El espacio teatral “La Podestá Territorio de Arte” convoca a artistas independientes, elencos y grupos de todo el país que tengan producciones escénicas (Teatro, Danza, Títeres, etcétera) referidas al pasado argentino reciente, relacionado con cualquiera de los procesos dictatoriales o golpes de estado, donde se haya perseguido, secuestrado, encarcelado, reprimido o asesinado a distintos grupos o personas.
El Primer Ciclo de Teatro Testimonial se desarrollará entre el 23 y el 30 de marzo de 2022 en las ciudades de Trelew y Rawson.
Las producciones, que se podrán postular hasta el 26 de enero de 2022, deberán tener las siguientes características:
Una duración entre 20 y 45 minutos.
Fácil montaje y desmontaje de su espacio escénico/escenografía.
No más de 4 integrantes en escena (la organización se hará cargo de la estadía de hasta 5 integrantes por grupo, contando entre estos/as a su director/a, asistente o técnico).
La temática del encuentro es excluyente.
Contar con la respectiva autorización de ARGENTORES para su presentación.
Los interesados e interesadas deberán enviar toda la información requerida (Ficha técnica del espectáculo, duración, cantidad de integrantes con sus respectivos datos DNI y Nombre y apellido, características del montaje técnico, planta de luces, Lenguaje –teatro, títeres, danza, performance, etcétera– y un link de la obra propuesta por correo electrónico a la siguiente dirección: Iapodestateatro@gmail.com
La joven autora, actriz y directora Mariana Cumbi Bustinza -que irrumpió en la escena del teatro independiente con una trilogía conformada por Menea para mí, Gorila y Lo que quieren las guachas- interpreta en su obra unipersonal La Meca a un cantante de cumbia desde su apogeo hasta su derrumbe existencial.
“Las ideas, ya sea de argumentos o coreografías, me surgen mientras estoy viajando en colectivo. Pasa el tiempo y un día me siento y las retomo. Casi siempre el germen tiene algún tipo de relación con algo que me sucedió a mí, más allá de que las obras no son biodramas”, dice Mariana Cumbi Bustinza durante la entrevista que le realizó la dramaturga Susana Torres Molina y el periodista Sebastián Basualdo para Argentores, en el marco de la sección Obra en Construcción.
Actriz, dramaturga, directora y docente teatral independiente, Mariana Cumbi Bustinza es egresada de la carrera de Dramaturgia de la E.M.A.D y completó sus estudios formándose luego en la U.N.A en danza y teatro. También se formó en clown, canto, danza y stand up. Fundó el Grupo Improvisa2, compañía que en varias oportunidades fue parte del Ciclo Teatro por la Identidad y realiza funciones y talleres, tanto en Argentina como en el exterior, participando en Encuentros Mundiales de Impro.
“Cuando me siento a escribir tengo bien claro el tema que voy a abordar, por ejemplo en Menea para mí quería trabajar sobre un barrio bajo, la escuela del personaje, sus amigos, sus amores y cómo llegó a convertirse en un pibe chorro. Al principio escribo volcando todas mis ideas y después viene el trabajo de corrección donde comienzo a elaborar las estructuras de la historia. Las obras las escribo para que sean dirigidas por mí y eso al principio podía resultar un poco caótico con una lectura desde afuera. Me acuerdo de que mientras estaba cursando la carrera de dramaturgia en la E.M.A.D, Mauricio Kartún todo el tiempo me decía: “¡Mariana poné un punto, una coma. Tengo que leer tu texto y entender lo mismo que vos!”. Y lo hice, por supuesto. También comencé a utilizar didascalia, cosa que antes no hacía, me bastaba con entenderme a mí misma”.
En ese sentido, ¿qué pasa con la escritura en relación al trabajo que hacés con las actrices y los actores en las coreografías?
A mí me gusta que mis obras tengan canciones y eso ya surge en el momento de la escritura. Lo mismo sucede con las coreografías. Me interesa que se pueda cantar y bailar, pero no en el sentido de una comedia musical. Cuando estoy escribiendo presto mucha atención a ciertas clases de movimientos que deben hacer las actrices y los actores para poder contar una situación en particular. En Lo que quieren las guachas, por ejemplo, tenía muy claro que necesitaba trabajar en la coreografía algo que planteara la lucha de clases. En términos generales, ya está todo en la obra escrita. Después viene el trabajo de ensayo. De hecho, Lo que quieren las guachas la ensayé durante dos años. Durante el primero, ensayaba y reescribía. Recién al otro año me sentí conforme, aunque siempre modifico algo.
“Cuando me siento a escribir tengo bien claro el tema que voy a abordar», asegura Mariana Cumbi Bustinza
Las temáticas en tus obras tienen muchas cosas en común…
En Menea para mí abordé la historia de un pibe que vive en barrio bajo, como te decía hace un rato, y todo estaba representado dentro de ese universo. Luego me surgió la idea de Lo que quieren las guachas, y ahí quería contraponer dos clases sociales, por un lado la cultura de un pibe de barrio popular y, por el otro, la de alguien que se cría en un barrio cheto. También quise abordar desde un principio el tema del aborto y las distintas realidades que se viven de acuerdo a las clases sociales. En este sentido, me interesa reflexionar sobre las situaciones de vulnerabilidad. Pensá que yo la escribí en 2016, antes de la ley de interrupción voluntaria del embarazo, quiero decir que no era el mismo contexto cultural que cuando se estrenó en 2019. Las temáticas que tienen cosas en común me vienen solas, aunque no son las únicas, también escribo sobre otras cosas. Con Improvisados2 escribimos comedias, por ejemplo. Pero es cierto lo de las temáticas, incluso ahora estoy trabajando en una obra infantil que se llama La magia de todas las cosas, donde también aparece una chica de un barrio humilde.
«La idea de ‘La Meca’ surge porque yo fui fanática de un cumbiero que estuvo en la cima y luego cae en las drogas, preso, y finalmente se derrumba»
Mariana Cumbi Bustinza también participó como actriz en obras teatrales dentro del circuito OFF y televisión. Recorrió Mexico, Brasil, Perú, y Colombia difundiendo y compartiendo el arte de la improvisación dando talleres y haciendo su unipersonal. Menea para mí resultó merecedora de una Mención Especial en los Premios Teatro XXI (G.E.T.E.A / U.B.A); y ganadora del Premio Estrella de mar 2019 “Mejor obra alternativa”. Lleva realizadas más de 150 funciones en cinco temporadas y fue nominada a los Premios Hugo como mejor actor. En 2016 estrenó los espectáculos “Dillinger” y “#REIR” y fue galardonada en los Premios Estrella de Mar como Mejor labor cómica femenina. También fue galardonado como Mejor espectáculo de humor. En 2020, entre otros reconocimientos, recibe el Premio José Maria Viches con su Trilogía “Menea para mí”, ¨Gorila¨ y ´Lo que quieren las guachas¨ por sus valores éticos. Ese mismo año, Lo que quieren las guachas recibe el Premio Estrella de mar 2020 como Mejor obra alternativa y recibe una nominación como mejor dirección Nacional por la trilogía
¿Tuviste experiencias directas con barrios populares?
Mi primer novio, durante la adolescencia, vivía en el barrio Illia, al lado de la 1-11-14, así que pasaba mucho tiempo ahí. Yo vivía en Caballito y al principio todo lo que veía del barrio me generaba fascinación. Hice un montón de amigos y un día comencé a frecuentar la bailanta, luego la cancha para ver a Huracán y los cumpleaños de quince, que era otra movida muy distinta a las de mis compañeras de la escuela. De hecho, la primera vez que fui a uno de esos cumpleaños noté que la mesa era un tablón con dos caballetes. Y yo prefería eso, me gustaba más que los otros cumpleaños en un salón con todo divino. Pero eso es una parte, porque también en el barrio pasaban cosas feas, pero yo no vivía ahí, iba y venía, era distinto aunque no tuviera una realidad económica genial, de hecho en esos años nos cortaban el gas y la luz porque mi viejo había fallecido y mi mamá quedó en cero.
Al momento de escribir sobre estos temas que te interpelan directamente, ¿dónde ponés el mayor cuidado?
Cuando escribo no tengo cuidados, pero sí cuando dirijo. En Menea para mí, por ejemplo, tal vez por ser la primera, me preocupaba mucho esto de no caer en estereotipos o que la gente pensara que se trataba de una burla. Pero una vez que se estrenó la obra esa preocupación desapareció. Me acuerdo de que fue gente del barrio Illia y estaban re flasheados porque había un montón de historias que me habían pasado a mí con ellos, y aunque estaban ficcionalizadas se daban cuenta, como la invasión de los bichos colorados que nos picaron una noche mientras dormíamos.
Escena de «La Meca»
“La Meca”es un espectáculo unipersonal de teatro musical cumbiero, con música original en vivo de Facundo Salas, que muestra el ascenso, apogeo y derrumbe de un ídolo de la movida tropical que también sueña con un futuro mejor, también quiere salir adelante y compartir con sus seres queridos. Y que en el fondo sólo quiere lo mismo que queremos todos…ser amados. El sueño de Milton siempre fue cantar. Cuando su voz alcanza el éxito y su banda La Meca suena en todas partes, la fama no llega sola. Vicios, traición, exposición, abandono se juntan a la vez que hace vibrar a la gente al ritmo de su música. Esta historia se narra a través de recitales, entrevistas y viajes al mundo interior del protagonista donde se puede ver que el verdadero enemigo de Milton son sus propios excesos, el desenfreno personal, las relaciones conflictivas, el mundo incontrolable que llega junto al éxito. Pasando por lugares incómodos de prejuicios y discriminación, de censuras y olvido, de exclusión y desesperanza, hace retumbar en la platea el ritmo de a cumbia a través del latido de su corazón
¿Cómo fue el proceso creativo en La Meca? Tu trabajo de interpretación es realmente maravilloso.
Muchas gracias. Ese unipersonal yo la empecé a escribir en la E.M.AD. En su momento el personaje del cumbiero estaba más ligado a las redes sociales. Después la corregí y ensayamos durante casi un año hasta que quedó la versión actual donde hay canciones en vivo. La idea surge porque yo fui fanática de un cumbiero que estuvo en la cima y luego cae en las drogas, preso, y finalmente se derrumba. Yo ficcionalizo todo. Y en un punto quería mostrar que el éxito no es siempre lo que te imaginás y menos para una persona vulnerable. En un principio estaba pensada para que la interpretara un varón, pero no encontré lo que buscaba y entonces comencé a plantearme la idea de actuarla yo. Tenía mis dudas porque no quería que se convirtiera en algo irreal si hacía de cumbiero. Hablé con Facundo Salas, que es el músico, y con Huilen Medina Senn, que fue quien terminó dirigiendo, y les pareció genial que yo actuara. Eso me incentivó y comencé a trabajar el personaje antes de ensayar mientras caminaba por la calle. Quería hacer algo simple, incluso con mi voz. Después vino toda la cuestión corporal que ya estaba desde un principio en mí.
La autora Susana Torres Molina junto a Mariana Cumbi Bustinza durante la charla con Argentores
LA MECA
Obra de Mariana Cumbi Bustinza. Unipersonal donde escribe, actúa y dirige Con música original de Facundo Salas (Menea para mí y Lo que quieren las guachas)
“Entre gente humilde nos entendemos con pocas palabras” Ascenso, apogeo y derrumbe de un ídolo cumbiero
Actúa: Mariana Cumbi Bustinza Músico en vivo: Facundo Salas Dramaturgia: Mariana Cumbi Bustinza Dirección: Huilen Medina Senn y Mariana Cumbi Bustinza
Música original: Facundo Salas Escenografía: Agustín Addesso Visuales: Agustín Addesso Cámaras: Nicolás Gorla Couch coreógrafico: Lucía Manso Diseño de luces: Tony Capelli Diseño gráfico: Addxsso Vestuario: Mariana Cumbi Bustinza y Huilen Medina Senn Fotografías: Santos Loza Redes y contenido: Ornella Fazio
Hasta el próximo 16 de diciembre se encuentra abierta la inscripción para la VI cohorte de la Diplomatura en Dramaturgia cuyo comienzo está pautado para el mes de abril del año próximo. La misma, que es gratuita y cuenta con un cupo anual de 20 estudiantes, es un proyecto conjunto del Centro Cultural Paco Urondo, Argentores, Fundación SAGAI, AADET y la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.
Quienes deseen postularse deberán cargar los siguientes datos personales y documentación en el formulario online de pre inscripción: nombre y apellido; fotocopia del DNI; currículum vitae; carta de intención, indicando los motivos y objetivos de cursar la Diplomatura; datos de contacto (teléfono / correo electrónico / domicilio); nota de compromiso de aceptación de resultados (Nota modelo); y cinco carillas de proyecto dramatúrgico (fragmento de escrito propio).
Una vez terminada la pre inscripción de las y los postulantes, el lunes 7 de marzo de 2022 se publicarán los nombres de las seleccionadas y seleccionados por antecedentes, quienes deberán rendir un coloquio final entre el 21 y 25 de marzo. Finalmente, el 28 de marzo se publicará el listado final de las y los ingresantes para el ciclo 2022, cuyas clases darán comienzo el 4 de abril.
Se realiza en el contexto de Ventana Sur 2021 con la participación de Argentores y SADA
Argentores y el SADA (Sindicato Argentino de Autoras y Autores) organizan la segunda edición de “El Principio del Film”, un mercado latinoamericano de guiones inéditos de largometraje de ficción, en el contexto del mercado Ventana Sur, evento anual organizado por el INCAA y el Marché du Film.
Se trata de una valiosa oportunidad para encontrar futuras películas de calidad, ya que los guiones participantes son invitados exclusivamente tras haberse desarrollado en diversos programas de escritura de la región.
La lista completa de los guiones seleccionados este año es la siguiente:
LA NIÑA DE AYER / YESTERDAY´S GIRL, de Laura Farhi, Argentina.
EL REY DE LA NOCHE / THE KING OF THE NIGHT, de Sebastián Miranda y Gabriel Amiel, de Argentina.
LOS ZAPATOS DE ARANCIBIA / THE SHOES OF ARANCIBIA, de Pablo Schembri, Argentina.
MUNDO DE BESTIAS / WORLD OF BEASTS, de Micaela Elizabeth Montaño, Argentina.
ROMINA SMILE / ROMINA SMILE, de Pablo Stigliani, Argentina.
¡SANTO CIELO, HAY UN DEMONIO EN LA CAPILLA! / GOOD HEAVENS, THERE’S A DEMON IN THE CHAPEL!, de María Eugenia Meternicht, Argentina.
TIERRAMAR / TIERRAMAR, de Nancy Iris Quiroga, Argentina.
CICUTA PARA DOIS / HEMLOCK FOR TWO, de Ângela Escudeiro, Brasil.
O HOMEM NO TETO / THE MAN IN THE CEILLING, de Davi Siqueira y Vinicius Cabral, Brasil.
TERRA TURVA / MURKY EARTH, de Augusto Brasil, Brasil.
YELLOWCAKE / YELLOWCAKE, de Celina Ximenes y Larissa Estevam, Brasil.
CABO PRIMERO (WEICHAFE) / THE POLICE, de Dante Valdés, Chile.
FRESIA / FRESIA, de Santiago O´Ryan, Chile.
LA PROPIEDAD / THE PROPERTY, de Sebastián Brahm, Chile.
MARTE / MARS, de Victor Vidangossy, Chile.
SANTIAGO / SANTIAGO, de Yerko Fuentes Aravena, Chile.
DIARIO DEL OLVIDO / OBLIVION DIARY, de Guillermo Castañeda, Colombia.
UKU / UKU, de Javier Camilo Aranguren Montañez, Colombia.
EL REY DE LOS CAMPOS DE CUBA / THE KING OF CUBAN FIELDS, de Juan Caunedo Domínguez y Raúl Escobar Delgado, Cuba.
LOS PASAJEROS DEL ÚLTIMO VIAJE / PASSENGERS OF THE FINAL JOURNEY, de Marta María Borrás, Cuba.
AGUAMALA / AGUAMALA, de Jorge Lopez Villarreal, México.
ALBA / ALBA, de Juan Francisco Rodríguez Gómez, México.
DE ENTRE LOS MUERTOS / FROM AMONG THE DEAD, de Seth Alvarez, México.
TE VEO EN MIS SUEÑOS / I SEE YOU IN MY DREAMS, de Karla Moreno Wadgymar, México.
RODAR A SAIA / RODAR A SAIA, de Andrea Treszczan Azar, Uruguay.
UN AIRE DE FAMILIA / FAMILIAL, de Valeria Fontán / Matías Paparamborda, Uruguay.
Además, entre los guiones seccionados se otorgarán los premios Final Draft, que consiste en 7 certificados para la descarga digital del software de escritura de guiones Final Draft (valor total estimado de $1750 USD); y el Latin American Training Center-LATC, lo que permitirá que todos los participantes de la edición 2021 accedan a una masterclass sobre pitching, impartida por la consultora Kate Lyradel para el «LATC Global Film & TV Program» del Latin American Training Center.
En esta segunda edición, “El Principio del Film” cuenta con la colaboración de: Ente Cultural Tucumán, Fondo Nacional de las Artes, y Secretaría de Cultura de la Provincia de Jujuy – Jujuy Film Commission (Argentina); ABRA (Associação Brasileira de Autores Roteiristas), CENA 15 – Centro de Narrativas Audiovisuais do Porto Iracema das Artes / Instituto Dragão do Mar, FRAPA (Festival de Roteiro Audiovisual de Porto Alegre), y Projeto Paradiso (Brasil); Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio (Chile); Ministerio de Cultura – Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía (CNACC) – Proimágenes Colombia; ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos); IMCINE (Instituto Mexicano de Cinematografía); y el Instituto Nacional del Cine y el Audiovisual (INCAU – Uruguay).
Argentores se suma a la celebración del Día Nacional del Teatro y felicita en su día a todos aquellos que forman parte de esta invalorable expresión de nuestra cultura, y muy especialmente a nuestras autoras y autores.
El Día Nacional del Teatro se celebra para recordar la inauguración del Teatro de la Ranchería el 30 de noviembre de 1783, en la intersección de las actuales calles Alsina y Perú, el primer espacio donde se representaron piezas dramáticas en el Buenos Aires colonial.
Laura Mogliani rememora los inicios del Teatro de La Ranchería, conocido también como Casa de Comedias: «Durante el período colonial, el teatro se desarrolló en Buenos Aires de forma discontinua e intermitente. Buenos Aires careció de un edificio teatral estable. Las manifestaciones teatrales se asociaban a los ámbitos religioso y político».
La ciudad tuvo un vertiginoso crecimiento al designarse capital del Río de la Plata, y surgió un gran público para las diferentes manifestaciones artísticas y culturales.
El emplazamiento del teatro se haría en el patio de la Ranchería (lugar que los jesuitas destinaban para alojamiento de los negros), que dio origen a su nombre.
El 16 de agosto de 1792, durante la celebración de fiestas patronales, un cohete, disparado desde el atrio de la iglesia de San Juan Bautista, impactó sobre el techo de paja del galpón. La sala ardió por completo llevándose entre otras obras, el primer manuscrito de Siripo, la obra de Manuel José de Lavardén y toda la historia de nuestro primer teatro.
Con motivo de esta nueva conmemoración del Día Nacional del Teatro, publicamos a continuación un artículo escrito por el autor Luis Sáez.
¿Qué significa para un dramaturgo el día del teatro?
Por Luis Sáez *
¿Qué significa para un dramaturgo el día del teatro? No sé. Supongo que un montón de cosas inefables, y otras que tienen nombre y fecha de nacimiento, pero también de caducidad. Recuerdos, que le dicen. Sí, aprovecho el día del teatro para recordar a personas y a personajes que ya no están, pero que pasaron por mi vida y dejaron en mí su huella. Como esos libros llenos de marcas de las lecturas que nos precedieron. Pedazos de memoria que nos confirman como seres que andan por la vida. Porque eso también, o especialmente, se lo debo al teatro: debe ser una de las prácticas de la memoria que más me ayudaron a comprenderla y a valorarla. Y porque seguramente el teatro debe ser, entre muchas otras cosas, una de las formas de reservorio de memoria más ricas y profundas descubiertas por la especie humana. A través del teatro de todos los tiempos, es posible reunirnos con pedazos de vida que la historia, digamos oficial, en su afán por objetivar fechas y batallas, empezó por descuidar para terminar descartando. Peor para ella, pienso, se lo perdió. Pero no es sólo eso, el tal teatro. Es también deseos, esperanzas, privilegios que se atesoran en los pliegues secretos del alma, abrigando alguna solitaria certeza, nacida a la sombra de dudas que nos hicieron, con suerte, un poco menos peores.
Lo cierto es que llevo años escribiendo teatro. Cediendo una y otra vez a la tentación de trazar palotes que, leídos de arriba hacia abajo y de izquierda a derecha configuran patrañas, fastuosas mentiras cuyo último y paradojal objetivo no es otro que una aproximación a la verdad, así, con minúscula.
Debo al teatro, por algunos llamado independiente, a sus ensayos persistentes, a sus sueños de cartón pintado, a sus ilusiones de cielos coloreados a la cal, el ejercicio de una de las formas cada vez más inusuales y puras de la solidaridad. Porque solo gracias a una voluntad solidaria y desinteresada es posible poner en marcha un proyecto que insumirá dinero, esfuerzo, sinsabores varios y acaso unas pocas, (y a menudo inciertas) gratificaciones, más allá de la alegría de animar ese sueño loco y vital.
Tuve la suerte de debutar como autor en la última edición de Teatro Abierto, aquel emblemático ciclo bisagra en la historia de nuestra cultura, en 1985. Desde entonces, no he dejado se sentarme a garabatear, casi todas las noches de mi vida, borradores de historias gestadas y paridas para que otros las disfruten o condenen. A lo largo y ancho de ese intenso devenir, a mis obras (y a mí, por extensión) nos ocurrió un poco de todo: desde los reconocimientos acaso exagerados, hasta las críticas más despiadadas, pasando por la magia única de ver a mis criaturas encarnadas por elencos y en escenarios donde jamás imaginé que llegarían a montarse. Pero fue gracias a (o por culpa de) esas peripecias que mi relación con el teatro (llamémosla, acaso pomposamente, “amor”) se fue afianzando y enriqueciendo, hasta convertirse, la mágica herramienta, en mi otra voz, aquella que expresa lo que de otro modo no sé o no me animo a decir.
Por éstas u otras razones y sin-razones, aprovecho cada día del teatro para celebrar su existencia, tan unida a la mía. Eso sí, lo celebro a mi manera: como cualquier otro día de la vida, es decir, como una oportunidad única. A diferencia de Borges —y con las distancias del caso— siento que nos unen no sólo el amor; también el espanto, y otras cosas que le sobran a la palabra. Por eso, cuando alguien me pregunta qué es el teatro para mí, me quedo mirándolo. Habrá quien interprete esta reacción como un gesto de burla, o de evasión. Incluso de soberbia. Pero no hay nada de eso. La verdad es muy otra: cuando me quedo mirando a quien me formula esa pregunta tan compleja en su aparente sencillez, inevitablemente me asalta esta certeza: mucho mejor y placentero que preguntarnos qué es el teatro, es zambullirnos de cuerpo y alma en sus brazos y pedir a Dionisio la gracia de su magia sanadora. Por algo será que Dios y Dionisio suenan tan parecido. ¡Feliz día!
* Autor e integrante del Consejo Asesor de Nuevas Tecnologías de Argentores
Fue por el guion del film El perro que no calla en el marco del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata
Escena de «El perro que no calla»
Ana Katz y Gonzalo Delgado fueron los ganadores del Premio Argentores a Mejor Guion de película nacional por el film El perro que no calla, en el marco del 36º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
El jurado estuvo integrado por Graciela Maglie, Luisa Irene Ickowicz, Martín Salinas y Salvador Valverde. El premio consiste en un diploma, la plaqueta del premio y 130 mil pesos para el rubro autoral.
Salvador Valverde, integrante del Consejo Profesional de Cine de Argentores, durante la entrega del diploma a una representante del los autores en Mar del Plata
Entre los fundamentos, el jurado destacó la labor “por la sensible aproximación al protagonista en su devenir, en un lapso significativo de su vida, signado por una búsqueda en donde el avatar y la incertidumbre que determinan el rumbo de sus experiencias, no enmascaran las opciones que ha ido tomando, inmerso en un mundo frágil e impredecible. El libro cinematográfico arroja una visión original de la contemporaneidad, no exenta de premoniciones cumplidas, que invitan a la reflexión y consecuentemente, a replanteos.”
Sebastián, un joven de treinta y tantos años, tiene varios trabajos temporales que van y vienen y lo presionan, y abraza el amor cada vez que encuentra la oportunidad. A través de pequeños hechos puntuales, su transformación se retrata en el contexto de un mundo que también se transforma y coquetea con un posible apocalipsis.
La FESAAL (Federación de Sociedades de Autores Audiovisuales Latinoamericanos) ha sido aceptada por la Asamblea General de OMPI / WIPO -Organización Mundial de la Propiedad Intelectual- como Organización Internacional miembro Observer, lo que significa que a partir de ahora las organizaciones que integran la FESAAL podrán llevar allí su voz y sus necesidades como autores.
La FESAAL, de la que Argentores es miembro fundador e integra el comité ejecutivo, nuclea a las Sociedades de Gestión Colectiva del derecho de autor de guionistas y directores audiovisuales como así también de autores de obras dramáticas teatrales de Latinoamérica. Fue fundada en diciembre de 2018 en la ciudad de La Habana, Cuba, en el marco del Congreso Anual de Autores Audiovisuales, realizado en el marco del 40º Festival Internacional del Nuevo Cine de la Habana.
En la carta de aceptación, el representante de la OMPI Andrew Staines informa que “la solicitud de la FESAAL fue aprobada por las Asambleas de la OMPI en sus reuniones celebradas en la sede de la OMPI en Ginebra, del 4 al 8 de octubre de 2021. FESAAL está ahora incluida en la lista de organizaciones no gubernamentales internacionales organizaciones invitadas a asistir a las reuniones de las Asambleas de los Estados miembros de la OMPI y de las Uniones administradas por la OMPI, en calidad de observadoras, de conformidad con los principios aplicables”.
En el encuentro estuvieron presentes Gladis Contreras y Jorge Dubatti, flamantes Directora y Subdirector, respectivamente, del Teatro Nacional Cervantes y Miguel Ángel Diani, Presidente de Argentores, acompañado por Raúl Brambilla y Adriana Tursi, Presidente y Secretaria del Consejo Profesional de Teatro de Argentores.
En la ocasión, Argentores entregó una placa conmemorativa de los 100 años del Cervantes que las autoridades de este teatro retribuyeron amablemente con magníficos ejemplares que conmemoran ese ilustre aniversario.
También, por supuesto, se abordaron temas concernientes a ambas instituciones, con el fin de proseguir con los acuerdos que hicieron posible una intensa y fructífera colaboración entre estas entidades hermanadas por el teatro. De ese modo, quedaron sentadas las bases para darle continuidad a tales programas.
La distinción fue otorgada por el guion del film El silencio del cazador en el marco del Festival de Cine de las Alturas de Jujuy
El martes 23 de noviembre, se hizo entrega del Premio Argentores a Mejor Guion de Ficción que otorga la entidad en el marco del Festival Internacional de Cine de las Alturas, realizado en San Salvador de Jujuy en octubre de 2021. El premio fue para Francisco Kosterlitz por la autoría del libro cinematográfico de la película El silencio del cazador.
El acto contó con la presencia del Presidente de Argentores, Miguel Ángel Diani; el Secretario, Guillermo Hardwick; la Presidenta del Consejo de Cine, Graciela Maglie; y la Vicetesorera e integrante del Consejo de Cine, Ivonne Fournery. El ganador, Francisco Kosterlitz, recibió muy emocionado la plaqueta del premio y agradeció con palabras afectuosas y sinceras. El premio, además de la plaqueta, consistía en 60 mil pesos para el autor.
El jurado, que estuvo integrado por Graciela Maglie, Luisa Irene Ickowicz y Martín Salinas, fundamentó el premio en los siguientes términos: “Por la fluidez con que despliega el relato, cuyas tramas se articulan y sostienen la creciente tensión narrativa y dramática. Por la construcción de los personajes, tan reconocibles en su lucha por el poder como sorprendentes cuando deciden al impulso de las pasiones. Porque los armoniza en una orquestación que pone en evidencia un fino trabajo de caracterización. Porque logra que el relato se vuelva metáfora y habilite un sagaz cuestionamiento sobre la naturaleza humana”.
El film narra la historia de un guardaparque que patrulla el parque nacional ubicado en la selva misionera y que está casado con una comprometida médica rural que antes fue pareja de un antiguo colono. La aparición de un mítico jaguar divide a la pequeña comunidad y provocará una escalada de violencia.
Nacido el 29 de noviembre de 1946, hoy hace 75 años, Juan Alberto Badía fue uno de los grandes conductores de la radio y promovió a las bandas de rock nacional y otros géneros artísticos desde sus ciclos televisivos y radiales.
Juan Alberto Badía se recibió de locutor en 1970 en el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica (ISER) y comenzó a trabajar en una suplencia en Radio Antártida, y luego pasó por Radio Rivadavia, Radio El Mundo y Radio del Plata. En TV su programa “Badía y compañía” mostró un innovad rfomato y permitió el lucimiento de actores, músicos, autores, bailarines y coreógrafos. El ciclo comenzó en 1983 y se trasmitió por Canal 9, pero en 1984 el segmento se trasladó a canal 13 donde tuvo su lugar hasta 1988. El programa tuvo una segunda edición por canal 7 y le dio la oportunidad para ganarse un Martín Fierro por su trabajo en el período 1996-1997.
El querido “Beto”, falleció a los 64 años el 27 de mayo de 2012.
“Juan Alberto Badía fue el primero de otra época en oler el cambio en el aire y abrirle la puerta de los medios masivos a una generación nueva que asomaba para cambiar de manera irreversible la cultura de este país. Empezó en los ’70 subiéndose a un escenario para contar la historia de Los Beatles, y una década después tenía un programa de televisión ya legendario desde el que presentaba al rock nacional en su mejor momento. Todos pasaron por ahí y él estuvo con todos. Recorrer la vida de Badía es asistir al paso de la juventud de la radio a la televisión, del blanco y negro al color, del fútbol al rock y de los sótanos a los estadios”, se indicaba en Radar, de Página 12, en noviembre de 2012, a raíz de la aparición de “En mi vida”, una biografía sobre el conductor, escrita por el periodista Sergio Marchi.
Desde Argentores, despedimos con profundo pesar al periodista Guillermo Blanc, quien falleció a los 75 años. Desde aquí enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas.
Guillermo Blanc dedicó gran parte de carrera periodística al mundo del espectáculo. Fue director de la revista Radiolandia 2000 en la década de 1980 y creador de programas televisivos como “Yo amo a la TV”, junto a Andrés Percivale y Juan Carlos Vilches en 1998. También fue miembro de la Asociación de Periodistas de la Televisión y Radio Argentinas (Aptra) desde su fundación.
Blanc condujo hasta este año su propio ciclo “La noche de Blanc”, por Radio del Plata, una versión radial del programa de entrevistas a figuras del espectáculos que en 2019 hizo para la TV Pública.
Integró además el elenco de “Buenos muchachos», que se emitió por Radio 10 junto a Jorge Jacobson, Beto Casella, Rolo Villar y Lito Pintos. Blanc también participó del libro “Historia de la televisión argentina contada por sus protagonistas”.
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