Pamela Rementería y Marcela Guerty, autoras del guion de «Santa Evita» (Foto: Magdalena Viggiani)
Eternizarse en la queja, insistir con la catarsis, pedir imposibles, dirán algunos. Ladrarle a la luna, intentar hablar con las paredes, tiempo perdido, contestarán otros. Lo cierto es que hace años que venimos reclamando y nuestras pretensiones parecen caer en el vacío, porque volvemos a tropezar siempre con la misma piedra.
Nadie podría dudar de la capacidad de Pablo Scholtz como crítico del mundo audiovisual, ni poner en tela de juicio su saber o su experiencia. Al contrario, es uno de los más destacados profesionales del medio con años de trayectoria. Por eso duele más que en su crítica de Santa Evita, la serie, haya omitido nombrar a Marcela Guerty y Pamela Rementería como adaptadoras de la novela de Tomás Eloy Martínez. Ni siquiera están nombradas en la ficha técnica de inicio. Hay ausencias que brillan y hacen ruido.
Es curioso que en el cuerpo de la nota se haga referencia –además de la obvia mención del trabajo de los actores protagónicos– a la dirección, la producción, la iluminación, el vestuario y la dirección de arte con nombre y apellido de sus responsables (algo que está muy bien, por otro lado, porque en este negocio del espectáculo nuestro nombre es la única marca registrada que representamos), pero ignore olímpicamente a las autoras.
Es significativo, asimismo, que el crítico haga hincapié en aspectos de la serie que tienen que ver específicamente con el guion de adaptación sin mencionarlo.
Sabe muy bien quien escribe esta crítica cuán complejo es el proceso de transformar una obra literaria para su exposición en pantalla. Tiene claro que adaptar a conciencia no es un simple copy paste, un recorte caprichoso, una traslación mecánica hecha por cualquiera, sino una recreación llevada a cabo por un profesional, el alumbramiento de una obra nueva que lleva mucho tiempo, esfuerzo y requiere de un talento que no abunda.
Y también sabe que la tarea es mucho más delicada aún cuando se trata de una obra literaria de la trascendencia de la novela de Martínez, donde no hay lugar para errores ni subterfugios por la enorme difusión que tuvo como libro, algo que condiciona y, hasta por momentos, encorseta a las adaptadoras y las obliga a un máximo de entrega.
Los autores no pedimos elogios si no los merecemos, ni tampoco indulgencia en el juicio por nuestro trabajo: pedimos simplemente ser registrados, tener nombre y apellido como el resto del elenco. En términos de espacio son apenas un par de líneas más, nada que no pueda resolver un buen diagramador.
En este caso, la humilde pretensión de cualquier autor o autora sería figurar en los créditos de una crítica tan importante y extensa por el aporte que han hecho a la obra. Por haber sido quienes diseñaron el mapa de la serie para que pudieran transitar por ella – sin perderse en la maraña de una obra literaria inabordable como tal para la pantalla – los actores, los directores, los vestuaristas, los directores de arte y los críticos.
Del encuentro participó el Presidente de Argentores, Miguel Ángel Diani, y el Gerente de Internacionales de la entidad, Dr. Germán Gutiérrez
Dr. Germán Gutiérrez, Geydi Klum, Miguel Ángel Diani, Sylvie Forbin y Adriana Saldarriaga
El Presidente de Argentores, Miguel Ángel Diani, y el Gerente de Internacionales, doctor Germán Gutiérrez, en representación de la FESAAL, se reunieron en Ginebra con la señora Sylvie Forbin, Directora General Adjunta de la OMPI (Organización Mundial de la Propiedad Intelectual), y encargada del comité sobre derechos de autor y derechos conexos.
La OMPI es el foro mundial en lo que atañe a servicios, políticas, cooperación e información en materia de propiedad intelectual (P.I.). Es un organismo de las Naciones Unidas, autofinanciado, que cuenta con 193 Estados miembros.
La misión de la OMPI es llevar la iniciativa en el desarrollo de un sistema internacional de P.I. equilibrado y eficaz, que permita la innovación y la creatividad en beneficio de todos. El mandato y los órganos rectores de la OMPI, así como los procedimientos que rigen su funcionamiento, están recogidos en el Convenio de la OMPI, por el que se estableció la Organización en 1967.
En este contexto, la OMPI trabaja sobre temas de derechos de autor y derechos conexos, Marcas, Diseños Industriales y Patentes de invención a través de sus Comités, el de derechos de autor y derechos conexos, el comité sobre Marcas, Diseños Industriales e indicaciones geográficas y el de Patentes de invención.
FESAAL (Federación de Sociedades de Autores Audiovisuales de Latinoamérica) fue aceptada como miembro observador de la OMPI el año pasado y por esa razón, ARGENTORES como miembro fundador y miembro del comité Ejecutivo de FESAAL, concurrió a la 63 asamblea de la OMPI.
Inauguración de la 63ª Asamblea de la OMPI
Más allá de los temas que se están tratando actualmente en el Comité Permanente de Derechos de Autor y Derechos Conexos de la OMPI, es decir un convenio internacional sobre organismos de radiodifusión y otro sobre limitaciones y excepciones al derecho de autor, FESAAL concurre en procura de negociar un convenio internacional sobre derechos de remuneración para los autores de las obras audiovisuales.
De lograrlo, este convenio permitirá a los autores de las obras audiovisuales percibir sus derechos en todos los territorios que se adhieran al mismo.
En una reunión privada de FESAAL con la señora Sylvie Forbin, de la cual también participó la doctora Adriana Saldarriaga, abogada de DASC (Sociedad Colombiana de Directores Audiovisuales) y de REDES (Red colombiana de escritores audiovisuales), se abordaron temas relativos al funcionamiento de FESAAL y de AVACI (Confederación Internacional de Autores Audiovisuales). La funcionaria de la OMPI se mostró interesada en la confederación, en quiénes eran sus socios y sus fundadores, y en cuáles eran sus objetivos. También preguntó por el trabajo mancomunado con otras organizaciones. A continuación se trató el tema del convenio mencionado anteriormente. La señora Forbin propuso que se presentara un pedido de recomendación sobre derechos de remuneración para los autores de las obras audiovisuales, ante el comité que ella preside, y los representantes de las entidades presentes en el encuentro se comprometieron a trabajar en el tema.
Cabe destacar que resulta de vital importancia la presencia de FESAAL en este espacio internacional dado que desde allí se generan normas que luego impactan sobre las legislaciones nacionales y, de esa manera, en los intereses de los autores.
Desde Argentores queremos saludar a los y las intérpretes en su día, cuando se conmemoran los 68 años de la creación de la Asociación Argentina de Intérpretes (AADI) en defensa de los derechos del intérprete musical en nuestro país.
Se realizará los días 23 y 24 de julio con entrada libre y gratuita
«Cholitas», de Pablo Iraburu y Jaime Murciego
Los días 23 y 24 de julio se llevará a cabo una nueva Muestra Internacional de Cine Independiente de El Palomar, organizada por EPA CINE, que incluye propuestas para toda la familia en la Asociación Cultural de Arte y Vida (Remedios de Escalada de San Martín 6750, Martín Coronado).
La misma cuenta con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y del programa Gestionar Futuro (Secretaría de Gestión Cultural) y será con entrada libre y gratuita.
Esta edición contará con las siguientes actividades: Muestra Internacional de largometrajes, Muestra Nacional de cortometrajes, Taller de Stop Motion para familias dictado por Paula Kipen y Muestra de cortometrajes para infancias.
PROGRAMACIÓN
Sábado 23/7
18 H. Rancho, de Pedro Speroni (Argentina, 2021, 72 min.)
En una cárcel de máxima seguridad un boxeador busca su libertad y recibe consejos del líder del pabellón, un hombre que está preso hace 30 años y es el faro de todos los que están allí. También hay un grupo de jóvenes que sueñan con ser millonarios y un muchacho que ingresa por matar a su padrastro. Este universo será puesto en juego por este grupo de hombres en el abismo.
20 H. Las picapedreras, de Azul Aizenberg (Argentina, 2021, 16 min.) + Cholitas, de Pablo Iraburu y Jaime Murciego (Bolivia, 2019, 80 min.)
Las picapedreras, de Azul Aizenberg
Un libro de historia, una película salvada de las llamas de la dictadura, un director de cine exiliado y un acervo de películas pirateadas. Una realizadora busca reconstruir con estos materiales las imágenes de las mujeres que hicieron triunfar la huelga más larga de la historia argentina.
Cholitas, de Pablo Iraburu y Jaime Murciego
Cinco mujeres indígenas bolivianas protagonizan una expedición única. Como símbolo de liberación y empoderamiento se proponen escalar la montaña más alta de América. Su imagen es sorprendente: escalan vistiendo su falda tradicional. Son algo más que escaladoras, son mujeres valientes que encuentran en la montaña un espacio para sentirse libres, felices y vivas. Su aventura mostrará al mundo una manera inspiradora de ser mujer, de vivir la tradición y de relacionarse con la madre naturaleza.
Domingo 24/7
14 H. Taller de stop motion para familias dictado por Paula Kipen
Este taller propone la construcción de una pequeña historia animada. A través de esta actividad, las y los participantes se conectarán con los conceptos básicos de aquellos recursos audiovisuales para poder crear dichas animaciones. A través de distintas propuestas, se explorarán las percepciones que tienen sobre el contexto, y el grado de proximidad desde su cotidianidad. El objetivo es que todos y todas experimenten en primera persona el proceso creativo de hacer una mini película (creando personajes y decorados, y animando). Link de inscripción: aquí
17.30 H Muestra de cortometrajes para infancias
El fruto, de Matías Giacumbo (Argentina, 2020, 7 min.)
Juan Viento, de Carlos Farina (Argentina, 2020, 4 min.)
Saturno, de Gaspar Aguirre (Argentina, 2019, 7 min.)
Fernando Castets y Ricardo Rodríguez conversaron sobre “Escribir para plataformas. ¿La revalorización del autor?”
Ricardo Rodríguez y Fernando Castets
El lunes 25 de julio, a través de la plataforma Zoom, se realizó un nuevo encuentro del ciclo “Charlas con Maestras y Maestros” con la participación de los autores Fernando Castets y Ricardo Rodríguez. En esta oportunidad, bajo el título “Escribir para plataformas. ¿La revalorización del autor?”, los guionistas realizaron un recorrido por los conceptos de showrunners, writer rooms y las nuevas formas de encarar el guion audiovisual.
Como es habitual, la actividad organizada por la Comisión de Cultura de Argentores fue gratuita.
Mirá el video completo de la charla de Fernando Castets y Ricardo Rodríguez
LOS INVITADOS
FERNANDO CASTETS: Como guionista, ha escrito, entre otros, los guiones de El mismo amor, la misma lluvia, El hijo de la novia y Luna de Avellaneda, dirigidas todas por Juan Campanella. También los guiones de Pájaros de papel para España, Heleno para Brasil, Lusers y Las siete semillas para Perú y Chile, etc. También ha escrito teatro (Off-Corrientes, Más de 100 mentiras, Enamorados Anónimos) y televisión (Culpables). Entre sus últimos trabajos se encuentra EDHA, la primera serie argentina para Netflix y El Polo Opuesto para Antena 3 en España, entre otros proyectos. Su participación en tareas docentes, talleres y seminarios incluye los talleres de proyectos iberoamericanos de la Fundación Carolina y Casa de América en Madrid, la Fundación para la Investigación del Audiovisual en Valencia, la Ciudad de la Luz y el laboratorio del Sundance en Alicante, Plume & Pellicule en Suiza, la Universidad Pontificia de Salamanca y otras instituciones tanto públicas como privadas en Argentina, España, Brasil, Colombia, Venezuela, Puerto Rico, Uruguay, Cuba y Chile, entre otros países. Sus tareas en distintos medios han obtenido premios como el Kónex de Platino como guionista argentino de la década (2011), Premios del Público en Montreal, Tokyo, Suiza, La Habana, Lima, etc. Además es ganador de 3 premios Argentores, el Martín Fierro de Oro de la Televisión Argentina y una nominación al Premio de la Academia de Hollywood a la película El hijo de la novia.
RICARDO RODRIGUEZ: Autor de series como Amigos son los Amigos, Grande Pa , Mi Cuñado, Mi familia es un dibujo e Infieles. Autor de novelas como: Luna Salvaje , Yago Pasión Morena, Son de Fierro, Franco Buenaventura, Trillizos, Los Secretos de Papá. Escribió para Televisa dos novelas originales El despertar de Morgana y Todo queda en Familia. Para Telefutura de Paraguay La Doña. Hizo Doctoring de la novela La Taxista en Ecuador para Ecuavisa. En Televisa se adaptó su obra Son de Fierro con el nombre Alma de Hierro, y en Televisión Azteca Yago, Pasión Morena con el nombre Pasión Morena. Otras obras del autor fueron adaptadas en distintos países de Latinoamérica. En los últimos años ha realizado distintas Master Classes en México para SOGEM (Sociedad de Autores de México) y TELEVISA, y en la Argentina en distintas universidades como la Universidad de San Luis, la Universidad de la Punta de San Luis, la Universidad de Tierra del Fuego, la Universidad de Cuyo, etc. Escribió para Disney la serie para adultos de 13 Episodios El grito de las mariposas, que se filmó en Colombia durante el año 2022 y se estrenará próximamente por la plataforma STAR+ a nivel mundial. La serie cuenta la historia de las Hermanas Mirabal asesinadas por el dictador Vicente Leónidas Trujillo en República Dominicana el 25 de noviembre de 1960, y que provocó la caída del régimen dictatorial luego de 30 años de gobierno, y que llevó a la ONU en el año 1999 a decretar el 25 de noviembre como el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer.
Desde hace varios años, además, Ricardo Rodríguez es parte de la Junta Directiva de Argentores.
El Presidente de nuestra entidad, Miguel Ángel Diani, se reunió con su par español, Antonio Onetti
Javier Pelegrín Torrero (Gerente de internacionales de SGAE), Miguel Ángel Diani (Presidente de ARGENTORES), Antonio Onetti (Presidente de SGAE), Adrián Restrepo (Gerente general de SGAE) y Germán Gutiérrez (Gerente de internacionales de ARGENTORES)
El Presidente de Argentores Miguel Ángel Diani y el Gerente de Internacionales Germán Gutiérrez se reunieron en España con el presidente de SGAE, Antonio Onetti, dramaturgo y guionista de cine y televisión. La reunión se realizó con el equipo técnico de dicha entidad y se trabajó en optimizar el trámite de autorizaciones y liquidaciones de derechos de ambas instituciones.
Por otro lado avanzaron en un proyecto para fomentar el trabajo de los dramaturgos y dramaturgas en sendos países.
El presidente de Argentores y el Dr. Gutiérrez también llevaron a cabo reuniones con el gerente general de DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), Víctor Romano, con quien avanzaron en acuerdos para agilizar los pagos de derechos.
Por problemas ajenos a la entidad, los sistemas de Argentores permanecerán fuera de servicio durante las próximas 48 horas. Los y las mantendremos informados/as ante cualquier novedad.
Entrevista al realizador Martín Ochoa quien desde hace varios años brinda talleres en escuelas de distintos lugares del país. El trabajo de sus alumnos se verá en el próximo Festival de Cine de Mar del Plata
“Los talleres surgieron por recomendación de una productora con la que trabajé en varias oportunidades en Buenos Aires. Ellos habían trabajado en la edición anterior del Festival de Cine de San Sebastián, en coordinación con el Festival de Cine de Mar del Plata y con el municipio de esa ciudad para dar esta serie de talleres que involucra ficciones y documentales cinematográficos”, afirma el cineasta Martín Ochoa durante la entrevista realizada por ARGENTORES para la sección Obra en Construcción. “Vengo realizando la misma modalidad desde hace más de diez años y eso me ha llevado a recorrer distintos lugares. Ya tengo un programa armado que es el que se adapta a esta modalidad para alumnos de escuelas vulnerables. Son quince días intensivos donde hay que sacar dos trabajos adelante y después exhibirlos en el Festival de Mar del Plata”.
Martín Ochoa se formó en el Taller Escuela de Cine de Ituzaingó (TECI) – Directores Raúl Perrone/Aldo Paparella-. Taller de Guión y Realización de Cine y Video TMS. Realización en Cine Documental – Universidad de Madres de Plaza de Mayo y en Dirección de Actores y Actuación frente a cámara, en el Taller Municipal de Raúl Perrone. Como docente ha trabajado en la Cátedra Guión Cinematográfico 1 en Universidad de La Punta San Luis, en Dirección Cinematográfica 2 en Universidad de La Punta San Luis. Actualmente se desempeña como Profesor de Guión y Realización Cinematográfica en el Taller Municipal de Cine de Villa Mercedes (San Luis) y como Profesor de Guión y Dirección de Cine Documental en Colegio Nacional Benito Juárez. También es organizador del Festival Nacional de Cortometrajes “La Hora Mágica” en la Ciudad de Villa Mercedes San Luis y organizador del Área de Cine de Feria del Libro de Villa Mercedes San Luis. Entre sus premios y trabajos recientes cabe destacar Verte Crecer, documental ganador del concurso Gerardo Vallejo, refleja la vida de Verónica Bailone, ex viceintendenta de Villa Mercedes y en el cual dirigió y escribió el guion. Germán Avé Lallemant, El Alemán. Un explorador del Cuyum– Mediometraje 2022, también ganador concurso Gerardo Vallejo y Para saber cómo es la soledad – Cortometraje 2022, ganador concurso San Luis Cine 2022. Una casa con diez pinos– Largometraje 2019, ganó el Premio Argentores al Mejor Guion Festival Nacional de Cine con vecinos Saladillo 2020.
¿Cuáles son los cambios más significativos que notás en los talleres durante estos últimos años?
En las nuevas tecnologías, sobre todo. Tengamos presente que cuando arranco con estos talleres no hablábamos de link, sí de digital pero estaba en cinta. Y también las herramientas para poder editar, que es hoy es mucho más sencillo pero también depende de qué cámara utilices. Siempre ha sido heterogéneo el taller, en el sentido de que van adolescentes de dieciséis años hasta personas de setenta u ochenta años que también estrenan. Hubo años que fueron más prolíficas las personas mayores que las jóvenes. Si bien la modalidad siempre ha sido trabajos de práctica de cámara, pasamos por el guión, hacemos historia del cine porque es importante que ellos sepan un poco de la historia y de las corrientes. La duración es más o menos de tres horas. Trato de ser más lo más abarcativo posible, no sólo como trabajador sino cómo cinéfilo. Al principio hago una intro, converso el trazo grueso, lleno la pizarra con datos, los movimientos, las películas, los actores y las actrices emblemáticos. Similitudes con otros movimientos o movimientos contemporáneos, qué estaba sucediendo en otro lado. Siempre empiezo esa introducción de cuarenta minutos, más o menos, y vemos fragmentos de películas o trailers si la filmografía es muy extensa.
«La docencia es algo que yo disfruto mucho. Cuando percibo que la otra persona lo toma en serio, la acompaño en todo momento, aunque haya terminado el taller», asegura Ochoa
¿Suelen ver mucho cine los estudiantes del taller?
La mayoría ya viene con una carga cinéfila, sí. También se genera un ida y vuelta muy interesante. A veces ellos conocen un cine del cual me preguntan y yo no tengo idea. Por ejemplo, hay personas que están en el universo de Marvel pero quieren aprender técnicas de guion. Hay otros que se enfocan más en la dirección y no les interesa tanto la escritura. Hay todo un universo dentro del cine, hay muchas disciplinas. Es lo que trato que ellos vean con claridad. Si le interesa más el sonido, la cámara, la fotografía, o si el guion es lo suyo y no la dirección. En general a la mayoría le gusta la dirección, pero también uno intenta dar la oportunidad de que descubran otras áreas. Más allá de esto que te digo, lo van descubriendo con los ejercicios clase a clase, ejercicio a ejercicio, cortometraje a cortometraje. Siempre la modalidad ha sido ejercicios en cámara, todas las clases en donde hacemos ejercicios basados en tres tomas que pueden ser tres escenas o una escena de tres planos, eso lo decide cada uno, pero cada plano se hace en toma única. Esto se hace para que ellos sepan administrar y no hacer veinte tomas. Es la comodidad que te da lo digital. Yo vengo de la escuela de Raúl Perrone, que para mí es uno de los mejores talleres de cine que hay en el país porque es una dinámica que permite conocer rápidamente el lenguaje cinematográfico. Después podés indagar en aspectos de la teoría, pero para que vos te introduzcas me parece que es el método que funciona.
¿Cómo conviven en vos el artista y el docente?
Es todo un tema… Pero se administra el tiempo, por supuesto uno vive para esto, sobrevive con esto. La docencia es algo que yo disfruto mucho. Cuando percibo que la otra persona lo toma en serio, dentro de todas mis limitaciones y posibilidades, la acompaño en todo momento, aunque haya terminado el taller. Les pido que me envíen sus trabajos porque es lo que yo aprendí también de mis maestros. Son personas muy valiosas para mí. Creo que como alumno de esas personas, uno tiene la obligación de transmitir eso mismo. Siempre hago hincapié en que antes de encender la cámara hay que pensar en el compañerismo y salir de todas las idioteces esas de la competencia, del egocentrismo, que lamentablemente están muy latentes en el arte. Entonces yo intento inculcar el compañerismo porque es lo que recibí y me parece maravilloso. Y eso hace la diferencia respecto a otras escuelas.Yo no enseño de manera distinta cómo se escribe un guion, todas las herramientas ya están inventadas. Intentamos hacer hincapié en ser inclusivos. Es un trabajo en equipo. Incluso he tenido alumnos con ciertas discapacidades y me encanta porque veo cómo los compañeros lo incluyen. Terminan formando parte. Voy a dar mis clases encantado, meto la cámara en el bolso y pienso en las ideas para desarrollar. Tal vez no ganaré la misma plata que ganan otros, pero lo disfruto. Quiero hacer esto toda la vida y ojalá la vida me dé muchos años para seguir disfrutando mis alumnos y mis compañeros de equipo técnico. Ahora, desde mi propio lugar de creación, algo que aprendí en este oficio, porque soy asistente de dirección, y he observado distintas modalidades. Algunas me han servido, otras no. Es la experiencia que te da el oficio. Intento rodearme de gente de la cual pueda aprender. Vamos a hacer una analogía con el fútbol: tal vez el técnico no sea brillante pero tuvo la astucia de armar un buen equipo y tal vez no tenga que dar muchas indicaciones porque el equipo va solo. A mí me gusta ser muy claro previamente, rodearme de gente creativa y que tenga la misma pasión y el mismo compromiso. Si no, no va. En ciertos proyectos elegís ciertos técnicos; en otros proyectos, otros técnicos, porque es así. Tenés que tener ojos según a quién llevás dependiendo del proyecto. Intento rodearme de gente que tenga el espíritu para ese proyecto para evitarme todo tipo de problemas, aprendo observando y disfruto cómo me ayudan a potenciar una idea.
Hace años que en San Luis se generan interesantes proyectos, ¿uno podría decir que ya no está todo centralizado en Buenos Aires?
Yo he vivido veinticinco años en Buenos Aires. Hace ya diez años que volví a mis pagos. Empecé con mi taller y con un festival de cine que pronto abre una nueva convocatoria, se llama La Hora Mágica. El oficio te lleva a tener mucho contacto con actores y yo vi cómo el Instituto Nacional del Teatro, aún en pandemia, estuvieron presentes, en comunicaciones, en ayudas económicas, etc. A lo que quiero llegar es que el INCAA no lo hacía. Banco a esta gestión, Tristán Bauer fue mi profesor de Documental en la Facultad, sé quién es y su capacidad. Pero si hablamos en términos federales yo quisiera esto: el fomento. A veces hablo con gente del INCAA, siempre en buenos términos porque se trata de solucionar, y planteo hace falta espacios de fomento a la producción, además de las escuelas de cine. Hace siete años que estoy bregando para que haya un espacio INCAA en mis pagos y no he tenido respuesta. Antes te daban equipamiento para que vos pudieras hacer la sala; hoy, no. Con lo cual, espacio INCAA ya no es tal espacio. Por ahí hoy te dan el material pero las herramientas elementales no las tienen. Ahí hay una falla. Volviendo a la pregunta inicial, necesitamos que el INCAA se descentralice, que tenga oficinas por ejemplo en Córdoba, en Mendoza, en otras provincias. Cuando vos te venís al interior te das cuenta de que no todo funciona del mismo modo. Hay cosas que funcionan en las grandes ciudades y en las más chicas, no. Y viceversa. Pero para cambiar o mejorar tenés que salir a caminar y escuchar a la gente. Desde la 9 de Julio y Av. de Mayo no vas a saber todo lo que sucede en el país, no es así. Tenemos que escucharnos entre todos para poder superarnos. Es una invitación a la discusión constructiva en el marco del respeto.
Hace poco se llevó a cabo la avant premiere de Verte crecer
Se estrenó en la Ciudad de San Luis Capital con la sala prácticamente llena. Verte crecer es un documental con el que gané el concurso Gerardo Vallejo de la Secretaría de Cultura de la provincia de San Luis. Eran documentales temáticos con varios nombres de personalidades de San Luis y yo elegí una personalidad de Villa Mercedes, una militante que falleció muy jovencita, Verónica Bailone. Murió hace unos dos años. Su nombre estaba en la lista de personalidades y yo la elegí. Tuvo mucha repercusión acá porque ella era muy allegada a la gente, hacía mucho trabajo social. Cuando ella asume como viceintendenta de Villa Mercedes está muy poquito tiempo porque lamentablemente se le desata una enfermedad terminal. Pero todo el trabajo previo, social y militante, que ella había hecho anteriormente por fuera de la función pública, era muy llamativo. A mí me llamaba la atención que la gente de los barrios más humildes la querían mucho. Empecé a indagar sobre eso y es justamente lo que busqué para hacer el documental.
¿Qué fue lo que más te llamó la atención de ella cuando empezaste a investigar?
La aceptación que tenía. Hoy reina la agresión, la descalificación y el destruir al que piensa distinto. En los cuarenta y nueve años que yo tengo nunca vi un caso como el de Verónica Bailone: el día de su fallecimiento, Juntos por el Cambio -el partido contrincante porque ella era Justicialista- lo declara como el Día de la consolidación política. Ese tipo de acciones nobles y justas no se ven seguido. Creo que esto define su personalidad. Más allá de sus limitaciones del último tiempo debido a su estado de salud, Verónica salió a recorrer los barrios. No iba solamente con su grupo de asesores, iba con todos, incluso con gente de la oposición. Iban todos juntos a recorrer las calles, por lo que hacía algo totalmente distinto en la política. Lamentablemente su enfermedad truncó todo eso. Por eso es necesario mostrarla, buscando no caer en los golpes bajos de la enfermedad ni hacer propaganda política. Le dediqué la obra a su hijito de dos años, por eso el título Verte crecer. La productora es Eleonora Olguín y yo hice el guión y la dirección. Este año también se estrenó en la Ciudad de San Luis en el Centro Cultural “Puente Blanco” Germán Avé Lallemant, el alemán. Un explorador del Cuyum”. Yo la dirigí y Carlos Vera Da Souza hizo el guion y la producción. La vida de Lallemant, un personaje multifacético e inmenso. Estos documentales duran media hora porque era premisa del concurso. Reducir en media hora a un personaje multifacético como él es muy complejo. Era científico. Hizo los primeros mapas de San Luis y de la región, hizo todo un relevamiento de la flora y la fauna, ayudó a descubrir los minerales que tenemos debajo de nuestros zapatos y también trajo consigo las ideas del comienzo del marxismo, el primer marxismo, de cómo una persona debe ejercer sus derechos. Él se casa con una reconocida intelectual y docente de acá, Enriqueta Lucio Lucero, que fue junto a otras ocho valientes mujeres, las docentes que le hicieron la primera huelga a Sarmiento. Te imaginarás que la pareja amerita un documental.
Laza Razanajatovo y Giuliana Fantoni junto al Secretario de Argentores, Guillermo Hardwick, y el equipo de especialistas de nuestra entidad
El director y guionista audiovisual malgache Laza Razanajatovo, Presidente de APASER (Alianza Panafricana de Guionistas y Directores Audiovisuales) realizó esta semana una visita institucional a la sede de Argentores, acompañado por su esposa y colaboradora Giuliana Fantoni.
La visita de Laza Razanajatovo, quien también es integrante del Comité Ejecutivo Fundador de AVACI (Confederación Internacional de Autores Audiovisuales), tuvo por finalidad interiorizarse en el funcionamiento de nuestra entidad ya que su objetivo es la creación en Madagascar de una sociedad de gestión de Derechos de Autor para guionistas y directores.
Con este fin, recorrió la entidad acompañado por el Secretario de Argentores, Guillermo Hardwick, y nuestro equipo técnico, interesándose por las distintas facetas de la gestión del Derecho de Autor, desde el ingreso de trámites en la entidad, los aspectos legales de nuestra labor como así también las acciones en defensa del Derecho de Autor de las obras del repertorio de nuestra entidad. En su visita a nuestro país, Razanajatovo también visitó a la DAC (Directores Argentinos Cinematográficos).
Cabe destacar que Laza Razanajatovo trabaja junto a Argentores en entidades internacionales como Writers and Directors Worldwide y la CISAC.
El Presidente de APASER, Laza Razanajatovo, recibió como obsequio un libro sobre la historia de Argentores
Entrevista a Natalia Meta y Leonel D’Agostino autores del film El prófugo
Conversamos en esta oportunidad para la sección “Obra en construcción” con Natalia Meta y Leonel D’Agostino a propósito de El Prófugo, segunda película dirigida por Natalia Meta y escrita en colaboración con Leonel D’Agostino, que tuvo su Avant Premiere en febrero del 2020 en la Competencia Oficial del Berlín International Film Festival, participando luego en festivales como San Sebastián International Film Festival y BFI London Film Festival. La película se estrenó el 30 de septiembre de 2021.
Licenciada en Filosofía, egresada de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Natalia Meta trabajó como guionista y en 2006 fundó la editorial La Bestia Equilátera junto con Luis Chitarroni y Diego D’Onofrio. En cine fue productora ejecutiva asociada de los films Un Amor (Paula Hernández, 2011) y Las Acacias (Pablo Giorgelli, 2011, Cámara de Oro del Festival de Cannes 2012). En el 2017 co-produjo Zama, de Lucrecia Martel (Selección Oficial 74° Festival de Venecia y NYFF), ganadora de premios nacionales e internacionales: 14° Latin Beat Film Festival 2017 (Japón), Mejor Película, 47th International Film Festival Rotterdam, KNF Award Mejor Película y Premio Cóndor Mejor Película, entre otros. Su primera película como guionista y directora es Muerte en Buenos Aires (estrenada en Argentina en el 2014) por la que ese año estuvo nominada en la categoría de mejor Ópera Prima en los Premios Sur y con la que participó entre otros en la Selección Oficial del Latin Beat Film Festival (Japón, 2014) y del Cine Latino San Diego (USA, 2015), en el Montréal Film Festival (Focus on World Cinema), en La Habana International Film Festival (Sección paralela: A sala llena), y en la sección oficial del BiFan-Buchon (Corea), donde el actor Chino Darín ganó el premio al mejor actor. La actriz Mónica Antonópulos también ganó por su interpretación en esta película el Premio Cóndor de Plata a la Mejor Revelación Femenina. En México, Muerte en Buenos Aires se estrenó en el 2015, en el Guadalajara Film Festival.
La idea de «El Prófugo» surgió a partir de leer la novela «El mal menor», de C. E Feiling, asegura Natalia Meta
Por su parte, Leonel D’Agostino es egresado de la ENERC con el título de Guionista Cinematográfico. En cine participó como guionista del mediometraje de ficción Invisibles (Lucía Puenzo, 2004), y de los largometrajes A través de tus ojos (Rodrigo Fürth, 2006), Un amor (Paula Hernández, 2011), Puerta de Hierro: el exilio de Perón (Víctor Laplace y Dieguillo Fernández, 2012), Planta madre (Gianfranco Quatrinni, 2014), Caída del cielo (N. Sánchez Sotelo, 2016), Nieve negra (Martín Hodara, 2017), Blindado (Eduardo Meneghelli, 2019), El hijo (Sebastián Schindel, 2019), Porno para principiantes (Cali Ameglio, 2019), El plan divino (Víctor Laplace, 2019), Ciegos (Fernando Zuber, 2019), Las siamesas (Paula Hernández, 2020), El prófugo (Natalia Meta, 2021), Miénteme (Sebastián Schindel, en post producción) y El viento que arrasa (Paula Hernández, en pre producción). Fue codirector (junto con Laura Ortego) y guionista del largometraje documental Río Mekong (2018), y guionista de los documentales El fin del Potemkin (Misael Bustos, 2011), El rascacielos latino (Sebastián Schindel, 2012) y La casa de Argüello (Valentina Llorens, 2019).En televisión participó como autor de las telenovelas Malandras (Canal 9, 2003), Jesús, el Heredero (Canal 13, 2004) y El Elegido (TELEFE, 2011); del unitario Reacción en Cadena producido por Fundación Huésped (Canal 13, 2019); y de las miniseries de ficción Tiempofinal (TELEFE, 2001/02 y Fox, 2008), Mosca & Smith (TELEFE, 2005), Impostores (FX y Canal 13, 2009/10), Alguien Más (Once TV, 2013), Los Siete Locos y Los Lanzallamas (TV Pública, 2015), Cromo (TV Pública, 2015) y La Jauría (Amazon Prime, 2020). En no-ficción para televisión fue guionista en diversos programas humorísticos, periodísticos y de entretenimientos (Trato Hecho, La Biblia y el Calefón, Mañanas informales, entre otros). Trabajó en desarrollo de contenidos y proyectos para Fox, TyC, Agulla & Baccetti, TELEFE, Media PRO y Viacom, entre otras empresas. Fue guionista y director en las series documentales para televisión Gente Grande (Canal Encuentro, 2011) y Prematuros (CDA, 2012), y guionista de las docuficciones Amor Binario (TecTV, 2017) y ¡Hay un físico en mi sopa! (Canal Encuentro, 2019). Ha recibido numerosos premios, entre los que se destacan, tres Premios Argentores (2011-2021) a la mejor telenovela episódica por El Elegido, mejor adaptación cinematográfica por la película El hijo y mejor adaptación cinematográfica por la película Las Siamesas, Cóndor de Plata a mejor adaptación de guion por la película El hijo (2021) y Premio Sur al mejor guion adaptado por la película Un amor (2014.) Desde el año 2015 hasta la actualidad se desempeña como tutor en las tesis del último año de la carrera de Guion en la ENERC.
«La idea de que lo onírico y la realidad estén totalmente empastados y uno no pueda distinguirlo está muy presente en la novela y en la película», asegura Leonel D’Agostino
Natalia Meta: La idea de El Prófugo surgió a partir de leer la novela El mal menor, de C. E Feiling, que a mí me gustó mucho y me pareció interesante que se convirtiera en película. Yo había tenido una experiencia de doblaje muy larga con una película anterior. El actor estaba en Los Ángeles y había que hacerlo vía satélite, fue larguísimo. Ahí empecé a conocer mucho sobre los trucos de los doblajes y cómo se manejan los sonidos. Y escribí mucho de lo que después terminó incluido en la película. Pero muchas cosas aparecieron una vez que empezamos a trabajar con Leonel.
Leonel D’Agostino: La primera versión del guion estaba más pegada a la novela, que es una obra del género terror, aunque no podría encasillarse del todo en ese género porque está bordeando cierta sátira o comedia, un entorno cómico sobre los 90´. También esa primera versión estaba más pegada a los personajes de la novela.
Natalia Meta: Me gusta cómo se encarnan las fantasías en la novela. Hay dos partes que son muy interesantes, por un lado el misterio de cómo los sueños se hacen realidad y, por el otro, el previo, es decir de cómo aparece una idea y no otra… ¿Qué es lo que se impone? ¿Cómo aparece el deseo? Están esos misterios para mí. Eso es lo que me gustó mucho, está muy bien tratado, no porque la novela dé respuesta sino porque están las dos preguntas.
Leonel D’Agostino: La idea de que lo onírico y la realidad estén totalmente empastados y uno no pueda distinguirlo está muy presente en la novela y en la película. Es la sustancia de ambas. Si bien hay algunos personajes y escenarios que son distintos, esto está muy presente y es la primera impresión que, al menos a mí, me dejó la novela.
Érica Rivas en una escena de «El prófugo»
Natalia Meta: Todo lo que tiene relación con lo auditivo fue lo que más prevaleció. Me parece que eso fue algo determinante. Hay algo de la incertidumbre, también. Nosotros estamos muy atados a la realidad y la verdad, pero vivimos en un mundo de fantasías y lleno de incertidumbre, donde no podemos distinguir tan fácilmente. Con la pandemia se vio mucho, uno no sabía qué iba a pasar ni sabía qué estaba pasando. A mí me interesaba mucho esa condición que tenemos arraigada.
¿Y cómo fue que comenzaste a participar en el proyecto, Leonel?
Leonel D’Agostino: Natalia tenía una versión escrita. Me llamó para trabajar sobre esa versión. Yo fui haciendo un acompañamiento y a medida que trabajábamos, me fui metiendo cada vez más en el proyecto. Armamos una estructura nueva en base a lo que estaba. Reescribimos una nueva versión y después retomamos. Todo el proceso habrá durado cuatro años. Después, Natalia incorporó el mundo del sonido, que fue a lo hizo referencia al principio. Todo lo sonoro empezó a tejer redes en las tramas. Y en un momento abordamos el mundo de lo cuántico.Uno va tomando decisiones, vas por un camino y se van abriendo un montón de puertas. Dijimos: “Abramos los dos y vemos por dónde nos lleva”. Después cuando surgía cualquier duda y nos parecía que estaba bueno agregar algo, decíamos: “Esta escena ya está escrita”. Era como tener un montaje ideal. Lo cuántico estuvo bueno, fue como expandir el mundo. Tomábamos todos los ramales para luego ver a dónde llegábamos.
Daniel Hendler en «El prófugo»
Natalia Meta: Y todo lo del final fue muy discutido, creo que hubo versiones distintas hasta muy cerca de filmar las escenas. El guion estaba muy vivo. Para mí es uno de los grandes dilemas: si dejás las cosas que tienen que ver con los fantasmas, es decir tomarse alguna licencia, o dejar que se imponga más lo formal. Creo que esto es parte de las decisiones más difíciles respecto al guion. Hay guiones que son más formalmente perfectos. Acá hubo cambios con respecto a la novela. Hay cosas que en la novela no están resueltas, nosotros las complejizamos. Por ejemplo, la cantidad de prófugos.
¿Cómo funciona el traslado de la literatura al cine? ¿Todas las historias son adaptables?
Natalia Meta: Ahí hay muchas cosas a considerar. Para mí cuando una novela es muy buena es muy difícil de adaptar al cine si se piensa en una adaptación literal, más allá de la adaptación en sí. Está esta cuestión de que uno la idealiza tanto que competir con eso es imposible; es una competencia con algo inalcanzable. Quizás sea mejor, en esos casos, que la película sea un punto de referencia y esté dentro de lo posible. Es muy difícil que la adaptación satisfaga a todos.
Leonel D’Agostino: Recuerdo que en la adaptación de Los siete locos de Roberto Arlt no había forma de que esté así tal cual, había que reorganizarla, reestructurarla y parte del equilibrio fue que el primer capítulo fuera el mismo, y romper la cronología después. Y después se empezó a expandir la cronología lineal. En el caso de El mal menor yo había leído la novela y no la podía imaginar como película. A los meses me llamó Natalia y me dijo que estaba trabajando en la adaptación. Me generó una gran curiosidad. Hay novelas que te despiertan más a lo audiovisual, si bien para mí la adaptación es una forma de traducir lo literario.
«Para mí cuando una novela es muy buena es muy difícil de adaptar al cine si se piensa en una adaptación literal»
NATALIA META
Natalia Meta: Para mí ahí hay un gran tema con la adaptación. Esta es una novela que tiene grandes escenas visuales, muy oníricas, es como una mezcla de surrealismo y cine clase B. Entonces, pareciera que da como para adaptarla tal cual. No nos olvidemos que se trata de una novela icónica. Yo pensaba: si cambio esto u aquello, ¿cómo será la recepción? Tenía la sensación de que no iba a funcionar así o por lo menos yo no podía hacerla de esa forma tan literal. Si bien la novela tiene esta cosa cómica es muy turbulenta y a mí eso no me sale, no veía cómo hacerlo de una manera que respondiera llevada al cine. Después también el final de la novela, que es igual pero distinto, no sólo en lo que ocurre sino también en el sentido en el que ocurre. Eso era importante para mí. Éstas son cosas que fui elaborando después de filmar la película. Mucho del cine de terror suele castigar el deseo, sobre todo el femenino. Es algo que responde a una época, ahora es otro clima de época. Uno también quiere cambiar la melodía, el ritmo, para generar otra sensación o impresión, no es cambiar la narrativa.
También hay un gran trabajo del humor en la película…
Leonel D’Agostino: Sí, queríamos que tuviera esta cosa de ser una película de terror que no asusta. Eso fue un tono muy difícil de encontrar.
Natalia Meta: Para mí era muy peligroso, pero lo quería hacer, no había otra forma de hacerlo. Era peligroso porque son dos cosas que se pueden cancelar mutuamente. Hay una frase de César Aira que dice algo así como que a partir del Siglo XX no hay nada que no pueda hacerse a través del humor. Ya no tenemos una relación tan ingenua con las cosas como para desterrar el humor. Gracias a Leonel creo que la película tuvo bastante cohesión.
Es interesante cómo El Prófugo dialoga con películas que están fuera del género, pienso en Mujer bajo estado de influencia de Cassavetes.
Natalia Meta: Sí, la vi mientras estaba preparando la peli. Es una referencia.
Érica Rivas y Cecilia Roth, en «El prófugo»
¿Cómo vivieron la repercusión que tuvo la película?
Natalia Meta: Me sorprendió mucho que captaran muy bien los matices de la película. Es esperable que a algunos no les guste que el género no esté muy bien definido, pero mucha gente captó toda esta cuestión del humor. También hubo interpretaciones interesantes sobre las cuestiones del género. Para mí fue muy buena la recepción.
Leonel D’Agostino: Desde el vamos iba a ser una película difícil porque no está encasillada en ningún lugar cómodo.
Natalia Meta: A mí me parece que lo que es lindo de la película, y que trata de mostrar, es que la incertidumbre no es algo necesariamente malo. Es el truquito con la película de terror, que está basado en que la incertidumbre es algo malo. Esa es la diferencia con el suspenso, que no sabés si algo malo va a pasar o no. En cambio, en el terror sabés que sí, pero no sabés cuándo. Por eso el tiempo juega un papel tan poderoso. Más estirás, más se potencia esa sensación de que va a pasar algo malo. En la película lo que se logró es esta sensación de que por ahí pasa algo malo, pero que por ahí no, todo lo contario, sucede algo bueno. Eso tiene una razón de ser y es que la incertidumbre permite que las cosas cambien. Uno sufre, es cierto, pero permite que todo cambie. Es la posibilidad de reinvención. Eso es algo esperanzador. Es clave tener esa perspectiva.
Trailer de «El prófugo», escrita por Natalia Meta y Leonel D’Agostino, con dirección de Natalia Meta.
Lamentamos el fallecimiento de la dramaturga, actriz, directora teatral y periodista Perla Laske. Desde Argentores queremos enviar nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas de nuestra estimada socia en este difícil momento.
Perla Laske nació en Buenos Aires en 1942 y desarrolló su extensa trayectoria tanto en Argentina como en Uruguay, lugar donde vivió durante 10 años.
Debutó como intérprete en 1976 con una comedia musical Sholem Aleijem, Aleijem Sholem. Su primera obra como autora fue La nena y la mucama, donde muestra el drama de la soledad y la carencia de amor en el mundo burgués. En 1979 abordó el teatro infantil con Jugando con el cuerpo, y al promediar ese año incursionó en la comedia con La super bobe, en colaboración con Lebonk, en la que retoma la atmósfera de su primera pieza. En 1980, en Varie tá-te-ty abarcó la historia del varieté desde sus orígenes. Cinco años después retomó el café-concert con La vida es comitrágica y Lo que cuesta decir. En 1989 estrenó Jugando a fiestas. En el campo del teatro infantil estrenó En la calle no se juega (1986).
Alguna vez declaró: «para mí el teatro infantil tiene que ser teatro-juego. El niño necesita ser protagonista de lo que se está dando y tener una coparticipación en el hecho actoral».
Su labor como autora incluye –además de la mencionada La nena y la mucama– las obras Puente invisible, Zeide Shike y Auto Nuevo… marido usado. También participó como actriz y directora en obras como Creciendo con el cuerpo, Lo que cuesta decir, No puedo vivir sin mucama, El unicornio y Entre ella y yo, junto a su hija.
En cine, trabajó en Las procesadas, El primer beso y Tiernas ilusiones. Además, junto a Macarena Bozac, escribió el guion del film Pastora, protagonizado por Gabriel Corrado y Belén Blanco.
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