El Teatro Nacional Cervantes convoca a proyectos teatrales para 2022

En el marco del programa “El Teatro Nacional Cervantes produce en el país”, se lanzó la convocatoria a proyectos teatrales para formar parte de la temporada 2022. La misma está destinada a grupos y artistas del país (con excepción de CABA) que deseen presentar proyectos a realizarse y estrenarse en sus lugares de origen, producidos íntegramente por el TNC.

Según se informó desde el TNC, “este programa promueve el desarrollo de artistas locales en diferentes ciudades, para que integren el repertorio de la institución (TNC) más allá de su sede central, en sinergia con distintos organismos e instituciones municipales y provinciales”.


Bases y condiciones

1. La presente convocatoria abrirá el 31 de mayo a las 00:01 h y cerrará de manera definitiva el 31 de julio a las 23:59 h.

2. Los proyectos se recibirán únicamente en forma digital a través del presente formulario.

3. Es requisito que los proyectos presentados no hayan sido estrenados, ni PRESENTADOS A OTRAS INSTITUCIONES/CONCURSOS en simultáneo a esta convocatoria.

4. La Convocatoria estará abierta a las seis (6) regiones que conforman el Territorio Nacional: NOA; NEA; Centro; Centro Norte; Patagonia; Cuyo; de las cuales se realizará una preselección. De esta preselección, el TNC podría seleccionar hasta 1 proyecto de cada región, que pasaría a formar parte de su programación durante la temporada 2022 y podrá también formar parte del catálogo de contenidos online del TNC. El TNC podrá decidir la cantidad y perfil de los proyectos a seleccionar, basándose en las posibilidades presupuestarias con que cuente el programa, así como decisiones y lineamientos artísticos de la dirección del teatro.

5. Todos los proyectos deberán contar con una única persona responsable del mismo. En caso de grupos deberán designar un único responsable como representante formal a efectos de la postulación. El programa podrá contemplar el rol de un productor ejecutivo local dentro de los integrantes del proyecto, que trabajará sincronizadamente bajo los lineamientos y directivas del TNC.

6. Una vez realizada la preselección, el TNC contactará a los responsables de los proyectos elegidos para realizar una ronda de entrevistas y profundizar lineamientos. Esta etapa será definitoria para la selección final de los proyectos que formarán parte de la programación del TNC durante la temporada 2022.

7. Los responsables de los proyectos seleccionados deberán cumplir con los plazos que disponga el TNC para la entrega de bocetos de escenografía, vestuario, luces, música, etc. El teatro tendrá la potestad de evaluar las razones de la demora y dar de baja el proyecto de no cumplirse estos plazos.

8. Será requisito excluyente para la contratación de cada uno de los integrantes del proyecto seleccionado, contar con la inscripción en AFIP y tener regularizada su situación fiscal al momento de la ejecución de su contratación. En este sentido se recuerda la incompatibilidad que existe entre la contratación del TNC con otros cargos en relación de dependencia con la Administración Pública Nacional, Provincial o Municipal.

9. El TNC queda eximido de toda responsabilidad sobre los proyectos que pudiesen remitir a textos preexistentes y/o correspondan al dominio privado de la propiedad intelectual de un autor y hayan sido presentados sin su autorización previa. El TNC no será responsable en caso de que los materiales presentados infrinjan o vulneren derechos de propiedad intelectual.

10. El elenco debe poder realizar al menos tres funciones semanales durante el período de su contratación (2 meses de ensayos y dos meses de funciones) y tener disponibilidad para probables giras.

11. En caso de que la situación sanitaria no permita el estreno presencial de la obra, el TNC podrá optar por realizarla en formato audiovisual y sumarla a su catálogo online.

12. Aquel proyecto que no cumpla con todos los requisitos planteados en la presente convocatoria, no podrá ser tenido en cuenta en la selección.

13. Resultados: El jurado se expedirá dentro de los 45 días posteriores al cierre de la convocatoria.

Curaduría interna: Dirección TNC: Rubén D’Audia / Sebastián Blutrach / Romina Chepe / Mónica J. Paixao / Dora Milea.

Curaduría externa: Gonzalo Marull (Pcia. Córdoba) / Shoshana Polanco (CABA).

Por dudas o consultas sobre la convocatoria, los interesados podrán escribir a cervantesenelpais@gmail.com

Lanzan el Primer Concurso para Guionistas Profesionales

Es organizado por la Secretaría de Medios de la Nación y la Sedronar junto a Argentores

La Secretaría de Medios y Comunicación Pública y la Secretaría de Políticas Integrales Sobre Drogas de la Nación Argentina (SEDRONAR), con la participación de Argentores, abrieron la inscripción del Primer Concurso para Guionistas Profesionales para generar contenidos originales sobre la temática de los consumos problemáticos.

El concurso nacional, que incluirá las categorías de series de ficción y series documentales, se enmarca en el convenio para llevar adelante acciones conjuntas de fomento y desarrollo de contenidos audiovisuales sobre el consumo problemático de sustancias, desde una perspectiva de derechos humanos y del cuidado de las personas.

Cabe señalar que será requisito para participar en el presente concurso ser socio o socia de Argentores en cualquiera de sus tres categorías (socios honorarios, socios activos, o socios administrados). Además, los postulantes tienen que haber asistido de manera virtual o presencial a una capacitación dictada por la Sedronar sobre abordaje y tratamiento de consumos problemáticos en los medios de difusión.

El presupuesto total de esta convocatoria asciende a la suma de $ 400.000, distribuido de la siguiente manera:

Para Serie de Ficción
• Un premio de doscientos mil pesos ($ 200.000)
• Dos menciones honoríficas

Para Serie Documental:
• Un premio de doscientos mil pesos ($ 200.000)
• Dos menciones honoríficas.

La presente convocatoria comenzará el 1 de junio de 2021 y finalizará el 16 de julio de 2021 a las 23:59 horas.

La inscripción se realiza bajo las siguientes bases y condiciones:

Bases y Condiciones

Declaración Jurada.


Para inscribirse al Concurso es requisito indispensable realizar una capacitación dictada por la SEDRONAR sobre consumos problemáticos. Anotate ahora en este link. Fechas disponibles: 8 y 15 de junio de 11 a 12:30hs.


El Vicepresidente de Argentores, Sergio Vainman; el Secretario de nuestra entidad, Guillermo Hardwick; y el Presidente del Consejo Profesional de Televisión de Argentores, Jorge Maestro, participaron del acto de firma del convenio marco del que surgió el presente concurso

LA PARTICIPACIÓN DE ARGENTORES

El Vicepresidente de Argentores, Sergio Vainman, aseguró que “es muy importante este concurso porque puede ser el comienzo de una muy buena línea de trabajo para los guionistas en el futuro, teniendo en cuenta que Sedronar va a capacitar a los autores para que el nuevo enfoque sobre esta problemática sea tenido en cuenta por los guionistas a la hora de escribir”.

Por otra parte, Vainman señaló que “hay que destacar la importancia que han dado, tanto la Secretaría de Medios Públicos como la Sedronar, a la participación del guionista en todo este proceso, a la ‘voz’ del autor como la primera palabra que interviene en este nuevo tratamiento de la problemática de las adicciones en los medios audiovisuales. Las autoridades, en las charlas previas que mantuvimos, comprendieron desde un primer momento que el guion es el puntapié inicial para que todos se encuadren en una misma mirada sobre la cuestión. Y ocurrió de esta manera porque cuando desde estos organismos pensaron en los guionistas, siempre pensaron en Argentores”.

27 de mayo: Día del Documentalista

Hoy se conmemora en Argentina el Día del Documentalista en homenaje al director Raymundo Gleyzer, a 45 años de su desaparición durante la última dictadura cívico-militar en nuestro país. Desde Argentores saludamos a todos los autores y realizadores de este género tan potente en nuestra historia cinematográfica.

Raymundo Gleyzer nació en Buenos Aires en 1941. Estudió cine en la Escuela de Bellas Artes de La Plata, y dejó los estudios para viajar al nordeste brasileño a filmar su primer cortometraje, La tierra quema (1964). Trabajó como cronista y camarógrafo para el noticiero Telenoche de Canal 13, programa para el que produjo entre otras Nota sobre Cuba y Nuestras Islas Malvinas (1966).

Dirigió films etnográficos, como Ceramiqueros de Traslasierra (1965) y Pictografías del Cerro Colorado (1965). Trabajó junto a Jorge Prelorán en Ocurrido en Hualfín (1966) y, tras varios años de viajes por Europa, llegó a México para filmar su primer largometraje: México, la revolución congelada (1971). El documental fue prohibido en la Argentina, y logró estrenarse  recién en 1973. 

Más tarde dirigió Ni olvido ni perdón,  film sobre un hecho que marcó simbólicamente el comienzo del terrorismo de Estado en la Argentina: la fuga del penal de Rawson y la Masacre de Trelew, el 22 de agosto de 1972.

Raymundo Gleyzer creó el grupo Cine de la Base, conformado por Juana Sapire,  Alvaro Melián, Nerio Barberis, Alberto Vales y Jorge Santa Marina entre otros. El grupo produjo su película más ambiciosa: Los traidores (1973).  Se trata de una ficción basada en hechos reales que disecciona el funcionamiento de la burocracia sindical a través de la transformación de un líder obrero en un sindicalista corrupto. La película es considerada hoy como una obra cumbre del cine político latinoamericano.

En 1974 el grupo filmó Me matan si no trabajo, y si trabajo me matan, sobre la huelga obrera en la fábrica INSUD, donde los trabajadores morían por contaminación por plomo en la sangre.  Gleyzer ya era considerado internacionalmente como una de las voces más innovadoras y comprometidas del movimiento de cine militante latinoamericano que surgió en el continente en  los años 70.

El 27 de mayo de 1976 fue secuestrado en Buenos Aires por la dictadura militar, y llevado al campo de detención El Vesubio donde fue torturado. Aún hoy continúa desaparecido. En 2011 el juicio contra El Vesubio culminó con la sentencia a sus responsables tras 35 años de impunidad.

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales realizó un pequeño video que recuerda la figura y la obra de Raymundo Gleyzer, destacado documentalista argentino secuestrado por la dictadura militar el 27 de mayo de 1976

Día del Cine Nacional

El 23 de mayo de 1909 se estrenó en el teatro Ateneo La Revolución de Mayo, primera película argentina argumental

“La historia del cine no puede separarse de la vida, las ideas y las pasiones de los hombres. Tampoco puede separarse de su contexto. Al estudiar sus obras y sus hombres no podemos olvidar que el cine es parte del conocimiento de nuestro país. Es un elemento de valor en el reflejo de su historia y sus costumbres que realmente integra su cultura. El cine es un referente de gran trascendencia, para el conocimiento o recreación histórica. Su adecuada utilización nos permite acceder a interesantes planteos de nuestra historia. Cabe destacar que un film puede o no tratar un hecho histórico pero la trama o guión nos dará una excelente pesquisa de un tiempo político, social y cultural”, señala María Inés Dugini de De Cándido. Durante las festividades del primer Centenario, se estrenó hace 112 años, en el teatro Ateneo -la esquina de Corrientes y Maipú- La Revolución de Mayo, primera película argentina argumental. Motivo por el cual cada 23 de Mayo se celebra el Día del Cine Nacional. La película original estaba dividida en quince cuadros, cada uno de ellos precedido por un cartel, de los cuales se conservan sólo nueve. Bajo la influencia de la corriente francesa Film d’Árt, el film se relatan los sucesos que tuvieron lugar en Buenos Aires en la denominada Semana de Mayo, entre el 22 y el 25 de mayo de 1810.

La Revolución de Mayo es una película sin sonido y en blanco y negro, que tuvo como protagonistas a actores profesionales entre los que se encontraba Eliseo Gutiérrez. Dirigida y escrita por Mario Gallo, director y productor de cine que nació en Barletta, Puglia, Italia, el 31 de julio de 1878, y tenía 27 años cuando llegó a la Argentina como director de coros de un elenco de operetas y vivió en Buenos Aires hasta su fallecimiento, acaecido el 8 de mayo de 1945.

Según los cronistas, Gallo se ganó la vida como pianista de café y fue en ese ambiente donde conoció a Atilio Lipizzi, otro italiano que había trabajado con Leopoldo Fregoli, famoso transformista que ya había filmado cortometrajes sin sonido para incluirlos en sus espectáculos. Y fue a partir de aquella relación de amistad que Mario Gallo aprendió algunos secretos de lo que no era otra cosa que un arte en ciernes. Años más tarde, inauguraría oficialmente nuestro cine nacional. “Es sabido que el cine ama a los héroes”, afirma Hernán Panessi, haciendo referencia a una cita de Thomas Carlyle. “También es sabido que los héroes son los principales transmisores de intenciones por su idealización en los públicos. De manera que la ecuación para la transmisión-democratización del imaginario argentino resulta lógica: los héroes, mediante el cine, serán los comunicadores de cuestiones fundamentales para la concepción totalizadora de “argentinidad”.

De tal forma, adentrándonos concretamente en el ámbito cinematográfico como testigo histórico, tenemos varios largometrajes a cuestas sobre la revolución e independencia, pero el fue La Revolución de Mayo (1909), film argumental de índole profesional realizado con motivo del centenario, cuyo director fue el primer realizador de ficción en la Argentina, Mario Gallo. Para reforzar su estela de pionero, más tarde filmó, entre muchas otras, El Fusilamiento de Dorrego (1909), La Creación del Himno (1910), La Batalla de San Lorenzo (1912), La Batalla de Maipú (1912), también rodados con actores y técnicas profesionales.

Hoy, todos ellos, son materiales conservados por instituciones de preservación, y paulatinamente puestos a la luz del dominio popular por diversos canales televisivos públicos y privados. El interés por este tipo de cine fue iniciado por los pioneros del cine mudo y así continuó hasta nuestros días (mermando en cantidad, ciertamente, por lo espaciado en los acontecimientos). De hecho, en varias oportunidades, el Estado fue impulsor de este tipo de producciones. Muchas, sobre todo las del comienzo, resultaron una estampa histórica de valor incalculable para la continuidad del sentido de pertenencia, arraigo de impresiones para con la tierra que nos es propia y para con nuestra memoria. Con el correr de los años, el mito de los héroes en el cine argentino fue perpetuándose hasta conseguir una abultada representación, mediante su conjunto de historias y recursos dramáticos, en la sociedad. Fue esa arqueología, en gran medida, el instrumento necesario para la construcción de la identidad argentina moderna. Los mitos principales contribuyen a la unidad de la nación y a la superioridad moral; y, viceversa, la sociedad –para su fisiología- siempre ha necesitado de los mitos. De San Martín a la noción de Estado, de los gauchos al discernimiento de Patria. La magia del cine en sintonía con la construcción de identidad como leit motiv absoluto de la filmografía nacional”.

La Revolución de Mayo es una película sin sonido y en blanco y negro, que tuvo como protagonistas a actores profesionales entre los que se encontraba Eliseo Gutiérrez. Dirigida y escrita por Mario Gallo

Pesar por la muerte del coreógrafo y bailarín Luis Biasotto

Con gran pesar, Argentores despide al creador Luis Biasotto, referente destacado de la danza contemporánea argentina. Desde nuestra entidad enviamos nuestra condolencia a sus familiares, amigos y colegas.

Luis Biasotto murió ayer, a los 49 años, en su ciudad natal, Unquillo, en la provincia de Córdoba, víctima del coronavirus. Biasotto se había mudado a comienzos de este año a Unquillo junto a su compañera, Gabriela Gobbi, quien está embarazada del primer hijo de ambos.

Biasotto era Licenciado en Artes Escénicas, Magister en Práctica Escénica y Cultura Visual por la Universidad de Alcalá (España) y docente del IUNA. Su formación abarcó estudios de dramaturgia, teatro y danza con Ricardo Bartis, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Alejandro Tantanian, José Luis Valenzuela y Alfredo Fidani, entre otros. En el campo específico de la danza se formó con Gustavo Lesgart, Susana Tambutti, Roxana Grinstein Estela Saladino y Eugenia Estévez; y se perfeccionó  con Gilles Jobin, Juan Cruz Díaz de Garaio Esnaola, Patris Pavis, Giuseppe Ferrara, Stephan Shuscke, entre otros.

En 1998, fue cofundador junto a la coreógrafa y también bailarina Luciana Acuña del grupo Krapp, colectivo clave en el mapa de la escena alternativa, con el que estrenaron espectáculos que trascendieron las fronteras, presentándose en Estados Unidos, España, Brasil, Venezuela, Portugal, Alemania, Uruguay, Bélgica, Holanda, Suiza.

Entre los espectáculos del grupo se encuentran ¿No me besabas? (2000), Mendiolaza (2003), Olympica (2007), el díptico Adonde van los muertos (Lado B) (2010) y Adonde van los muertos (Lado A) (2011), y El futuro de los hipopótamos (2017), entre otras.

Biasotto realizó además coreografías para El niño Argentino, de Mauricio Kartun; Cacht, Electra Shock y Shan-gay, de José María Muscari.

Por otra parte, dirigió Mr. Bunque, Bajo feo y de madera, Cuando se machuca el cerdo y Muñequitos en Centro Cultural Ricardo Rojas.

Frente a la adversidad, seguimos contando historias…

En la sección “Obra en construcción”, presentamos una entrevista a Mariela Asensio, quien afirma: “Frente a la adversidad, las personas buscan distintas formas de continuar expresándose y seguir contando historias”

Tenía tres obras en cartel y previsto estrenar varias obras más durante el año cuando aconteció la pandemia. “El primer impacto fue muy duro porque pasé de tener una vida laboral muy organizada, a no tener nada”, afirma Mariela Asensio durante la entrevista realizada por Argentores.

Dramaturga, directora, actriz y docente, Mariela Asensio pertenece a esa clase de artistas multifacéticos, capaz de llevar a cabo varios proyectos simultáneamente. Integrante de la Fundación Carlos Somigliana, tiene a su cargo la dirección del Teatro del Pueblo. Se formó en la Escuela Nacional de Arte Dramático y, en el ámbito privado, con los docentes Laura Bove y Mauricio Kartun. Ex becaria de la Fundación Carolina, completó su formación en la Casa de América de Madrid y en el Teatro Lliure de Barcelona.

“Cuando asimilé la realidad en la que estábamos, empecé a ver de qué manera me iba a reinventar y lo primero que hice fue crear dos conceptos de clases virtuales. El primero fue un taller práctico que se llama Lo poético en lo cotidiano. Se trata de un taller de creatividad, sobre todo desde el punto de vista de la escritura, pero también trabajo un montón de cuestiones que no necesariamente tiene relación con la escritura, basándome en la idea de que todas las personas somos creativas y podemos, a partir de diferentes disparadores y temáticas, construir circunstancias poéticas. Lo interesante de ese taller fue que lo hicieron tanto una dramaturga, una maestra de escuela o un taxista. Es decir personas de distintos ámbitos y no sólo de Argentina, sino también de distintos países de América Latina y Europa. Fueron cuatro ediciones de ese taller y a partir de esta experiencia creé junto a Paola Luttini un evento que se llamó Maratón Creativa. Se trató de una jornada donde se trabajó a partir de distintos disparadores y donde se mezcló todo lo que es propio de un taller con el concepto del espectáculo”.


En el marco Académico, Mariela Asensio dirigió catorce proyectos de graduación (UNA- Universidad Nacional de las Artes y CIC- Centro de Investigaciones Cinematográficas). Además de trabajar en su país, dirigió espectáculos en España, Francia, México, Panamá y Costa Rica. Bajo la mirada de otros directores, varias de sus obras fueron y son representadas en diferentes ciudades del mundo y del interior del país. Fue nominada en diferentes oportunidades a los premios ACE, Trinidad Guevara, Florencio Sánchez, entre otros, por su labor como directora y dramaturga, además de recibir nominaciones como mejor espectáculo alternativo.

“Después lo que aconteció fue que comencé a dirigir en el Teatro Cervantes, en el ciclo Nuestro Teatro, una obra de Francisco Estrada, “El ojo del destino”, que de hecho en estos días estará presencial en la Biblioteca Nacional con cuatro funciones. Nuestro Teatro es un ciclo donde se seleccionaron veintiuna obras para ser grabadas y transmitidas por streaming. De esas veintiuna obras hay seis que serán llevadas a escena presencial. Ahora estoy en Bahía Blanca porque el Municipio, todos los años concursa, la dirección de un espectáculo y estaré al frente del proyecto con El arrebato, escrita por Emiliano Dionisi y con música de Martín Rodríguez. Es una obra que se presentó el año pasado en Buenos Aires, a través del programa Arte en Barrios y coproducción del FIBA (Festival Internacional de Buenos Aires) y ahora está presentándose en el teatro Metropolitan bajo la dirección de Juan Martín Delgado. Yo la propuse al Municipio y acá estamos, trabajando. La primera instancia consistió en las audiciones donde se presentaron un montón de chicas y chicos de la comunidad bahiense. Fue muy gratificante ver tantos talentos y por eso me costó mucho elegir”.

¿En qué consiste la propuesta en Bahía Blanca?

Es muy interesante. El planteo consiste en que, luego de hacer una cantidad de funciones en el teatro, se salga hacia otros lugares y se represente en escuelas, por ejemplo. Y en clubes o plazas. Una especie de teatro itinerante. Para mí es algo fascinante tener la posibilidad de llevar el teatro a la gente.

¿Qué encontraste en esa obra que te llevó a pensar en dirigirla?

Muchas cosas distintas y en diferentes momentos, primero como espectadora y luego cuando la leí. Ocurre que yo soy una directora que escribe. Es decir que tengo la impronta de dirigir mis propios textos. A la hora de elegir un proyecto a largo plazo como en el caso de ”El Arrebato”, tenía que ser un texto muy afín a mi energía, que realmente fuera algo que yo tuviera ganas de contar. La obra es un musical de hip hop y aborda distintas problemáticas en relación a un grupo de pibes de barrios vulnerables que cuentan la realidad cruda de un mundo desigual y te muestra todo lo que pasa alrededor de la estigmatización, el prejuicio, la falta de oportunidades y también cómo el arte muchas veces es una especie de salvavidas. A la vez no tiene una mirada romántica sobre el mundo que relata, y eso me pareció muy importante. En la obra hay muchos momentos discursivos y no sólo desde los diálogos sino también en lo que se canta. Hay interpelación al público sin ser moralista. Me interesan mucho esta clase de obras que te permiten modificarte.


Mariela Asensio participó en más de cincuenta obras en los últimos veinte años, alternándolos roles, en diferentes ciclos y festivales, tanto con creaciones propias como de otras autoras y autores. En 2013 publicó el libro “Mujeres en 3D” bajo el sello editorial Textos Intrusos, y en 2014, “Malditos”. Su actividad docente se desarrolla en el área de Dirección de la puesta en escena, EMAD, también dicta cursos en el CELCIT (Centro Latinoamericano de Creación e investigación Teatral). Da seminarios tanto en el interior como en el exterior del país.

¿Abordaste algún proyecto nuevo de escritura durante el año de pandemia?

Sí, escribí una obra junto a Maruja Bustabamante que se llama “La casa oscura”. Es una obra donde actuamos las dos y le dirige Paola Luttini. Me parece que cuando uno actúa es mejor que la dirección la haga otra persona. A mí no me funciona mucho actuar y dirigir. Necesito una mirada que esté afuera, de otra manera mi percepción se limita. Además hay una entrega que yo siento que tengo que darle a este espectáculo por el tema que aborda y la exposición que significa, porque trabajamos la idea de poner luz a muchas cosas que, por lo general, suelen estar un poco ocultas o aquellas que uno no muestra tanto. Es también un musical. Ensayamos durante la pandemia por plataformas digitales hasta que se activó el protocolo para poder trabajar de manera presencial.

¿Cómo surgió la idea de La casa oscura?

El disparador de la escritura de esta obra en particular está muy relacionado con ciertos temas que vengo trabajando en mi terapia. Básicamente comencé a indagar en ciertas cuestiones de los mecanismos de la mente y en cómo a veces nuestras psiquis genera un montón de mecanismos que nos hacen ser infelices o nos ponen mal en la vida cotidiana Las obsesiones, la depresión, el pánico, por darte algunos ejemplos… Entonces hablé con Maruja Bustamante, que también estaba muy interesada en pensar estos temas. A partir de experiencias personales hacemos una reflexión sobre lo que podríamos llamar trastornos psiquiátricos, por encuadrarlo en algún lugar, aunque siempre tratando de desestigmatizar y al mismo tiempo iluminar lo que socialmente está oculto.

¿Cómo te resultó la experiencia del streaming? En primer lugar tengo que decir que para mí el teatro es presencial, acontece con el público. Todo lo demás son experiencias. Pero no tengo una mirada prejuiciosa con el streaming, es más me parece que frente a la adversidad las personas buscan distintas formas de continuar expresándose y seguir contando historias. Por supuesto, la presencialidad es algo intransferible y para los que hacemos teatro no tiene punto de comparación. Si el streaming se instala y sigue aconteciendo en el tiempo, tendrá sus propias reglas y leyes que no son las del teatro. Todo lo que a mí me ofrece trabajar con los actores, ensayar las escenas, etcétera, es único y no tiene ninguna relación con hacerlo a través de un video. No hay punto de comparación. La versión de streaming que hicimos para El ojo del destino en el Teatro Cervantes fue filmado a cuatro cámaras con una calidad impresionante. Es toda una experiencia, pero no es teatro. Es un acontecimiento distinto.

Una propuesta para ampliar las perspectivas del autor

Desde 2016, Argentores participa de la Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Universitario Paco Urondo

La Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo se asienta sobre tres pilares esenciales, señala su fundamentación. Por un lado está aquel que refiere a la práctica dramatúrgica y la importancia cada vez más creciente que adquiere en los modos de producción del quehacer teatral. En el campo de las artes escénicas de la Argentina, la figura del dramaturgo ya no es sólo aquella que se especializa en ese hacer –escribe una obra para ser puesta– sino que la dramaturgia y las herramientas de esta práctica se han vuelto fundamentales para las lógicas de producción que impone el campo teatral. Así aquella figura del dramaturgo que escribe para que otro dirija, se le suma la del actor que escribe para sí mismo, la de la creación colectiva, la del director-autor y otras tantas que dejan ver por un lado lógicas particulares de producción y por otro formas particulares de profesionalización del campo (cada vez son más los directores, actores o dramaturgos que buscan acercarse a otras dinámicas de producción).

Por otro lado, la Diplomatura busca crear un nuevo recorrido de formación de dramaturgos y a la vez inscribirse como la primera Diplomatura en Dramaturgia de la Ciudad de Buenos Aires, colocando así también al Centro Cultural Paco Urondo dentro de un selecto grupo que posibilitan este tipo de formación y a la vez colocar al centro cultural en el engranaje productivo de la escena porteña.

“Se ha logrado ampliar el aspecto pedagógico y eso también generó algo muy interesante: ya nadie se conforma con lo que tiene y desea seguir aprendiendo los demás oficios teatrales”

Roberto Perinelli, Presidente del Consejo de Teatro de Argentores

Como tercer punto, el recorrido se lleva a cabo con la participación de actores fundamentales del teatro argentino logrando reunir en este espacio a Argentores (Sociedad General de Autores), SAGAI (Sociedad Argentina de gestión de Actores Interpretes), AADET (Asociación Argentina de Empresarios teatrales y musicales) y la Asociación Argentina de Actores. De esta manera se busca no sólo potenciar el trayecto sino también sumar miradas, experiencias y formas diferentes del trabajo del dramaturgo.

En esta Diplomatura se fomentan diferentes formas de producción, conviviendo aquí las lógicas del teatro autogestivo, el independiente, el comercial, etcétera. La formación en torno a este tipo de escritura −escénica− junto con un adecuado saber en la materia será lo que permitirá a los alumnos participantes de la Diplomatura obtener las herramientas necesarias para la configuración de sus relatos autónomos. Si bien la propuesta se enfoca hacia la práctica sistemática sobre el trabajo escritural, ésta se complementará con espacios de reflexión y estudio sobre la productividad contemporánea, en el que se integrarán nuevas formas de escritura y sus vínculos interrelacionales con la sociedad actual. También otros acerca de la Historia de la dramaturgia y el teatro capaz de contemplar cruces existentes entre la contemporaneidad y los distintos momentos históricos.

El cuerpo docente está compuesto por reconocidas personalidades como Ignacio Apolo, Javier Daulte, Ciro Zorzoli, Beatriz Trastoy, Graciela Fernández Toledo, Patricia Sapkus, Marina Sikora, Andrés Binetti, Jorge Dubatti, Martín Alomar, Mariano Saba, Claudio Tolcachir, Mauricio Kartun y Roberto Perinelli, Presidente del Consejo de Teatro de Argentores.

“Se ha logrado ampliar el aspecto pedagógico y eso también generó algo muy interesante: ya nadie se conforma con lo que tiene y desea seguir aprendiendo los demás oficios teatrales” afirma Roberto Perinelli. Y agrega: “En el caso del proyecto del Centro Cultural Paco Urondo comenzamos a trabajar desde Argentores luego de varias reuniones en las que participé junto al Presidente de nuestra Institución Miguel Ángel Diani y así fue que me enfoqué con Nicolás y Brenda en buscar alternativas y armado de programas, que por supuesto no son enteramente de mi autoría, todo fue consensuado. Yo me mantengo muy al tanto de las cosas que se van generando y sobre todo me encargo, junto a otros colegas, de los coloquios de admisión”.

 En cuanto al plan de estudios, se cursa en tres cuatrimestres, y consta de 11 módulos, entre teóricos y prácticos, además de un seminario optativo, charlas abiertas y encuentros con figuras destacadas, entre otras actividades. “La Diplomatura comienza a dictarse en abril de 2016”, señala el Licenciado Nicolás Lisoni, Director del Centro Cultural Universitario Paco Urondo, “como un proyecto de políticas de extensión y transferencia para generar instancias de formación que se articulen también con instancias de producción. En el recorrido, junto a Brenda Berstein, trabajamos con Roberto Perinelli que nos aportó todo su conocimiento. Nosotros pensamos este proyecto desde otra perspectiva en la gestión para aquellos que transitan la Diplomatura, esto es tanto que se representen las obras como que se las publiquen.

«En la Diplomatura hay todo un concepto de búsqueda de inserción en el campo real de trabajo».

Brenda Berstein

Por su parte, la Licenciada Brenda Berstein, a cargo de la coordinación académica, refiere: “En la Diplomatura hay todo un concepto de búsqueda de inserción en el campo real de trabajo. La idea no es sólo que puedan egresar con una obra escrita sino también que esa obra pueda circular a nivel editorial y en puestas en escena a través de distintos circuitos. Por eso es importante que nos acompañen las instituciones como Argentores. En una de las materias que tiene relación con la gestión, uno de los puntos centrales de esa materia es poder ir a las instituciones y que cada uno de los futuros egresados sepa y conozca quiénes son y cómo funcionan.Esto es desde cómo se registra una obra en Argentores a qué pasa si un actor o una actriz graba su material para que esté disponible en una plataforma, o la adaptación de un guion para la televisión, por ejemplo. Todo esto es muy importante para entender el campo de trabajo”.


Actividades extracurriculares realizadas por la Diplomatura en Dramaturgia durante el 2020

Febrero 2020

-Participación en el Festival Internacional de Teatro Universitario 2020 en México: -Se llevaron adelante 4 lecturas dramatizadas producto del intercambio surgido en el FITU 2019 donde dos graduadxs de la diplomatura (Valeria Di Toto y Juan Carlos Dall Occhio) impartieron un taller de escritura que luego se desarrolló de manera virtual durante todo el 2019 con finalización de obra, desembocando en estos cuatro semi montados. A su vez Brenda Berstein y Nicolás Lisoni fueron jurados de dos de las cuatro categorías del certamen. Además, desde la Diplomatura, se acompañó a la propuesta de la graduada Aliana Alvarez Pacheco “ Jardín Sonoro” que se montó en el campus de la UNAM.
-Participación en el torneo transatlántico de dramaturgia por cuarto año consecutivo. Este año el certamen quedó en la argentina.

Mayo 2020

-Participación en el 1er torneo torneo transatlántico de dramaturgia virtual. Aquí también el torneo quedó en la Argentina. Esto se enmarca en la inquietud de generar intercambios, explorar la virtualidad y acompañar en la medida de las posibilidades del difícil momento que atraviesa el mundo. Para ello se diseñó un plan de trabajo que se fue adaptando a los vaivenes de la pandemia bajo el paraguas de Conexión Inestable / Poor Connection
-Convocatoria #ConexionInestable junto con la Universidad Nacional Autónoma de México (280 textos se presentaron de toda iberoamérica ) convocatoria que implicó un aporte económico para las y los dramaturgos por parte de la Universidad Mexicana y una publicación conjunta para diciembre de 2020 en digital y en papel en 2021.

Agosto 2020

-Mas de 40 montajes virtuales con la Universidad Nacional Autónoma de México / Out of de Wings, Asociación Argentina de Traductores Intérpretes (AATI), King’s College Institute of Modern Languages Research University of London, OWRI, Language Acts Worldmaking, Univ de Londres y el Dpto Universitario Obrero Campesino DUOC Chile. (Ago-Dic 2020, donde participaron cerca de 200 personas entre artistas, productores, investigadores etc, y asistieron a experiencias realizadas en vivo mas de 2000 personas y otras con gran número de reproducciones ) info: Paco Urondo / Univ Londres / Teatro UNAM / (Fines de Nov comienzos de Dic. se suma el DUOC de Chile) ( 7 obras dramaturgia y elenco de Mex / 14 obras dramaturgia y elenco Arg. a través de la plataforma de timbre 4 / 10 obras dramaturgia Arg y elenco de R.U. / 6 obras dramaturgia Arg y elenco de Chile. / 4 obras accesibles trabajadas con desarrolladas con la AATI y la Escuela Normal Superior en Lenguas Vivas «Sofía B. de Spangenberg»y el programa de accesibilidad de FFyL UBA en el marco del Ciclo (dic 2020) con el Objetivos de desarrollar un programa de Teatro y Accesibilidad para el 2021.
-Participación en el Festival de Teatro Clásico Universal con Clases Magistrales de los docentes de la Diplomatura y docentes invitados de la Carrera de Letras Clásicas de FFyL: Viviana Diez / Miriam Alvarado / Roberto Perinelli / Esteban Bieda.

Publicaciones

-Publicación de los textos argentino participantes del torneo trasatlántico de dramaturgia (dic. 2020) -Publicación de textos seleccionados de la convocatoria Conexión Inestable (Dic. 2020 virtual. 2021 en papel)
-Publicación Poor Connection (10 obras Bilingüe – Enero 2021) -Dejamos accesibles los materiales realizados junto a Fundación Sagai en los “encuentros miradas” Vol 1 / Vol 2 / Vol 3 / Vol 4

Reconocimientos

Distinción Especial otorgada por Argentores a la Junta Directiva Centro Cultural Paco Urondo de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, por la excelente formación pública y gratuita a futuros autores y autoras teatrales que brinda la Diplomatura de Dramaturgia.


Nicolás Lisoni
Director del Centro Cultural Universitario Paco Urondo (FyL-UBA). Prof. Superior y Lic. en Artes (UBA), Especialista en Gestión Cultural y Políticas Culturales (IDAES-UNSAM), ; Gestor, Coordinador académico y docente de la Diplomatura en Dramaturgia (CCPU-FyL-UBA) y la Diplomatura en Gestión de Proyectos Culturales (CCPU-FyL-UBA). Es Jefe de trabajos prácticos de la Materia dirección de actores de la Universidad del Cine (FUC). Actor, director y productor Codirector de la colección Dramaturgia de la FFyL UBA. Docente colaborador del seminario PST de la carrera de Artes: “Políticas y gestión en instituciones culturales”(según Res.(D) No732/20 Co-coordinador del área de Políticas Culturales vinculadas a las Artes Escénicas del Instituto de Artes del Espectáculo. (UBA) Asesor en formación de Fundación Sagai (Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes) Docente de Teatro, ha dictado seminarios y talleres tanto en la argentina como en el exterior. Como actor se ha formado con Jorge Montoya, Raúl Serrano y Pompeyo Audivert entre otrxs. Ha participado y participado – como actor, director, investigador, gestor y productor- en numerosas obras, ciclos, festivales y congresos nacionales e internacionales.

Brenda Berstein
Maestra en Educación Musical (Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”), Lic. en Artes (Diploma de honor, Fac. Filosofía y Letras, UBA), Especialista en Administración de Artes del Espectáculo (Fac. Cs. Económicas, UBA), Especialista Superior en Enseñanza de la Música para la Educación Especial (Conservatorio de la Ciudad “Astor Piazzolla”), Magister y Supervisora en el Modelo Benenzon (Fundación Benenzon) y Técnica superior en análisis e intervención en los campos grupal, institucional y comunitario (Primera Escuela Privada de Psicología Social). Trabajó como docente en los diferentes niveles de enseñanza desde jardín maternal a terciarios/universitarios y en Centros Culturales. Se ha dedicado a la producción artística musical y teatral, siendo además manager de variados artistas. Trabajó en Secretaria de Cultura de la Nación y desde 2006 hasta 2018 fue Asistente General de la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales, administrando el Teatro Tabaris desde su reapertura en 2018 hasta 2019, siendo actual Coordinadora de Nuevos Proyectos en Ciudad Cultural Modalidad de evaluación Konex. Es además coordinadora académica y docente de la Diplomatura en Dramaturgia y docente en la Diplomatura de Gestión y Producción Cultural (C.C. Paco Urondo – UBA), Lic. en Gestión de Medios y Entretenimientos (UADE) y en la Especialización en enseñanza de la Música para la Educación Especial y Profesorados (Conservatorio de la Ciudad “Astor Piazzolla”). Ha escrito para la revista del Teatro Colón, Cantabile, Ñ, entre otras y ha publicado artículos a nivel nacional e internacional. Participa en Encuentros y Congresos de su especialidad

Charla de Roberto “Tito” Cossa sobre “El futuro del oficio”

Se realizará el próximo lunes 17 de mayo a las 19. Será gratuita, con inscripción previa

El lunes 17 de mayo a las 19, Roberto “Tito” Cossa brindará una charla gratuita en el marco del ciclo “Charla con maestros”. En la oportunidad, el prestigioso dramaturgo hablará sobre “El futuro del oficio”.

El lunes 17 de mayo a las 19, Roberto “Tito” Cossa brindará una charla gratuita en el marco del ciclo “Charla con maestros”. En la oportunidad, el prestigioso dramaturgo hablará sobre “El futuro del oficio”.

La misma se desarrollará en la plataforma Zoom y estará dirigida tanto a dramaturgos, dramaturgas y guionistas como a todo aquel que se interese por esta temática. Abordará reflexiones sobre el futuro del oficio de escribir teatro y guiones audiovisuales.

La actividad, organizada por la Comisión de Cultura de Argentores, es gratuita pero requiere inscripción previa. Interesadas e interesados deben escribir a: cultura@argentores.org.ar. El mail debe incluir: nombre, DNI y teléfono.

La charla también será grabada y luego difundida tanto en las redes como en el sitio de Argentores.

Se entregaron los Premios ATINA 2020

Escena de «Recuerdos a la hora de la siesta», escrita por Emiliano Dionisi

La Asociación de Teatristas Independientes para Niños/as y Adolescentes (ATINA) hizo entrega de sus tradicionales premios con los que destaca los trabajos que han sobresalido por su aporte al desarrollo de las artes escénicas para la infancia y la juventud. La particularidad de esta premiación es que no se establece un primer premio en cada rubro.

El jurado está conformado por críticos e investigadores de reconocida trayectoria en el ámbito nacional.

Los siguientes fueron los autores y autoras premiados este año:

DRAMATURGIA

  • Dennis Smith por Boyscout
  • Liliana Bodoc por Yo, el espejo africano
  • Mariano Cossa por Chocolate por la noticia
  • Emiliano Dionisi por Recuerdos a la hora de la siesta

ADAPTACIÓN

  • Lionel Arostegui por La sonada aventura de Ben Malasangüe
  • Paula Quintana y Garza Bima por Quster
  • María Inés Falconi por La Odisea en vivo

MÚSICA ORIGINAL

  • Carlos Gianni por Huesito CaracúSiete Vidas, la vuelta del gatoLa Odisea en vivo
  • Joaquin Salamero y Lionel Arostegui por La sonada aventura de Ben Malasangüe
  • Martín Rodríguez por Recuerdos a la hora de la siesta

COREOGRAFÍA

  • Alejandro Ibarra por Recuerdos a la hora de la siesta
  • Gustavo Carrizo por Huesito Caracú
  • Gabriela Sevilla por Siete vidas, la vuelta del gato

1º de mayo – Día del Trabajador y la Trabajadora

Este 1º de mayo nos encuentra, nuevamente, a todos los trabajadores y trabajadoras luchando. Pero no por reivindicaciones sociales y laborales, sino por la vida. Inmersos en una encrucijada: trabajo o salud. Dos paradigmas que van de la mano. Los trabajadores de la cultura no escapamos a esa realidad y estamos duramente golpeados.

Los teatros están nuevamente cerrados, las películas siguen sin filmarse, y las ficciones televisivas están esperando para grabar.

En este contexto las autoras y los autores estamos en una espera angustiosa deseando que todo vuelva a la normalidad. A una normalidad que tampoco sabemos cuál va a ser.

Esto Argentores lo sabe.

Y quiere estar cerca de todos y todas ustedes. Atento a lo que necesiten. Dando la ayuda que sea posible en cada caso. Tendiendo la mano siempre. Acompañándolos. Tanto desde la administración como desde Previsión Social. Porque Argentores somos todos.

Argentores son ustedes.

Por eso, aún en medio de este hecho extraordinario seguimos luchando para que, en un futuro cercano, este día se conmemore con la alegría y la equidad que tod@s merecemos.

Miguel Ángel Diani
Presidente de Argentores