que me interesaba escribir para televisión y me invita a formar parte del equipo. Fuimos seis escritores que durante cuatro meses trabajamos juntos. Luego cuando ya empezó la producción solo quedamos dos. Al final yo fui el único que estuvo en todas las etapas. Coescribí nueve de los 13 capítulos.

-Desde tu punto de vista como guionista, ¿por qué la vida de Luis Miguel es una gran historia para contar?

-Uffff…Yo diría que hay un elemento central, sin irnos muy lejos, que es también el de «La guerra de las galaxias», quizá el producto pop más exitoso que hay: la batalla entre un hijo y un padre. La batalla de un hijo por encontrar su identidad gracias, a pesar y contra la figura paterna. No estamos inventando el hilo negro. Esta es una historia que tiene sus raíces desde que el hombre comenzó a contar historias…

-Con el gran plus que se trata de una historia de la vida real…

-Así es. Exactamente. Sin lugar a dudas. Cuando nosotros empezamos a investigar la vida de Luis Miguel y a leer sus entrevistas no encontramos un solo año, un solo mes casi que no tuviera un elemento que no pudiéramos dramatizar. Es una vida llena de conflictos, de dramas…no sabíamos cuál elegir para poner en pantalla. Era demasiado.

-Se ha dicho que el cantante se sentó con un grupo reducido de personas a narrarles pasajes de su vida. ¿Fuiste parte de él?

-No, ninguno de los escritores estuvimos con él. Y está bien, nadie del equipo esperó que Luis Miguel nos invitara a su casa, se echara unas copas de vino con nosotros y nos platicara… Él sigue siendo un hombre muy hermético, muy celoso de su privacidad y me parece muy bien. Él se reunía con gente de muy arriba de la producción a hablar de su vida. Y luego nos llegaba la información. Además la serie está basada en un libro, en una biografía escrita por el periodista español Javier León Herrera. Ahora, cuando teníamos nosotros preguntas se las mandábamos a Luis Miguel para obtener respuestas por la misma vía.

-¿Nunca lo conociste?

-Pude hacerlo, es una historia tristísima. Me invitaron a conocerlo en las grabaciones del primer capítulo, cuando aparece su cameo en la discoteca el Baby’O de Acapulco. Pero yo tengo una hija muy chiquita que entonces tenía menos de un año. Se enfermó y no teníamos quién nos la cuidara y no pude ir.

-¿Conocerlo hubiese influido en tu trabajo?

-Esa es una buena pregunta. Cuando eso pasó yo seguía afinando cosas en la historia, entonces una parte chiquita de mí dijo: ‘qué bueno que no lo conocí porque tal vez sí hubiese contaminado la creación de él como personaje de una serie de televisión’. Pero una parte muy chiquitita, la otra parte grandota se arrepiente de no haberlo conocido.

-¿Has tenido algún feedback de lo que a él le ha parecido la serie?

-No, ninguno. Mi trabajo culminó y ahora me he dedicado a disfrutar el éxito de la serie.

-Casi como un espectador más…

-Sí, porque yo solo fui al set pocos días, entonces mucho de lo que estoy viendo es nuevo. Siendo el guionista espero cada domingo a que salga aquí en los Estados Unidos por Telemundo (En América Latina y España se ve por Netflix).

-La pregunta del millón: qué es ficción y qué realidad. ¿Es correcto decir que los troncos de la historia son reales y ciertas situaciones son ficción necesarias para que se entienda todo en televisión?

-Sí. La respuesta más auténtica que puedo darte es que cada vez que en el cuarto de escritores teníamos una duda, la idea no era inventarse algo automáticamente. Íbamos a las entrevistas, a los libros. La idea ha sido siempre partir de la realidad en toda la medida de lo posible. A mí me encanta que la gente corra a Youtube a contrastar datos pero, vaya, esto no es un documental. Están viendo a Diego Boneta interpretar a Luis Miguel y tiene elementos, como en The Crown (la serie basada en la vida de la reina Isabel II de Inglaterra, emitida también por Netflix), por ejemplo, que son ficción.

Ineludiblemente hay gente que cree que todo lo que se ve en la serie efectivamente ocurrió. Eso es algo que entonces no te ha preocupado…Me parece que no es mi trabajo preocuparme por eso. A mí me contrataron para crear una serie que atrapara al público y ese tipo de repercusiones ya no tienen que ver con mi labor.

-La serie coincide con el relanzamiento del cantante, con el disco «México por siempre» y la gira. ¿Ha sido esto concebido premeditadamente dentro del paquete para ponerlo de nuevo en la picota?

-Acá te tengo que ser categórico. En ningún momento yo recibí un ‘memo’ de la producción diciéndome: “oye, tenemos que hacer que Luis Miguel se luzca porque es parte de este proceso de reivindicación y en la serie lo tenemos que dejar bien parado”. Mi trabajo con los productores ejecutivos de la serie siempre ha sido ver cómo hacer cada capítulo más interesante. El foco nunca estuvo en crear una especie de paquete que ayudara a Luis Miguel a relanzarse. El enfoque era sencillamente cómo hacer una buena serie de televisión. Por otro lado, con la serie ocurre un fenómeno que hace mucho no se veía. 

-El público corre de donde esté a la televisión o el teléfono para verla en el momento exacto en que se cuelga en la plataforma de streaming a pesar de poder hacerlo en cualquier otro momento. ¿Qué significa eso para ti?

-Yo creo que esta experiencia será irrepetible en mi vida. Y te lo digo estando a la mitad de la experiencia. Siento que viajé al futuro, vi lo que me queda de carrera y ya me di cuenta de que esto no va a volver a ocurrir jamás. Yo, evidentemente, no me puedo colgar más que un granito de arena de crédito. Esto es una suma de fuerzas como en todo producto televisivo cinematográfico. Pero yo estoy feliz. Siempre supuse que la serie tendría cierta repercusión entre sus fans, pero de ahí a pensar que iba a dominar las tendencias y las redes sociales… No me esperaba algo de este tamaño…

-Ni los memes, las piñatas, las camisetas…

-Nada. Como todo fenómeno televisivo de los últimos años, la serie tiene una vida dentro de la pantalla y otra fuera. Tienes la experiencia íntima de ver la serie y luego la experiencia de compartir en comunidad memes, la noticia de la piñata… Yo estoy alucinado.

El capítulo 7,  ha dejado a América Latina en shock. Ha sido una bomba. El capítulo 7 no lo escribí yo, pero creo que este y el número 13 son los más importantes de la serie, fue crucial porque marca un cambio en toda la serie. Hay un Luis Miguel antes y después de ese momento. Hay un Luisito Rey antes y después de ese momento. Cambian algunas locaciones, entran nuevos personajes al relato. A partir de ahora la serie dará un vuelco y se transformará en situaciones que me parecen son muy interesantes.

-¿Vamos a ver al cantante más o menos como lo tenemos en la cabeza hoy durante esta segunda mitad?

-Sí, el chiste es acercar al personaje a lo que más o menos conocemos o tenemos en la mente de él en estos días. Más o menos porque la serie no va a acabar con Luis Miguel de 48 años… Toda la primera temporada traza la transformación de un chico inocente a … otra cosa. Y como ese hombre controlador que es Luisito Rey se transforma a …. otra cosa. Ambos personajes, tanto el padre como el hijo cambian muchísimo a lo largo de los 13 capítulos y el punto de inflexión de ese cambio es justamente el capítulo que hemos visto ayer. Los últimos diez minutos del capítulo de ayer, para mí, han sido maravillosos.

-¿Es verdad que ya se confirmó una segunda temporada?

-No lo sé, yo estoy al margen de esas decisiones. Ojalá. Yo estaría encantando de formar parte definitivamente.”

EL GUIONISTA DE LA SERIE DE NETFLIX DETALLA AQUÍ AL DIARIO EL PAÍS DE ESPAÑA LAS CLAVES DE SU TRABAJO; COMPARTIMOS SU TESTIMONIO: 

“Diez años antes de participar en la escritura de su serie, propuse a varios editores de revistas un ensayo sobre Luis Miguel: el mundo que lo rodeaba en los ochenta y las tendencias –de hablar, de vestir, de ser– que el famoso cantante impuso. Me parecía que en México hacía falta abordar a nuestras figuras pop sin ánimo de escarnio. Luis Miguel –ícono involuntario de los “Mirreyes”, intérprete que ha atravesado tantas facetas, mezcla irrepetible de estilos, nacionalidades y culturas– era el artista natural para ese análisis. Ninguna revista se interesó. Los tiempos cambiaron. Escribir para la serie fue una forma de reivindicar aquella curiosidad inicial: abordar a Luis Miguel como ser humano, cantante, ídolo y figura emblemática de una época en México y, claro, en mi propia vida. Los cuartos de escritores deben funcionar como una mezcla de talentos, obsesiones e intereses. El cuarto de Luis Miguel, que duró casi cuatro meses antes de que los guiones quedaran en manos de Susana Casares y yo, fue sin duda así. En nuestro caso, como en el del propio Luis Miguel, también se mezclaban nacionalidades, para poder dar voz a los personajes argentinos, mexicanos y españoles de la serie. Conforme pasan los días y las semanas, cada guionista se va asentando en su rol, las escenas y darle forma a un episodio, otros que tienen el don de la continuidad y del hallazgo oportuno de huecos en la trama, algunos que son capaces de solucionar hasta los peores embrollos con una sola idea. Para muchas de estas tareas yo no era el más preparado. Mi ventaja comparativa, supongo, fue haber sido un auténtico fan de Luis Miguel. Me tocó muy de cerca su auge, a finales de los ochenta y principios de los noventa, dentro de mi círculo social. Mi abuelo ponía discos con sus boleros, mi hermano me llevaba a sus conciertos y yo escuchaba Aries en mi walkman. Mientras mis compañeros de la primaria se cortaban las venas por Kurt Cobain, yo –¿para qué negarlo?– me sabía de memoria hasta las menos afortunadas canciones de Busca una mujer (vuelvan a oír “Pupilas de gato” para saber de qué hablo).

Nada de esto implicaba que yo supiera más que el vecino sobre la vida privada del cantante. Antes de arrancar el proyecto ignoraba los pormenores de la relación con su padre, su noviazgo con X o su amorío con Z. Mi vínculo con él era meramente musical, aunque admirara su barniz cosmopolita: Luis Miguel iba y venía de la mano de modelos, actrices y princesas, lo fotografiaban en la alfombra roja de los Óscares y cantaba con Frank Sinatra. Era la antítesis de ese México medio premoderno e insular. Luismi había llegado antes que su país al primer mundo.

Sabemos lo que pasó después: México nunca dio el brinco hacia el primer mundo y Luis Miguel se dedicó a cantar más o menos lo mismo. Le perdí la pista al cantante que sacaba su cuarto disco de boleros, pero no olvidé al que, en ese México previo a 1994 –a la devaluación, el asesinato de Colosio y el derrumbe de Salinas–, parecía encarnar el inminente arribo de un país de exportación. Escribiendo la serie pensaba mucho en eso, en el mundo de aquel intérprete como una suerte de Arcadia. Arcadia que, en mi caso, no es otra cosa que mi niñez. Ese fue mi vínculo afectivo con el material y uno de los motivos por los que me entusiasmó cada uno de los nueve capítulos que escribí, solo o en conjunto con mis compañeros.

Ayudó, claro, que rápidamente notara la seriedad con la que el resto del equipo se involucró en la serie: los actores, los productores, los directores y absolutamente todos los encargados de llevar el proyecto a cabo. Nunca olvidaré nuestra primera visita a los sets, donde Nicolas Scabini había colocado decenas y decenas de revistas de la época como inspiración para darle verosimilitud a aquella década. Para los escritores esa búsqueda de autenticidad implicó volvernos expertos en el personaje: aprendernos de memoria su biografía, la historia de sus compositores, mánagers y productores, así como la fecha de lanzamiento de todos sus discos, por no hablar de sus conciertos, giras, entrevistas, premios y festivales. La idea era montar una ficción sobre los andamios de lo real. Antes que nuestra imaginación, la respuesta a cualquier pregunta estaba en la vida de El Sol.

Quisimos crear una suerte de álbum de los ochenta, con todo lo que ese vistazo al pasado implica: el PRI y sus usos y costumbres, el papel de Televisa, los programas de chismes y la cultura pop de aquel entonces. Ayudó que en el camino de Luis Miguel se cruzaran políticos, músicos, actrices de telenovela, faranduleros, empresarios y socialités. El propósito fue crear un remanso –dramático, pero también nostálgico y, ante todo, musical– en un panorama televisivo infestado de violencia, pero sobre todo en un país convulso que quizás necesita ese solaz… aunque incluya al villano mayor, Luisito Rey.”

Recordamos al notable guionista y director de teatro y cine sueco, considerado uno de los creadores de cine clave de la segunda mitad del siglo xx

INGMAR BERGMAN, EL POETA DEL DRAMA, A CIEN AÑOS DE SU NACIMIENTO

“Estaba obsesionado con su infancia, que lo atormentó durante toda la vida. Ingmar Bergman, el genial director sueco -uno de los mejores del siglo XX (sino el mejor)- de cuyo nacimiento se cumplieron 100 años esta semana, creció, sobre todo, con temor: a las golpizas que le propinaba su padre, un pastor luterano que también lo encerraba a oscuras en un placar, si se orinaba en la cama o no lo obedecía; a la agresividad de los adultos que presenciaba en las continuas peleas entre su papá y su madre -una enfermera que esquivaba las caricias-, y a lo desconocido, que a la vez estimulaba su mente a las fantasías y las preguntas.

Nacido el 14 de julio de 1918 en el pueblo universitario de Upsala, como el segundo de tres hermanos, (Ernest) Ingmar Bergman creció en Estocolmo, rodeado de las imágenes religiosas que veía en las iglesias y en las biblias, y machacado por el peso de palabras como «pecado», «confesión», «castigo» y «perdón». Todos, temas que abordaría en sus películas, al igual que el amor, la pasión, la pérdida, la soledad y el tormento. Y hasta la muerte, con la que en El séptimo sello (1957), un caballero de las cruzadas (Max von Sydow) juega al ajedrez por su vida.

Como tributo por el centenario de su natalicio, Taschen ha lanzado una reedición del libro Ingmar Bergman Archives, que se publicó y agotó en 2008, tras la muerte del artista, a los 89 años, en la isla Fårö, del mar Báltico, donde vivía aislado del asedio periodístico, no así de sus fantasmas ni de la fama, que lo acompañó desde Juventud, divino tesoro (1951), su primer gran éxito internacional.

El libro -«el mejor estudio que se ha hecho de un director de cine», según el diario The Guardian- comprende cada una de sus producciones para el cine, la radio y la TV e incluye un DVD documental y una tira fílmica con una copia de 35mm de Fanny y Alexander (1982), el último film de Ingmar como cineasta, en que volcó la infeliz niñez que vivieron él y su hermana Margareta, que era cuatro años menor y más tarde se convertiría en novelista. Presentes están también su aprecio por el trabajo de Michael Curtiz, director de Casablanca; sus berrinches -reconocía que tenía un temperamento insufrible- y una admiración adolescente por Hitler, que lamentaría cuando se develó el horror de los campos de concentración.

La versión original de Ingmar Bergman Archives recibió un Premio Augusto, que entrega la Asociación de Editores de Suecia, y contó con más de mil imágenes, que, mayormente, reunió o tomó Bengt Wanselius, fotógrafo de Bergman durante 20 años. Esta nueva edición, de 456 páginas, «se concentra en las películas por las que Bergman es más conocido en el mundo. Es un formato más pequeño, se puede levantar sin problemas; el otro pesaba como un camión. Y tiene todas las características de una gran producción, pero es más barata, para que la mayor gente posible la disfrute», le dice a LA NACION revista Paul Duncan, historiador británico del cine y editor del libro, junto con el sueco Max Ström.

Todo partió en 2006, cuando Duncan le envió a Bergman una caja con libros de Antonioni, Fellini, Hitchcock y Kubrick, que había editado, y el director dijo: «‘¿Dónde diablos está el libro sobre mí?’. Recién entonces vio la carta en que yo le pedía autorización para hacer un libro sobre su obra», relata el editor. Mientras hacían el volumen, Duncan y Max Ström no conocieron a Bergman -que falleció el 30 de julio de 2007 sin poder leerlo-, pero se reunieron en Estocolmo con sus amigos, que estaban encantados con el proyecto, «así que nos dejó continuar, y mirar y usar todo lo que pudiéramos, sin interferir. Viniendo de un hombre al que le gustaba controlar las cosas, fue un gran y amable gesto», subraya Duncan.

A Erland Josephson, que trabajó con Bergman en producciones emblemáticas comoGritos y susurros (1972), Secretos de la vida conyugal (1973), Sonata de otoño (1978) ySarabanda (2003), y era su amigo más cercano, los editores le enviaban páginas del libro y él le iba contando a Bergman. En el prólogo de Ingmar Bergman Archives, Josephson describe al realizador como «una de las personas más vibrantes que he conocido». Y agrega: «Lo venero y creo que recibí muchísimo a través de él: su clara visión dramática, sus montajes imaginativos y su lealtad a los textos. Estoy profundamente impresionado y conmovido por él. Él era agresivo, cariñoso, perspicaz. Era un hombre para el que el poder contaba. Incluso muerto, es una persona poderosa», enumera.

Ha influenciado a grandes directores, como Andréi Tarkovski, Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola y Woody Allen, quien dijo que su cine es «poesía en acción» y le rindió tributo con Love and Death, en 1975. Actualmente, creaciones de Bergman para la TV y el cine como Escenas de la vida conyugal o Sonata de otoño son llevadas a las tablas de todo el mundo. Buenos Aires -ciudad en que sus films calaron hondo desde la proyección de Juventud, divino tesoro, en 1952-, no es la excepción. Tampoco lo será en las conmemoraciones por los 100 años de su natalicio: la sala Leopoldo Lugones programó siete largometrajes del director sueco más el documental La isla de Bergman (2006), de Marie Nyreröd, mientras que en la Casa Nacional del Bicentenario se exhibe la muestra Bergman. Uno en cien, hasta el próximo 5 de agosto. Esta se centra en la influencia (involuntaria) de Bergman, en el diseño y la indumentaria e incorpora mesas redondas de adaptaciones de Bergman en la Argentina, así como el film Tresspassing Bergman (2013), con entrevistas a Martin Scorsese, Michael Haneke o Lars von Trier, y coreografías del Royal Swedish Ballet. En noviembre, la exposición se trasladará a Mar del Plata, como parte del festival internacional de cine.

En Suecia, en tanto, los tributos incluyen proyecciones, seminarios, festivales de teatro y exposiciones, como Ingmar Bergman Trues and Lies, en el Museo de Arte Moderno de Estocolmo. Una celebración se hará extensiva a otras ciudades del planeta, con retrospectivas desde 

Oslo, pasando por Tel Aviv, hasta Milwaukee.

ENDEMONIADO Y DEMANDANTE

Para Bergman, el teatro era como una esposa y el cine, como una amante. Hizo más de 125 obras y 50 películas, en seis décadas de carrera -con un autoexilio de nueve años en Alemania, tras ser acusado infundadamente de fraude fiscal en su país-, ya fuera como guionista o director, o ambos. En los últimos años, se dedicó por completo a los montajes del Swedish Royal Dramatic Theatre, con el que mantenía una relación de larga data, y escribió para otros, como Billie August ( Las mejores intenciones, 1992) o Liv Ullmann ( Infiel, 2000), su actriz favorita y expareja con la que tuvo una hija -Linn Ullmann, escritora- y una fructífera colaboración que incluyó Persona (1966), la película que quizá mejor grafica su idea de que «el rostro humano es el tema más importante del cine. Ahí está todo».

Tuvo cinco mujeres, un par de convivientes y nueve hijos, que gravitaban a su alrededor, si bien admitió que fue un pésimo padre. «No le gustaban los niños y a los niños no les gustaba él. Cuando dejaba a las esposas, dejaba a los hijos. Es la cara oscura de Bergman», le dijo, a propósito, al diario La Vanguardia la productora y mano derecha del cineasta, Katinka Faragó, quien comenzó a trabajar con él a los 17 años.

Que las relaciones familiares, la infidelidad o cómo dos personas funcionan juntas circularan por las películas de Bergman, fue inevitable. Decía que su casa paterna había sido como un escenario teatral. «Era una lucha de vida-muerte: o los padres estaban rotos o el niño se rompía… Mis padres fueron de vital importancia, no solo por sí mismos, sino porque crearon un mundo para que yo me rebelara contra él», expresó.

Bergman purgó una infancia traumática a través de sus películas, caracterizadas por un estilo narrativo fragmentado y el uso de sombras. Tenía apenas 8 años cuando, según contó, perdió la fe en Dios, porque éste le daba la espalda, a pesar de los maltratos paternos a que era sometido. «Espero nunca envejecer tanto como para volverme religioso», manifestó en una ocasión, si bien Dios también fue uno de los motivos permanentes de su obra, a la par de las motivaciones humanas, lo bueno y lo malo, y la búsqueda de sentido de la vida.

Frente a la realidad de la familia, represiva hasta en la austeridad con que vivían en un barrio acomodado de Estocolmo, el pequeño Bergman se refugiaba en la fantasía. Las marionetas y un proyector -una linterna mágica que dio título a su primera autobiografía, de 1987- que le cambió a Dan, su hermano mayor, por cien soldaditos de plomo, lo liberaban de la opresión que reinaba entre las cuatro paredes de su casa. También encontraba libertad en Upsala, en el enorme departamento de su abuela Anna, cuyo calor compensaba la relación ambivalente que tenía con su madre. Juntos iban al cine y, al regreso, discutían detalles de las películas, mientras bebían una taza de chocolate. En ese hogar nació también la debilidad de Ingmar por el tictac de los relojes -su abuela tenía nueve-, que abundan en sus films.

Enemigo de las matemáticas y la geografía, lo suyo eran las historias. A los 13 años, con 64 coronas que le regalaron compró una edición de las obras compiladas de August Strindberg, un autor que lo acompañaría siempre. Tras cursar el bachillerato, asistió a la Universidad de Estocolmo, donde estudió arte, literatura e historia. Ahí se enamoró del teatro, con montajes que escribía y dirigía. A principios de los 40, llegó al cine porque alguien reconoció su talento. Al comienzo, se dedicaba a mejorar lo que escribían guionistas reputados. En 1944 hizo el guión de Tortura, la historia de un universitario que debe lidiar con la incomprensión de su familia, un sádico profesor de Latín y una novia alcohólica, que dirigió Alf Sjöberg. Fue una partida promisoria: el film ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes y Bergman comenzó una carrera como director, al año siguiente, con Crisis.

El propio Bergman reconoció que, sobre todo, en sus inicios, era un director difícil. «Era agresivo y estaba totalmente aterrado en el set, porque era inseguro. Si eres inseguro, seguro que te vuelves agresivo», afirma en el libro Ingmar Bergman Archives. Con el tiempo, pasó de ser un «director endemoniado» a convertirse en un «maestro demandante», que admiraba y respetaba a sus actores, y al que ellos adoraban.

Victor Sjöström, prestigioso director de cine mudo sueco y protagonista de Cuando huye el día (1957) fue vital en ese sentido. Un día en que Bergman se portaba de forma desagradable en el set, Sjöström apareció, lo agarró por el cuello de la camisa, lo sacó fuera del estudio y le dijo: «Vos hacés escenas muy complicadas. Hacé las cosas más simples. Filmá a los actores de frente. No le eches la bronca a nadie. Los actores se enojan y hacen su trabajo peor… Me dijeron que ellos están peleando con vos, pero ellos no son peleadores, vos lo sos…». Ingmar diría que fue una gran lección «sobre cómo hacer cine, pero más que eso, sobre cómo comportarse con la gente con que uno trabaja».

«Bergman era humano y propenso a las debilidades humanas -analiza Paul Duncan-. Se permitía estar equivocado, al tiempo que aprendía de sus errores. Un hombre que nunca comete errores, nunca hace nada en la vida. Esto me parece conmovedor, y es algo que permea su trabajo, especialmente, Escenas de la vida conyugal y Fanny y Alexander. Es interesante cómo cada persona que ve sus películas, encuentra diferentes verdades en ellas. Uno halla, por ejemplo, mucho de Bergman en Pedro Almodóvar -sobre todo, en Hable con ella (2002)-, que toca temas parecidos a La fuente de la Doncella (1960), como la violación o dilemas morales».

Hay una escena, casi al final de Fanny y Alexander -cinta que fue galardonada con cuatro premios Oscar-, en que uno de los actores posa sus manos sobre los personajes infantiles y dice: «Debemos vivir en el pequeño mundo, tenemos que estar contentos con eso y cultivarlo, y sacar lo mejor de él». Eso hace pensar que el cine de Bergman continuará hablando mientras haya niños que marchen hacia la adultez, donde «cualquier cosa puede pasar: todo es posible y probable», y los adultos, en medio de la oscuridad, intenten comprender, ¿quién soy?, ¿qué debo hacer?, ¿cuál es el sentido de mi vida?” (La Nación)

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Conversamos con Mecha Fernandez, coordinadora de la Comisión de Coreógrafos

“MI OBJETIVO ES CONTAR CON EL CUERPO LO QUE LA ACCIÓN DRAMÁTICA REQUIERE Y PROPONE”

Foto: Magdalena Viggiani.

-¿Cómo va, desde tu lugar, la importante batalla por los derechos de los coreógrafos?

-Es un camino lento. Junto a Raúl Martorel  estamos trabajando en principio para concientizar a los coreógrafos sobre sus derechos y los beneficios que Argentores les brinda.  Paso a paso, dar a entender que los coreógrafos somos autores.

-¿Cuáles son, como autora, tus preocupaciones más importantes?

-Específicamente, en mi especialidad, mi objetivo es contar con el cuerpo lo que la acción dramática requiere y propone.

-En lo personal,  qué tenés para contarnos de tu faz laboral actual? 

-Estrené hace poco “Blum”, una obra de Enrique Discépolo dirigida por Mariano Dossena, con música de Gabriel Senanes y protagonizada por Humberto Tortonese en el  Regio. Por otro lado como coreógrafa permanente del Teatro La Galera, realizaremos  durante las vacaciones de invierno 3 funciones diarias con un amplio repertorio de obras. La próxima semana estreno “Luz de los mares” de María Inés Falconi con dirección de Carlos de Urquiza en la UPB, y prosigo ensayando en carácter de directora y coreógrafa, con el elenco de la U.A.D.E. el próximo espectáculo que se estrenará en Noviembre en el Teatro Ludé.

-Por qué es importante defender en todo momento y en cada espacio el oficio, el lugar del autor?

-El derecho del autor es precisamente “un derecho” que debe ser tomado como tal. Siempre es un buen momento para reivindicar el trabajo creativo y hacerlo valer.

Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
Noticias derecho al autor.