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La entidad 

Masiva movilización contra una resolución del Instituto de Cine

UN ACTO CÍVICO CONTRA “LA MUERTE DEL CINE NACIONAL”

La sala mayor del Gaumont quedó chica el jueves 28 de setiembre ante una multitudinaria asamblea que reunió a los principales referentes del cine argentino, movilizados por una resolución oficial que vulnera la Ley de Cine. “Hay que salir a pelear”, dijeron Puenzo y Aristarain. Aquí reproducimos la cobertura efectuada por el diario Página 12 en la edición del 29 de setiembre acerca de la movilización.

“Una multitudinaria asamblea contra “la muerte del cine nacional”. Ese acto cívico tuvo lugar en un cine Gaumont repleto de trabajadores y referentes del mundo audiovisual que se mostraron en estado de alerta por una resolución que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) acaba de anunciar. Se trata de la resolución 942/2017, firmada por Ralph Haiek, presidente del ente rector de la actividad, que condiciona el acceso a créditos con cláusulas que los referentes del sector consideran “imposibles de cumplir”. Luego de una también masiva marcha que partió desde el Incaa y terminó en la sala oficial más importante del país, algunos de los máximos emblemas de la cinematografía nacional destacaron la importancia del reclamo. Uno de ellos fue el director Luis Puenzo, impulsor de la Ley de Cine aún vigente, que sostuvo con vehemencia y entre aplausos que “lo que le está pasando al cine argentino, por el lugar que éste tiene en el mundo, se convierte en una problema internacional”.

“Cada vez es más clara la falta de políticas del Incaa, que debería cuidar a las películas desde su inicio hasta su destino final, el de la exhibición. Propongo empezar de adelante para atrás, salir a pelear por la promoción, porque sin exhibición no es posible la producción”, sostuvo Puenzo, quien también atacó a la flamante resolución. En sintonía con su colega habló Adolfo Aristarain, que dijo que todas las políticas de esta gestión van “en contra de la cultura” y que “sin el apoyo del estado en la Argentina no se puede hacer cine” por las características específicas que tiene aquí el mercado.

Con la presencia de otras destacadas personalidades del cine como Benjamín Avila, Fernando Spiner y los actores Lautaro Delgado, Osmar Nuñez y Luis Ziembrowski, entre muchos otros, y de representantes de todas las asociaciones que conforman la Mesa de Directores Cinematográficos Argentinos, la Asamblea Abierta de la Comunidad Audiovisual, y la Coordinadora de Estudiantes de Cine de todo el territorio nacional (suman más de 16 mil), la comunidad audiovisual resolvió un plan de lucha que además de pedir por la derogación de la flamante resolución tendrá otros focos de acción.” Las movidas comenzaron el domingo pasado –se indica luego- coincidiendo con la celebración de la Semana del Cine Argentino, organizada por el Incaa y el Ministerio de Cultura nacional. Allí se llevaro a cabo acciones de comunicación para desarticular las operaciones de prensa de los que  fueron definidos como “servidores de la posverdad”, en referencia a Luis Majul, que centró su programa en denuncias de corrupción del instituto que ya estaban en la justicia.

Continúa el matutino: “En concreto, la cuestionada resolución publicada el 18 de setiembre en el Boletín Oficial convierte a lo que hasta ahora se definía como “fomento a la producción” en “financiamiento”, lo que según los trabajadores transforma al ente en un “órgano crediticio más preocupado por recaudar que por sostener una actividad cultural”. Según se advierte en el decreto, también se modifica el modo en el que se otorgan los subsidios, de modo que sólo el 20 por ciento del total se adjudicaría a las productoras inmediatamente después de aprobado el proyecto, mientras que el resto del crédito se otorgaría una vez que las empresas den cuenta de esa serie de requisitos que los realizadores definieron como “descomunal”. De este modo, lo que teme la comunidad cultural es que sólo las productoras grandes, aquellas que puedan afrontar los costos de producción sin necesidad del apoyo inicial del instituto, van a poder filmar, comprometiendo a las más de 150 películas de pequeñas y medianas productoras que por año da el cine nacional.

“Todo esto pasa por medir el resultado del cine por la cantidad de espectadores, algo que es una mentira teniendo en cuenta que estamos en un sistema de distribución concentrado en cuatro empresas de capitales norteamericanos. Si sólo se privilegia a las productoras locales que venden más, se va a destruir a todo un sector audiovisual que trata temas con mucha profundidad”, expresó Fernando Krichmar, referente de Documentalistas Argentinos (DOCA) y uno de los que se puso al hombro la extensa jornada. Más temprano, en una conferencia de prensa que también convocaron los realizadores, el director había dicho que “con el criterio de lo que vende y lo que no, como país deberíamos producir sólo soja. Posiblemente sea la idea del gobierno, pero nosotros no lo podemos permitir porque el cine es patrimonio nacional de nuestro pueblo”.

Krichmar es uno de los referentes elegidos para conformar el próximo cuerpo del Consejo Asesor, el órgano de cogobierno del Incaa que actúa como garante del funcionamiento democrático en la asignación del Fondo de Fomento Cinematográfico y que no funciona desde junio porque Mauricio Macri no firma las designaciones correspondientes.

Mientras se producía la asamblea en el Gaumont, desde el Incaa convocaron a los miembros designados a una reunión con las autoridades que se llevará a cabo el lunes en la sede del ente rector. Frente a esta convocatoria evidentemente surgida luego de la fuerte reacción del sector, la comunidad también votó por la realización de una movilización, que se hará fuera del edificio mientras se desarrolla el encuentro.

En abril de este año la comunidad cinematográfica ya se había movilizado intensamente para alertar sobre el peligro que correría, con una eventual intervención del Incaa, aquel Fondo de Fomento Cinematográfico, que por ley vehiculiza la recaudación destinada a la producción y el fomento de la industria. El contexto de aquel momento alimentaba aquel temor, ya que por distintas presiones mediáticas y operetas el entonces titular del Incaa, Alejandro Cacetta, había sido forzado a renunciar. La reducción del Fondo de Fomento (todavía) no ocurrió, o al menos no de forma “oficial”, pero las movidas de esta última semana confirman que la nueva gestión del instituto tenía nuevos planes para el cine y no precisamente orientados a ampliar la oferta cultural.

Más allá de lo puntual de la flamante resolución, los presentes en la asamblea y en la conferencia que se realizó a la mañana coincidieron en denunciar un “plan sistemático” para destruir la totalidad del cine nacional. Así, la subjecución presupuestaria, las operaciones mediáticas, el retraso en los pagos, el desmantelamiento de los distintos programas del Incaa y el vaciamiento del Consejo Asesor fueron algunos de los temas que aparecieron recurrentemente y que tomaron forma de pancartas en la masiva movilización.

En camino al desamparo

“Todos los caminos del Incaa conducen a la devaluación del cine argentino”.

Bajo ese título, la multisectorial audiovisual, entidad que nuclea a más de una decena de asociaciones de la industria, denunció que la gestión de Ralph Haiek como presidente del Incaa “ha conseguido prácticamente una parálisis administrativa en la distribución del Fondo de Fomento Cinematográfico”.

El texto señala que la resolución 942/2017 “parece promover sólo un modelo de cine que no necesita la financiación creada por la Ley y que generará sin duda un futuro de baja de la producción cinematográfica argentina, facilitando aún más la comercialización del cine extranjero, lo que dicho en otras palabras significa el camino de extinción del cine nacional. Esta resolución condena al desamparo a todo ese cine identitario producido dentro de otros formatos y propuestas, tanto estéticas como narrativas, que históricamente ha creado miles de puestos de trabajo y obtenido los más altos premios internacionales, prestigiando al cine y a todo el pueblo argentino”. El comunicado de la multisectorial (que nuclea desde Actores hasta Argentores, pasado por Sagai, DAC, SAT, SICA, Cappa, entre otras) denuncia que las nuevas normativas “no están pensadas para efectuar fomento a la cultura sino que abiertamente se expresa lo contrario: un financiamiento bancario severo y muy ajustado; siendo además muy notable que quienes han diseñado estas normas no conocen la compleja cadena productiva que implica la realización cinematográfica, creando así un daño sin precedentes e irreversible a toda la cadena de valor que nuestro cine ha sabido construir”. Por lo expuesto, las entidades le solicitan “al Poder Ejecutivo Nacional, al Ministerio de Cultura y a las propias autoridades del Incaa, reconsideren las medidas que pretenden adoptar y dialoguen con todo el sector audiovisual, tomando especial atención en los productores de las provincias y PyMES, que vienen dando batalla a la economía global y centralizada para continuar produciendo obras audiovisuales en todo el país.”

Por la borda

«El cine argentino, que es un ejemplo en todo el mundo por su vasta y variada producción, corre el peligro de transformarse en un negocio y relegar su condición de arte».

La definición es de Paula de Luque, la directora de Juan y Eva, que no tiene dudas sobre el hecho de que la resolución 942 del Incaa atenta de manera directa contra el espíritu de la Ley de Cine, promulgada en 1994. «Los que crean que el cine es un negocio, y que sólo las películas que venden entradas son las que vale la pena hacer, desconocen el valor cultural del arte. Además, con ese criterio, entonces concluirían que la Coca-Cola es sana porque se vende mucho», ejemplifica ante Página12.

-¿Por qué la resolución del Incaa vulnera la Ley de Cine?

-La Ley de Cine se promulgó con el espíritu de fomentar y desarrollar una industria de cine, que se financia con sus propios recursos y que tiene por objetivo construir identidad. La resolución 942 parte de la idea, errada, de que las únicas películas que valen son las que venden muchas entradas, por lo que genera condiciones que sólo las grandes productoras pueden enfrentar. No se trata de un problema con las grandes empresas, que con todo derecho persiguen el criterio de la rentabilidad. No estamos en contra de eso. El problema es que si se aplica la resolución las únicas películas que se van a  producir son las que venden. Toda una ley, que es ejemplo en el mundo y que permitió un vital desarrollo del cine argentino durante años y con distintos gobiernos, se tira por la borda. ¿Qué vale más: un poema de Borges o un capítulo de Harry Potter? Es una dicotomía absurda.

 -¿Cree que se intenta avanzar hacia un cine «rentable»?

-La educación pública no es una política aplicada para mantener maestros, sino para garantizar que la gente tenga derecho a educarse y construir una sociedad mejor y más equitativa. La salud pública no es para mantener médicos, sino para que el Estado asegure la atención de la población en caso de tener un problema. Con la cultura pasa lo mismo: la gran perjudicada es la gente si el Incaa avanza con la resolución. La Ley de Cine, que hace que tengamos un cine próspero y nos permite plantar la bandera argentina en el mundo, no está hecha para mantener directores, actores o guionistas, sino para garantizar nuestra diversidad cultural y que todos tengamos acceso a la cultura.

-En los últimos días, en paralelo a la resolución 942, hubo informes televisivos que volvieron a poner el ojo sobre el Incaa. ¿Cree que se trata de hechos aislados?

-No son aislados, sino concatenados. La resolución 942 viene acompañada de una campaña de desprestigio a la actividad, protagonizada por operaciones de prensa burdas pero no por eso menos dañinas. No todo el mundo que prende la tele sabe que lo que se dice es mentira.” (Información extraída del diario Página 12, artículo firmado por Paula Sabatés)

Declaración de entidades y profesionales del vecino país

Solidaridad del cine brasileño

Texto enviado al Ministerio de Cultura de la Argentina y al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales – Incaa

“Estimados señores:

Al tomar conocimiento de la carta-manifestación firmada por dieciséis entidades representativas del cine y audiovisual de vuestra nación, representadas a través de la MULTISECTORIAL AUDIOVISUAL DE ARGENTINA, país hermano y con quién venimos estrechando lazos y una creciente cooperación de producciones audiovisuales, a través incluso de convocatorias de coproducción bilaterales para largometrajes y ahora también en evaluación para coproducciones de series para TV, queremos manifestar nuestra profunda preocupación por lo que pueda suceder en adelante.

Las entidades sectoriales brasileñas aquí representadas respetan y reconocen al cine y audiovisual argentino como uno de los más fértiles y creativos en el seno de las industrias creativas alrededor del mundo.

Tan fundamental para la nación Argentina y Latinoamérica como lo son las industrias audiovisuales de Brasil, Chile, México, Uruguay, Colombia y tantas otras más que consolidan más y más nuestra identidad, y resisten bravamente a la hegemónica ocupación de nuestros mercados por productos audiovisuales generados en usinas de producción y distribución de los países más ricos, en particular por Hollywood, además de la masiva producción televisiva de los Estados Unidos entre otras.

Estamos completamente a favor de la diversidad y libertad cultural y audiovisual, así como del avance de mercados cada vez más abiertos también a los productos altamente calificados provenientes de esas economías más desarrolladas.  Sin embargo, en ambos países sabemos que solo seremos capaces de hacer frente a la extrema competitividad de los agentes más poderosos de la industria cinematográfica y audiovisual internacional, si contamos con políticas de Estado sólidas, permanentes y compartidas con la sociedad civil.  Para lo cual es indispensable que la actividad audiovisual de nuestros países esté regulada y nuestra industria estimulada y protegida. En Brasil, en medio de una crisis económica sin precedentes como la de estos últimos años, nuestra industria audiovisual sigue creciendo más del 6% al año.  Esto únicamente se debe a que hay una sociedad civil y un Estado conscientes, que han sido capaces de mantener una regulación adecuada del mercado y apoyo sólido a la producción nacional. No sólo para la generación de películas y series televisivas calificadas como “comerciales”, sino de todos los géneros y estilos narrativos conocidos, donde tienen especial importancia los productos audiovisuales considerados autorales, que tantos premios internacionales han cosechado para nuestro país.  La institución brasilera máxima del sector audiovisual que es el Consejo Superior de Cine (CSC) funciona en base a una sólida y permanente participación de los representantes de las entidades del audiovisual nacional, y es gracias a ese diálogo y dinámica de ida y vuelta democrática permanente, que el sector sigue creciendo y enfrentando todo tipo de crisis económicas y coyunturales. Lo mismo observamos con respecto a la Argentina, donde sus películas y series televisivas, han alcanzado ya hace tiempo el mercado internacional, obteniendo una premiación destacada en los principales festivales de cine y audiovisuales del mundo, incluidos los Oscars que han proyectado y abierto puertas a varios de sus creadores y artistas en numerosos países.  Reducir o “endurecer” el sistema de fomento público en la Argentina, como parece asegurar la reciente Resolución 942, que está siendo objetada de manera unánime por las entidades del audiovisual argentino, implicaría moverse a contramano de la historia. La industria cultural es una de las actividades de las que vuestra nación puede sentirse más orgullosa y una de las que atrae el mayor reconocimiento internacional y miradas hacia Argentina. Interrumpir ese camino virtuoso tendría consecuencias muy negativas para la industria audiovisual de toda la región, además de generar desempleo y crisis al sector.

Queremos entonces manifestar nuestra irrestricta solidaridad hacia el cine y audiovisual argentinos, y apelar a la sensibilidad de quienes tiene la responsabilidad de conducir la producción audiovisual de vuestro país hacia un destino culturalmente impostergable en común con la nuestra y del resto de Iberoamérica, para que se restablezca el diálogo con la Multisectorial Audiovisual, sin poner en riesgo a un sector tan potente y simbólicamente significativo de vuestro importante país.”

Entidades: 

BRAVI – Brasil Audiovisual – Asociación de los Productores Independientes de televisión 


SICAV – Sindicato de la Industria Audiovisual Rio de Janeiro 


SIAESP – Sindicato de la Industria Audiovisual del Estado de São Paulo 


APRO – Associación Brasilera de La producción de Obras Audiovisuales 


FUNDACINE RS – Fundación Cinema de Rio Grande do Sul 


SIAV-RS – Sindicato de la Industria Audiovisual de Rio Grande do Sul 


SINDAV-MG – Sindicato de la Industria Audiovisual de Minas Gerais 


SIAPAR-PR – Sindicato de la Industria Audiovisual do Paraná 


SANTACINE – Sindicato de la Industria Audiovisual de Santa Catarina 


ABRACI – Associação Brasileira de Cineastas 


APACI – Associação Paulista de Cineastas 


Personalidades: 


Nelson Pereira dos Santos (director)

Lucy Barreto (director)

Cacá Diegues, (director)

Renata Almeida Magalhães (productora)

Paula Barreto (productora)

Bruno Barreto (director)

Walter Lima Jr. (director)

Tizuka Yamazaki (directora)

Anibal Massaini (productor)

Paulo Mendonça (director de Canal Brasil)

Luiz Carlos Barreto (productor)

Mariza Leão (productora)

Glaucia Camargo (productora)

Marcelo Santiago (director)

Tomadas por Magdalena Viggiani, imágenes de la movilización:

La entidad / Informan los Consejos

Compartimos un informe elaborado por María Mercedes Di Benedetto, integrante del Consejo Profesional de Radio

OCTUBRE: EFEMÉRIDES RADIOFÓNICAS

Orfilia Rico, de los escenarios al micrófono

El inolvidable Alberto Migré se encargaba de destacar que el radioteatro había sido inventado por la actriz Orfilia Rico, sin proponérselo, cuando por problemas de salud no pudo hacer más teatro. “En ese momento los directores artísticos pusieron atención y descubrieron que agregando música y sonidos a libros especialmente escritos, se gestaba un género”, recordaba el autor. La reconocida actriz venía de una extensa y triunfal trayectoria. Componiendo uno de sus personajes, había emocionado hasta las lágrimas a Florencio Sánchez quien le dijo: “Usted no es Doña Orfilia, usted es esa vieja que yo inventé para mi obra”. En octubre de 1922, la actriz queda imposibilitada de caminar. Luego de unos años de postración, se le escucha decir: -necesito trabajar;  iré a la radio, ya que la enfermedad me impide otra cosa.  Se trataba de la transmisión de “Las de Barranco”, obra que había sido su aclamado protagónico sobre el escenario.   Ante el asombro de sus compañeros de elenco, que leían frente al micrófono, la Rico recitó todos sus parlamentos de memoria. Su salud, sin embargo, continuó deteriorándose y falleció en 1936.

Dos octubres para Eva

En los primeros meses de 1943, Eva Duarte desaparece misteriosamente de los radioteatros. Regresa en octubre, cuando la prensa del espectáculo anuncia que la actriz será la protagonista de La Amazona del Destino, en radio Belgrano. Es el contrato más importante de su carrera. Eva encarnará entonces al personaje protagónico  Madame Lynch, compañera del mariscal paraguayo Francisco Solano López. La obra radial comienza el día 16 de octubre con libretos de Francisco Muñoz Azpiri y Alberto Insúa; la joven actriz está acompañada por el primer actor Florindo Ferrario. El ciclo, sobre biografías de heroínas de la historia, se extendería durante todo el año siguiente y duraría hasta otro octubre, el de 1945.

La revista Radiofilm anuncia los éxitos de radio porteña

Mercedes Carné, visionaria.

En Radio Porteña, según informa en  columna destacada la revista Radiofilm   (ejemplar del 11 de octubre de 1950)  a las 12 se puede sintonizar la compañía  de Héctor Bates; para las 15.30, la  cía. de Maruja Pibernet; Marylin y su pandilla infantil se escuchan a las 16.30, y en el horario nocturno, la compañía radioteatral  Mercedes Carné – Ricardo Trigo, a las 21. La primera actriz y cantante Mercedes Carné no llegó a trabajar en televisión, pero se adelantó a su aparición, según se desprende de estas palabras suyas: “si la radiofonía es de por sí admirable, me imagino lo que ocurrirá el día en que el público pueda vernos actuando en los estudios o en los escenarios”.

Risas en el cielo

El 7 de octubre de 1990 nos deja Miguel Coronato Paz, un maestro del humor. De periodista pasó a libretista cuando le pidieron que escribiera un guión para el actor Enrique Muiño, y así nació Ceferino, el Marqués del Gran Boleto, que se difundió durante siete años por Splendid y Belgrano. Su mayor éxito comienza en 1944 cuando da vida a Felipe, el personaje que durante 23 años interpretará Luis Sandrini en Radio El Mundo. Otro éxito de Coronato Paz fue El Relámpago, que transcurría en la hipotética y alegre redacción de un diario y se irradió 17 años en la misma emisora de Maipú 555.

El ciclo regresó con obra de Hugo Carcabal y con Carolina Papaleo como protagonista; próxima obra: “Encontrarse” de Mariano Alberto Fernández, el 19 de octubre

14º CONCURSO DE RADIOTEATRO PARA APLAUDIR 2017

El Consejo Profesional de Radio recuerda  la programación correspondiente a la realización de las últimas obras seleccionadas por el jurado constituído por Nora Lafón, Daniel Miglioranza y Santiago Doria.

Prol, protagonista de la obra de Fernández.

“Encontrarse”, la obra de Mariano Alberto Fernández será la próxima pieza  y se verá el 19 de octubre. Dirigirá Rubén Stella. Presentación y relatos: Miguel Jordán. Protagonista: Esteban Prol. Elenco por orden alfabético: Analía  García Barbari, Anahí Martella, Graciela Martinelli y Gabriel Rovito. Sinopsis: la vida nos da sorpresas y nos prepara para lo inesperado, incluso para los desencuentros y la injusticia, una historia para encontrar el amor, para encontrarse uno mismo, para encontrarse con la verdad, con la historia que nos fue ocultada y arrebatada, un kiosco de revistas , un accidente de tránsito y un secreto que se devela…¿a tiempo?

El ciclo continuará con “Mentiras piadosas” de Facundo Torralba Agú, el 9 de noviembre y con “La felicidad corría en círculo” de Sonia Amor Suárez y Agustín Durruty, el de 23 de noviembre. La entrada a cada presentación será libre y gratuita, a cupo del  auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo 1820, a las 19.30.

La entidad / Información general

El 12 de octubre, en el auditorio de Argentores; hablarán los autores de la obra y Guillermo Hardwick, Secretario de nuestra entidad, quien se referirá al plan “Argentores Federal”

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “EL IRREVERENTE MENSAJE DEL TEATRO / OSCAR FESSLER EN SANTA FE”, DE PAOLANTONIO Y DEGREGORI

El libro “El irreverente mensaje del teatro / Oscar Fessler en Santa Fe”, de Jose María Paolantonio y Oscar Roque Degregori será presentado el jueves 12 de octubre, a las 19, en el auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo  1820, con entrada libre.

En la ocasión,  hablarán los autores de la obra y Guillermo Hardwick, Secretario de nuestra entidad, quien se referirá al plan “Argentores Federal” que, como se recordará, es un activo programa de acercamiento con los autores provinciales para apoyar la actividad de guionistas y dramaturgos de todo el país.

En la solapa del trabajo se indica: “este libro habla del movimiento teatral independiente cuando estaba en su plenitud, más allá de los avatares políticos y militares que transcurrían  a su alrededor.”

“En general, la historia se ha contado desde Buenos Aires y el flujo fue mucho más abarcador y las culturas locales recibieron la misma influencia y la misma dinámica”, se expresa también.

“Hay -se agrega- un vacío en el conocimiento de la totalidad del movimiento al que este libro trata de salvar, por lo menos en parte de lo que sucedió en Santa Fe, ciudad histórica de la institucionalidad.”

Se puntualiza entonces que el relato es también un homenaje a un creador europeo: Oscar Fessler, quien, de acuerdo al texto, “recreó el movimiento que ya estaba en marcha en Santa Fe y también una metodología tanto para actores como para directores y dramaturgos, con sólidas bases teórico-prácticas. Buscó la calidad y exigió rigor en el trabajo en todas sus áreas desde que consiguió fundar la Escuela de Teatro de la Provincia de Santa Fe.”

El país

Mensaje a las autoridades del INCAA

TRIUNFO ARGENTINO EN SAN SEBASTIÁN

Diego Lerman y María Meira fueron reconocidos en el rubro Mejor Guión por “Una especie de familia”

“En una situación en la que la industria audiovisual advierte sobre la gravedad de las nuevas medidas del INCAA, Diego Lerman y María Meira fueron galardonados por su guion y Anahí Berneri y Sofía Gala Castiglione fueron distinguidas como directora y actriz /  “Una especie de familia” y “Alanís”, protagonistas en el Festival de Cine de San Sebastián: premios que llegan en el peor momento.

Vaya paradoja: en el peor momento de la industria cinematográfica argentina, cuando está siendo vapuleada desde el gobierno con las resoluciones del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) que buscan asfixiar la producción local, y mientras la comunidad audiovisual resiste con fortaleza, los artistas del cine nacional demostraron en el Festival de San Sebastián que, a pesar de esos vientos de cambio que propone la oleada neoliberal, el mar de la creatividad ruge con fuerza. Las dos películas argentinas que participaron de la Competencia Oficial de la 65º edición de la muestra donostiarra fueron premiadas en rubros muy importantes: por “Alanís” fueron galardonadas Anahí Berneri y Sofía Gala Castiglione en las categorías Mejor Dirección y Mejor Actriz. Diego Lerman y María Meira fueron reconocidos en el rubro Mejor Guión por “Una especie de familia”, dirigida también por Lerman. La Concha de Oro a la Mejor Película, en tanto, fue para The Disaster Artist, del actor y director estadounidense James Franco.

El Jurado Oficial, presidido por el actor John Malkovich premió a Lerman y Meira por el brillante guión de una película notable que habla sobre la adopción ilegal, las mafias y la necesidad imperiosa que tienen muchas mujeres de cumplir el sueño de ser madres, a veces a toda costa.

«Quiero compartirlo con mis compatriotas cineastas argentinos que estamos viviendo una situación difícil y frágil porque está en riesgo hacer películas como Una especie de familia y tantas otras.  Apoyo la diversidad, la pluralidad del cine y las miradas», afirmó Lerman en alusión al conflicto que está muy lejos de aplacarse.

Primera mujer en la historia del festival en ganar la Concha de Plata a la Mejor Directora, Berneri señaló al subir al escenario: «¡Qué honor enorme!  Agradezco al jurado. Es un premio soñado en el festival que más quiero». No es para menos: la cineasta es muy reconocida en la muestra donostiarra ya que “Alanís” fue su tercera película en integrar la competencia, que en esta edición cierra de la mejor manera. «Comparto este premio con todas las mujeres directoras de cine. ¡Es nuestro, chicas!», dijo. Agradeció a la agrupación que integra, Proyecto Cine Independiente (PCI), a Fundación Sagai (que organizó la propuesta de un corto del que surgió este largometraje) y quiso compartirlo con todo el equipo, «muy especialmente con todas las mujeres que han inspirado esta película y que nos han contado con mucho valor sus historias de vida», concluyó Berneri. Las mujeres a las que refirió la realizadora argentina son personas que han tenido vínculo con la prostitución, tema que atraviesa la historia ya que “Alanís” pone el foco en la dignidad de una prostituta que es madre de un niño muy pequeño al que amamanta y se ve obligada a sobrevivir en un contexto hostil. «¡Qué nervios!», expresó Gala Castiglione al recibir la Concha de Plata, también con un gran mérito. «Quiero compartir este premio con todo el equipo de “Alanís”, con Anahí Berneri, la mejor directora lejos.

Berneri y Sofía Gala, premiadas por la película “Alanis”

¡Te amo Anahí!», expresó la actriz visiblemente emocionada. Luego enumeró una larga lista a quienes quiso dedicarles la distinción: a su padre fallecido, su madre Moria Casán, su hijo y su marido. Y también «a las mujeres que son las protagonistas de esta película. Y a las mujeres fuertes porque ¡podemos y el futuro es nuestro!». Alanís también obtuvo el Premio paralelo de la Cooperación Española, para la película latinoamericana que mejor contribuya al desarrollo humano, la erradicación de la pobreza y el pleno ejercicio de los DDHH. En la Competencia Oficial el mejor actor fue Bogdan Dumitrache por Pororoca,  mientras que el Premio Especial del Jurado lo obtuvo la española Handia. (Información extraída de Página 12, artículo firmado por Oscar Ranzani)

Están dirigidas a artistas emergentes ( técnicos, profesionales, estudiantes, productores y gestores culturales)

PLAN DE BECAS DEL INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO PARA 2018

¿Qué son? Cuatro líneas de becas para el 2018 del Instituto Nacional del Teatro que incluyen una línea de convocatoria internacional y tres nacionales. Este plan de becas tiene como objetivos centrales la promoción y desarrollo de las artes escénicas.

¿A quiénes está dirigida? A artistas emergentes, para técnicos, profesionales, estudiantes, productores y gestores culturales.

Fechas de inscripción: Beca Internacional para artistas emergentes: 15 de setiembre al 15 de octubre de 2017 / Tres líneas restantes de apoyo nacional: 15 de setiembre al 15 de noviembre de 2017.

Sobre las becas:

Beca internacional para artistas emergentes

El INT dispone de becas individuales internacionales de estudio o perfeccionamiento en el rubro artístico y/o técnico. Las mismas están planteadas como una herramienta de formación y desarrollo, cuyos resultados deben ser capitalizados por el lugar de origen del becario. La convocatoria prevé el otorgamiento de 12 becas internacionales destinadas a artistas, técnicos, profesionales y estudiantes, para su formación, capacitación y perfeccionamiento en el campo de las artes escénicas, rubro artístico y/o técnico, a realizarse en el año 2018. Se otorgarán hasta 2 becas por cada región del país, de acuerdo al orden de mérito, según lo determine el Jurado Nacional de Calificación de Proyectos y a los recursos presupuestarios existentes.

A partir de esta línea de apoyo lanzada en 2016 se beneficiaron 12 becarios de todo el país.

Beca nacional de estudio o perfeccionamiento – rubros artístico y/o técnico

Están planteadas como una herramienta de formación y desarrollo, cuyos resultados deben ser capitalizados por el lugar de origen del becario. La convocatoria prevé el otorgamiento de 48 becas destinadas a artistas, técnicos, profesionales, y estudiantes, para apoyar y promover su formación, capacitación y perfeccionamiento, en el campo de las artes escénicas, rubro artístico y/o técnico, a realizarse en el año 2018 en la República Argentina. Las becas deberán ser individuales y atenderán parcialmente a gastos de pasajes aéreos y/o terrestres, estadía, alimentación, matrícula, bibliografía, materiales de estudio, honorarios docentes, aranceles, entre otros. El plan de estudio de la beca deberá enmarcarse en el término de un año de duración como máximo.

Beca nacional de estudio o perfeccionamiento – rubros gestión y producción teatral:

La convocatoria prevé el otorgamiento de 48 becas destinadas a artistas, técnicos, profesionales, y estudiantes, para apoyar y promover su formación, capacitación y perfeccionamiento, en el campo de las artes escénicas, rubro gestión y/o producción teatral, a realizarse en el año 2018 en Argentina. El otorgamiento de las mismas será de 2 becas por provincia, de acuerdo al orden de mérito, según lo determine el Jurado Nacional de Calificación de Proyectos. Las becas deberán ser individuales y atenderán parcialmente a gastos de pasajes aéreos y/o terrestres, estadía, alimentación, matrícula, bibliografía, materiales de estudio, honorarios docentes, aranceles, entre otros. El plan de estudio de la beca deberá enmarcarse en el término de un año de duración como máximo.

Beca de investigación

El INT dispone de Becas de Investigación, que pueden ser individuales o grupales. Las mismas están planteadas como una herramienta de investigación y desarrollo, cuyos resultados deben ser capitalizados por la comunidad teatral. La convocatoria prevé el otorgamiento de 48 becas, las cuales podrán ser individuales o grupales, solicitadas únicamente por personas humanas, y deberán tener un tutor de trabajo de investigación. El otorgamiento de las mismas será de 2 becas por provincia, de acuerdo al orden de mérito, según lo determine el Jurado Nacional de Calificación de Proyectos.

Para mayor información, tipear

https://www.cultura.gob.ar/plan-de-becas-del-instituto-nacional-del-teatro-para-2018_4735/

Se esperan delegaciones de distintos países

CORDOBA: COMIENZA EL “FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DEL MERCOSUR”

Este viernes 6 se pone en marcha la 11ª edición del Festival de Teatro Mercosur 2017. Hasta el 15 se reanuda el ritual en el que Córdoba es anfitriona del teatro que llega de todos los rincones del planeta. Obras de 17 países (Bélgica, Canadá, Italia, España, Portugal, Suecia, Serbia, República Checa, Brasil, México, Ecuador, Cuba, Uruguay, Venezuela, Colombia, Bolivia), y alrededor de 50 obras procedentes de Buenos Aires, Santa Fe, Entre Ríos, Salta, Tucumán, Catamarca y Córdoba integran la grilla del Festival Internacional de Teatro Mercosur 2017.

Para conocer la programación completa del festival, tipear:

http://vos.lavoz.com.ar/escena/obra-por-obra-dia-por-dia-toda-la-programacion-del-festival-de-teatro-del-mercosur-2017

Dossier especial: mujeres creando

Entrevista con Lucrecia Martel; la directora y autora cuenta cómo reinventó  “Zama”, una novela tan poderosa que “intoxica”

 UNA PELÍCULA COMO REESCRITURA VIRTUOSA

De Palermo a Venecia, ida y vuelta.

“Hace algún tiempo, en una lindísima columna, Lucrecia Martel contaba que había decidido filmar Zama porque el libro la había intoxicado. Es un modo sorprendente de definir el efecto radical de una lectura. La novela, escrita por el mendocino Antonio Di Benedetto con 34 años, narra la espera de un funcionario criollo, corregidor atrapado en medio de un cambio burocrático en la Colonia, en las afueras de Asunción, a fines del siglo XVIII. Quizá el propio Diego de Zama haya sido el primer intoxicado con su propio estancamiento.

Para la directora de La ciénaga y La mujer sin cabeza se trata de un gran regreso, tras diez años sin un largometraje, que supone también la profundización de una búsqueda estética. Con su Zama ha encarado una interpretación propia, antes que una adaptación. La película obvia los nudos argumentales del libro y ha prescindido hasta de esa potente imagen inicial del mono muerto que gira en un remolino del río. No relata la espera –de hecho apenas se la nombra–, sino lo que ésta produce: una desintegración por saltos drásticos. Sin embargo, las imágenes se quedan con el espectador por largos días (¿no es esa la superioridad de un cineasta?) alimentándolo con una especie de “cine natural”, que coincide con el descubrimiento de un Nuevo Mundo.

Narrar la espera y la identidad. Diego de Zama, interpretado en la película de Martel por el mexicano Daniel Giménez Cacho, de cara al Paraná.

–Confesaste que llevaste Zama al cine porque te contaminó por completo su lectura. ¿Qué te afectaba: su estilo de escritura, la situación de espera, la indefinición del lugar?

–Hace unos años, cuando hice unos audiolibros para la Secretaría de Cultura, me preguntaba cómo había que grabar un cuento. En Internet encontrás de todo. Y también encontrás ese tono, que incluso usan los escritores, de la solemnidad de la palabra escrita. Algunos son capaces de leer incluso a Osvaldo Lamborghini como si estuvieran izando la bandera. Pensando sobre eso, me preguntaba cuál es el sonido en la cabeza del lector mientras lee.

–¿Cómo uno se lee a sí mismo?

–Claro, ¿es la voz de uno? ¿Es la voz de otro? ¿Es la voz de alguien que uno conoce? ¿Es una voz que nunca escuchó? Ese sonido existe. Y retumba. La novela es una inmersión que requiere tiempo y páginas; por lo menos las primeras 40. La poesía es como un popper; nunca lo probé pero me dijeron que el efecto es inmediato. Pensando en eso, me di cuenta de que hay un ritmo que es sonoro, que no es audible, que sucede en el cerebro de uno con la literatura y que en algunos escritores, por la construcción gramatical que hacen, lo podés percibir con bastante rapidez. Uno entra en un ritmo, un uso de la respiración y una sonoridad inexistentes. A veces necesitás escuchar ese sonido.

–¿Con Zama qué hacías, leías el libro en voz alta?

–Cuando empecé a trabajar en la película, algunas partes me hacían pensar que la forma de escritura de Di Benedetto (yo no sé nada de crítica literaria) te obliga al remolino. El comienzo –el mono que gira en el remolino en el río– está en su prosa. A veces te obliga físicamente a leer una cosa, unas sentencias, y a veces sencillamente el pensamiento es espiralado. Eso que produce es como la fiebre, te modifica físicamente. El ritmo que va generando te mete en una cosa de la que no se sale fácilmente. Y a eso hay que sumarle las circunstancias externas, que siempre son importantes para un libro.

–¿Cuándo y en qué contexto lo leíste?

–En 2010, cuando iba navegando por el río Paraná. Me dejó como en un estado febril, de euforia. Escucho a quienes dicen que hay algo amargo en Zama; creo que se confunden con esa frase de “Digo no a sus esperanzas”. Somos un país tan católico que pensamos que decir “no” a las esperanzas es algo malo. Al contrario, decir “no” a las esperanzas es el acto humano de rebeldía más grande. Ser capaces de destruir las esperanzas. Si anduviéramos así por el mundo, seríamos casi inmortales. Terminé la novela imbuida en ese veneno. Y pensar que hay lectores que se lo pierden y se enfocan en la boludez del argumento.

–Tus películas descansan cada vez menos en una trama. En Zama montás tres instancias de la vida del protagonista, Diego de Zama, sin ocuparte de qué lo lleva de la una a la otra.

–Creo que se ha perdido mucho la capacidad de enfocarnos en la riqueza estética, en la percepción de una sonoridad y una musicalidad, en favor del argumento, que satisface de manera instantánea. En buena medida, ha sido obra de las series, que aplanaron la experiencia del espectador y el lector. Es la torpeza nuestra separar la cultura del entretenimiento. Hollywood hizo un gran esfuerzo para separar eso. ¿Viste cuando se preocupan porque los niños no leen? Para que los niños lean tienen que tener el libro y tienen que tener una buena circunstancia de lectura.

–Hay otro recorte que hacés que no se atiene a los hitos del relato. No prestás mucha atención a la tragedia personal de la reforma burocrática de la Colonia, por nombrar uno solo.

–El proceso que sucede en el lector que se intoxica con la novela y que para salir de ese estado tiene que crear otra cosa, no implica que necesita todos los elementos de eso que lo intoxicó. De las muchísimas cosas más que hay en la novela, que no existen en la película, la que a mí más me había afectado –quizá por las circunstancias en las que yo hice ese viaje, el viaje de la escritura, donde leí por primera vez Zama– es la trampa de uno mismo, la trampa de la identidad. Es una cosa que todos conocemos o intuimos pero a veces subestimamos su efecto. Es que, en la medida que uno se cree algo, las posibilidades de fracaso son enormes. En ese punto, las mujeres tenemos un buen entrenamiento. Siempre tuve la sensación de Zama como una novela muy femenina, con un registro de personaje muy femenino, un tipo que está pendiente de su deseo sin concretarlo. Eso es algo muy femenino. Con un final muy femenino pero un relato muy masculino: alguien que se resiste a dejar de ser alguien. El fracaso es un invento que sólo puede existir si aceptás un montón de arbitrariedades culturales. Si no, no existe. En la cultura de las mujeres, por un montón de circunstancias que no son quizá las que elegiríamos individualmente, tenemos un entrenamiento para cambiar de rumbo rápido. Eso es lo que nos hace guerreras. Un guerrero no es el espíritu heroico estúpido que se exalta en las películas del que va de pechito contra la lanza. Es la rata, que se va moviendo a ver cómo logra la cosa, diciéndose “por acá salió mal, voy por allá”.

–Tampoco te atuviste al libro en cuanto a la manceba de Zama.

–La habré visto en alguna cosa pero fue una idea que se nos ocurrió ahí pintarles el cuello de rojo y ponerles una línea de puntos, todas mentiras. Puede que sean cosas que hayan existido pero las pusimos nosotros como quisimos. Lo que sí, la mujer que habla guaraní mbiá, en esa escena que hace de la madre del hijo de Zama, es hija de un cacique y es una princesa. ¡Con un desprecio nos trataba a todos! Te dabas cuenta de que eras de una casta inferior. Nos trataba con asco.

–En una versión previa, dirigida por Nicolás Sarquís, el protagonista abandonó ya comenzado el rodaje y nunca se pudo completar. ¿Cómo pesaba en vos el aura maldita de Zama?

–Cuando me enfermé pensé que había sido muy ingenua por no creer en ese aura nefasta y que quizá existía un mundo en el que yo no creía y que sí funcionaba.

–¿Te enfermaste cuando habías terminado de grabar?

–No, ya había terminado una primera edición, el primer corte. Y durante unos cuantos meses del tratamiento estuve pensando qué iba a hacer, quién lo iba a terminar. Una de mis ocurrencias entonces, aunque me parecía que los productores no iban a estar de acuerdo, era poner todo el material filmado en free source, que fuera de acceso libre. Y esperar a que el tiempo diera algún otro Zama, otra versión. Quizá habría que hacerlo con todas las películas.

–¿En algún momento sentiste peligro por tu vida?

–Sí, cuando me enfermé, las chances de que el tratamiento no sirviera existían en un porcentaje altísimo. Pero no tuve miedo por la satisfacción que tengo con mi vida. Es más de lo que me imaginaba y se parece a lo que soñaba. Así que no tenía miedo. Además, si uno no abraza las enfermedades como algo propio y se enemista con su cuerpo enfermo, empieza la locura y el miedo. Y no hice eso, pero no de viva sino porque me salió así. ¿Sabés lo que hice durante ese tiempo? Escribí sobre un camino que quería hacer, un camino de 2 kilómetros y medio muy difícil. Me concentré, y pienso que eso ayudó.

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Cuenta historias horribles con humor, dice Patricia Suárez; lectora voraz, cuatro piezas suya están hoy en escena

UN PUÑADO DE HISTORIAS TERRIBLES LLEVADAS A ESCENA CON MUCHO HUMOR

Suárez, loca por los libros: «Para poder leer soy capaz de cualquier cosa».

“En una de sus últimas novelas, La renguera del perro, la escritora y periodista cultural Patricia Suárez diseña un personaje, Ana Wasserman, que tiene una cualidad que la acerca mucho a su mundo personal: el profundo gusto por la lectura. Ana, como la autora, consume ansiosamente cuanto libro descubre y cada historia la lleva a fantasías inesperadas.  «Todos los personajes tienen algo de uno -dice ella-. Soy una loca de los libros. Para poder leer, por tener libros, soy capaz de cualquier cosa.» Y a medida que transcurre la charla comenta que en los últimos días pasó de leer un vodevil de Eugène Labiche a La casa de los eucaliptos, un magnífico compilado de cuentos del narrador cordobés Luciano Lamberti. También se detiene en los dos últimos textos teatrales de Griselda Gambaro (Querido Ibsen, soy Nora y El don), y Heldenplatz, de Thomas Bernhard. Convencida de que la literatura iba a transformarse en su campo de trabajo desde muy joven, Patricia Suárez comenzó escribiendo poesía, narrativa y textos infantiles, y casi por casualidad un día se topó con el teatro y hoy asegura que se divierte mucho moviéndose en ese género.

En este momento se presentan cuatro piezas de su autoría en Buenos Aires, La vajilla, con dirección de Adrián Cardoso; La joya más preciada, que escribió junto con Sandra Franzen y es dirigida por Graciela Pereyra; El juicio de Rica, llevada a escena por Claudio Aprile, y El año de la ilusión, versión de La gaviota, de Antón Chéjov, una puesta de Marcelo Moncarz.

Materiales muy diferentes que mantienen una constante y que la creadora sintetiza con estas palabras: «Siempre cuento una historia horrible con mucho humor. En escena suceden cosas trágicas que provocan risa. Además, siempre tengo un personaje que está un poco loco». Y pone el acento en Carmencita, otro texto que se estrenó este año con dirección de Mariano Dossena. Nacida en Rosario, Patricia Suárez llegó a Buenos Aires a comienzos de 2000 con tan buena ventura que, tres años después, obtuvo el premio Clarín por su novela Perdida en el momento. Enseguida le ofrecieron estrenar en el Nacional Cervantes Rudolf, con dirección de Dora Milea, y de inmediato surgió el proyecto de Las polacas, una trilogía de obras que Laura Yusem, Elvira Onetto y Clara Pizarro montaron en Patio de Actores. Entonces decidió quedarse en Buenos Aires.

«Visto desde este presente, siento que éste es el lugar donde debo vivir. ¿En qué otra ciudad del país te pasan estas cosas? Las polacas era un proyecto que se iba a representar dos meses y se mantuvo en cartel dos años. En Rosario me decían: “Me encantan tus poemas, tus cuentitos”. Nadie quería saber que escribía teatro.

«Lo extraño es que la escritura de su primer texto teatral, Valhala, no le resultó sencilla. Ella cuenta: «Un día llegó Mauricio Kartun a Rosario para dictar un curso en la Escuela Provincial de Teatro. Me anoté porque quería aprender a dialogar bien en la narrativa. Y me encantó. Después me vine para acá y durante siete meses seguí estudiando con él. Valhala me costó tanto, pero tanto, que pensé que nunca más iba a escribir dramaturgia. El texto teatral resolviéndose página a página, con lo que cada personaje dice y no dice, siente y no siente. No podés tener la obra armada de antemano. Un día estaba escribiendo y mi hija me pregunta: “Mamá, ¿estás hablando sola?”. Y sí, hago eso, escucho como hablan los personajes mientras escribo y les respondo». Cuando se le consulta si cree que en sus textos se mantiene algo del mundo santafecino, responde: «En determinadas obras oigo a mi abuela o a mi padre, recupero sus formas de pensar. A lo mejor escribo mucho teatro porque necesito mantenerlos en vida. Recuerdo que el día que le conté a mi papá que iba a ser escritora me dijo: “Te vas a suicidar si hacés eso”. Vengo de una familia de comerciantes por generaciones. Lo que menos esperaban de mí era esto. En los 90 comencé a escribir. El país estaba gobernado por Carlos Menem. Él fundió a todas las pequeñas empresas y yo encontré mi libertad. Si no era por eso y el negocio hubiera mantenido su prosperidad, quizá estaría ahí. Los males nunca son tan oscuros como uno cree». (Extraído del diario La Nación, artículo firmado por Carlos Pacheco)

Ana Alvarado y su obra “Diarios de 15”; la dramaturga y directora construyó una serie de secuencias alrededor de los textos que solían componer los diarios de adolescencia

AQUELLAS LETRAS ÍNTIMAS

“Licenciada en Artes Visuales y especialista en Teatro de Objetos, además de haber integrado el grupo Periférico de Objetos, Ana Alvarado ha incursionado como directora y dramaturga en una variedad de espectáculos, más allá de la estética del Teatro Objetual, como también se conoce al género sobre el cual dicta clases en la Unsam. Desde hace algunos meses a cargo de la compañía de titiriteros de esta universidad, Alvarado tomó como disparador del primer espectáculo de este conjunto un tema sobre el cual comenzó a investigar el año pasado con la idea de escribir en el futuro una obra: los diarios íntimos que las chicas tradicionalmente reciben -o recibían, tal vez- al cumplir los 15.

Alvarado pudo recolectar una serie de aquellos cuadernos de tapa rosa, con candado y llavecita, cuyas páginas, clausuradas a la mirada de los padres, se transformaban en el espacio íntimo donde, a través de anécdotas, quejas y expresiones de deseo, la autora dirimía temas ligados a la identidad y al rol ocupado en la familia y en otros espacios de sociabilidad. La directora advierte en la entrevista con Página 12 que con el tiempo, los cuadernos rosados fueron reemplazados por libretas y agendas donde el componente escrito disminuye para dejar paso al collage y a los dibujos.

Alvarado cuenta su experiencia: «Yo recuerdo de chica haber usado una redacción muy parecida al ‘Querido Diario’ que todos conocemos, con el relato formal de lo que había hecho o lo que pensaba», dice. Claro que todo cambió con la incorporación de la tecnología y con ella, la aparición de los blogs y las redes sociales. Pero ésa es otra historia: “Diarios de 15” se basa solamente en notas y cuadernos de adolescentes, escritos entre las décadas de 1970 y 2000. «Cuando acepté la dirección de la Compañía», cuenta Alvarado, «les propuse a sus integrantes que examinaran su adolescencia para generar una experiencia basada en una investigación personal», concluye. El resultado puede verse en la sala de Sánchez de Bustamante 75, donde funciona el Centro de las Artes Unsam.

«Es un evento de recorrido pautado», detalla la directora, «una mezcla de performance y teatro que muestra, además de piezas individuales, momentos colectivos donde hay pogo, cumbia y rock», describe. Referidas al cuerpo desbordado por la sexualidad o a la necesidad de huir del hogar, al amor imposible y al sentirse en falta con las demandas del entorno familiar, entre otros motivos, las nueve secuencias presentadas tienen un desarrollo de alrededor de siete minutos. Los integrantes de la Compañía son Clara Chardin, Lucía Arias, Pablo Maidana, Anibal Flamini, Omayra Martinez Garzón, Natalia Gerardo, Guillermo Tassara, Román Lamas y Luciano Mansur.

-¿Qué características generales tenían los diarios que pudo reunir?

-Encontré patrones en común, aún con 40 años de diferencia. Se repiten las lecturas que rondan lo espiritual, como las novelas de Hermann Hesse o textos de Rabindranath Tagore. Los problemas generados por el cuerpo y el propio aspecto. Y por supuesto los conflictos entre amigas. En todos los casos hay un sufrimiento intenso y fuertes angustias.

-Esos diarios eran escritos por chicas. ¿Cuáles son los temas masculinos que incluye este espectáculo? 

-En el relato de los varones aparece el barrio, la música, el despertar sexual. Y los modelos masculinos impuestos desde la figura del padre. En cada caso, cada uno indaga poéticamente en su adolescencia. Hay también un video documental que recrea el contexto de cada época.

-¿Cuáles son las referencias seleccionadas?

-De la década del ’80 hay imágenes relacionadas con Alfonsín y Malvinas, las de la década siguiente hablan de la militarización de la vida cotidiana. De los ’90 hay muchas referidas a lo musical. Luego, el cacerolazo del 2001. Tratamos de no hacer una asociación literal con la política. Ni de subrayar cuestiones que hoy, con la sensibilidad que despierta el caso Maldonado, se tornen agresivos.”  (Extraído de Pagina 12, artículo firmado por Cecilia Hopkins)

Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
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