Mes: septiembre 2017

Ida y Vuelta Nº 603

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La entidad / Información Institucional

Enérgicos comunicados de Argentores y de las entidades del sector ante resolución promovida por el INCAA que pone en peligro a toda la industria

EN DEFENSA DEL FOMENTO DEL CINE

Directores y autores cuestionan duramente la política del INCAA

LAS AGUAS BAJAN TURBIAS EN EL INSTITUTO NACIONAL DE CINE

De acuerdo al artículo publicado por Página 12, “las asociaciones de autores y realizadores del cine local volvieron a manifestar ya no sus temores sino un rechazo terminante a un paquete de medidas concentradas en una resolución anunciada en los últimos días por el ente rector de la actividad.”

Se indica: “A pesar de las constantes negativas y desmentidas por parte de las actuales autoridades del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa), las asociaciones de realizadores y autores del cine local volvieron a manifestar ya no sus temores, sino un rechazo terminante a un paquete de medidas concentradas en la resolución 942/2017/Incaa, anunciada en los últimos días por el ente rector de la actividad. En contra de ellas se expresan los comunicados de tres de las más representativas agrupaciones de artistas vinculadas a la actividad, la asociación de directores Proyecto Cine Independiente (PCI), los Directores Argentinos Asociados (DAC) y la Sociedad General de Autores de la Argentina (Argentores).

Los tres comunicados coinciden en manifestar un “profundo rechazo a la resolución 942 promovida por las autoridades del Incaa y a los términos de la misma”, en tanto las nuevas medidas propuestas a través de ella “vulneran el espíritu de la Ley de Cine consagrada en 1994, piedra basal en la que se viene sustentando el cine de nuestro país en los últimos veintitrés años”.

Los comunicados de las tres entidades señalan con enfática inquietud un hecho fundamental: la intención de las nuevas autoridades de convertir al Incaa en un órgano de financiamiento en lugar de una institución dedicada al fomento de la actividad cinematográfica.

Es decir, de dejar en segunda instancia el hecho cultural que significa la producción cinematográfica –que por otra parte es una de las industrias culturales que más empleos genera en el país–, para dar prioridad a las instancias financieras de la producción. En ese sentido el comunicado del PCI afirma que “la Resolución 942/2017 y sus Anexos profundizan la crisis que viene atravesando nuestro cine nacional, evidenciando políticas cinematográficas negativas para el Fomento que ahogarán financieramente a las pequeñas y medianas productoras”.

En ese mismo sentido avanza el análisis realizado por los miembros de DAC, quienes explican la naturaleza de la nueva norma de manera precisa, al expresar que el texto de la resolución denomina “financiamiento” a lo que hasta ahora se definía como “fomento a la producción”, utilizando “un lenguaje bancario  y tecnocrático ajeno” a la actividad. Y concluyen que a partir de este cambio en el léxico “el Incaa se asume como un banco” antes que como lo que es (o debería ser): una entidad dedicada a impulsar el cine y no un órgano crediticio más preocupado por recaudar que por sostener una actividad cultural.

Es importante volver a destacar que desde la implementación de la ya mencionada Ley del Cine hace casi 25 años, la industria cinematográfica se autofinancia a partir de impuestos aplicados a la propia actividad. Es decir que el crecimiento exponencial registrado desde de entonces, tanto en cantidad como en calidad, no significó en ningún caso restar fondos del presupuesto nacional a ninguna otra de las actividades que el Estado debe garantizar, como la salud, la educación o la seguridad.

No menos importante es recordar que la publicación de esta nueva resolución, que pretende modificar la forma en que hasta ahora se reguló la actividad cinematográfica, se realiza apenas meses después del confuso desplazamiento de Alejandro Cacetta de la presidencia del Incaa por supuestos casos de corrupción que siguen sin ser probados. La expulsión de Cacetta, que mereció el rechazo de toda la comunidad cinematográfica, tuvo lugar tras una por lo menos extraña operación mediática disparada por un informe de dudosa calidad periodística presentado por Eduardo Feinmann en el programa Animales Sueltos, que se emite a través de la señal América TV y que conduce Alejandro Fantino. Desde entonces tanto las nuevas autoridades del Incaa como altas figuras del gobierno nacional, como el jefe de gabinete Marcos Peña, negaron de plano que las condiciones establecidas en la Ley del Cine estuvieran en peligro, comprometiéndose en todos los casos a respetar las normativas vigentes. Compromiso que la Resolución 942 viene a dar por tierra.

Así lo entiende la DAC, que a través de su comunicado afirma que “cuando aún las entidades representativas del sector audiovisual no salían de su asombro –ya que se habían recibido promesas de los principales ministros del gobierno nacional que indicaban su intención de no achicar los fondos para el Cine– se publica en el Boletín Oficial, sin previo aviso ni consenso, la Resolución 942/2017/Incaa, que lisa y llanamente decreta la eliminación del cine independiente y de autor; y que produce inexorablemente una pérdida histórica de nuestras fuentes de trabajo”.

En el mismo sentido se expresa Argentores, para cuyos miembros “este conjunto de normativas, lejos de ‘fomentar’ la actividad cinematográfica, se convierte en un diseño de financiamiento que impone peligrosas restricciones para la sustentabilidad de la producción, en especial para los emprendimientos alternativos de bajo y mediano costo con proyección autoral”. En coincidencia con el comunicado de la DAC, el de la asociación de autores también concluye que este esquema depara “una inexorable y drástica reducción de las películas filmadas y el riesgo de que sólo puedan sobrevivir las grandes producciones asociadas a los sectores corporativos más poderosos de la distribución internacional”.

Las tres asociaciones que hasta ahora expresaron sus puntos de vista también coinciden respecto del carácter cerrado e inconsulto de la resolución recientemente publicada, ya que su implementación se realizó sin ser puesta  previamente en conocimiento de las instituciones y asociaciones que integran la comunidad cinematográfica local. Desde el PCI se lo hizo reclamando la “conformación del Nuevo Consejo Asesor (órgano de co-gobierno del Incaa que garantiza la transparencia y asignación democrática de los Fondos de Fomento) en carácter urgente, ya que debería estar vigente desde julio del corriente año”. En tanto que desde el texto de DAC se solicita “al Poder Ejecutivo Nacional, al Ministerio de Cultura y a las propias autoridades del Incaa”, no sólo que “reconsideren las medidas que se pretende adoptar”, sino que también se dialogue con todo el sector audiovisual “para evitar este camino sin salida que producirá, inevitablemente, un cierre de fuentes de trabajo en una industria cultural que tantas satisfacciones le ha dado a nuestro pueblo y que de ninguna manera merece este trato”.

Tanto los comunicados de DAC y Argentores como el de PCI incluyen en sus textos una serie exigencias que buscan hacer dar marcha atrás a este nuevo esquema que, entienden, resulta muy perjudicial para la actividad cinematográfica. El documento del PCI solicita ya en su primer punto que la Resolución 942/2017 sea reconsiderada, “ya que la misma generará mayores trabas burocráticas, imposibilidad e imprevisibilidad en la financiación, provocando una drástica reducción en la cantidad de películas producidas anualmente”. En esa misma dirección apuntaron desde Argentores, quienes indican que la nueva regulación tergiversa “el espíritu de la ley al aplicar criterios económicos y financieros que desconocen la dinámica propia del quehacer cinematográfico”, reclamando que su implementación sea revertida de inmediato. Asimismo desde la asociación de autores se reclama “una política que respete el espíritu de una ley nacida para viabilizar el crecimiento cultural, profesional y laboral”.

Otra coincidencia entre los tres documentos gira en torno de una idea amplia de aquello a lo el cine argentino debería aspirar, concepto contra el que la nueva normativa pareciera conspirar. Desde el PCI se convoca “a la unión del sector audiovisual” y se solicita a las autoridades del INCAA que  “respondan a las necesidades urgentes y modifiquen el actual rumbo de sus políticas cinematográficas”. Por su parte desde DAC denuncian que “las nuevas resoluciones generadas por los funcionarios del Incaa defienden solo un modelo de cine que no necesita la financiación” y que “promueven la extinción de un cine nacional producido dentro de otros formatos y propuestas, tanto estéticas como narrativas, que históricamente ha creado miles de puestos de trabajo y obtenido infinitos premios internacionales”. En tanto que los miembros de Argentores se manifestaron a favor de que toda legislación orientada a la industria cinematográfica debiera perseguir el objetivo de “construir un cine que nos exprese y en el que nos podamos reconocer. Un cine que contenga diferentes rangos y modalidades de producción, diversidad de miradas, de historias y de caminos expresivos”.

 

Recordamos: Argentores y su firme posición ante la nueva medida

“Expresamos nuestro profundo rechazo a la resolución 942 promovida por las autoridades del INCAA y a los términos de la misma.

Las nuevas medidas que se proponen vulneran el espíritu de la Ley de Cine consagrada en 1994, piedra basal en la que se viene sustentando el cine de nuestro país en los últimos veintitrés años.

Amparado en el articulado de la Ley de Fondo de Fomento, este conjunto de normativas, lejos de “fomentar” la actividad cinematográfica, se convierte en un diseño de financiamiento que impone peligrosas restricciones para la sustentabilidad de la producción, en especial para los emprendimientos alternativos de bajo y mediano costo con proyección autoral.

Ante este esquema nos espera una inexorable y drástica reducción de las películas filmadas y el riesgo de que sólo puedan sobrevivir las grandes producciones asociadas a los sectores corporativos más poderosos de la distribución internacional.

Los escritores de películas venimos padeciendo el cercenamiento de la tutela de nuestros derechos económicos y morales con la pérdida del Libre deuda implementada por las autoridades del INCAA en enero de este año. Ahora, con esta resolución, nos enfrentamos a un escenario en el que se reducen las posibilidades laborales  y se amenaza sombríamente nuestro futuro profesional.

Unimos nuestro reclamo al de los demás trabajadores que integran la comunidad del cine para que se reviertan estas medidas que tergiversan el espíritu de la ley al aplicar criterios económicos y financieros que desconocen la dinámica propia del quehacer cinematográfico.

Fomentar es promover.

El estímulo económico a la realización de proyectos constituye un instrumento genuino que hizo posible hasta hoy el desarrollo del cine nacional.

Reclamamos una política que respete el espíritu de la ley nacida para  viabilizar el crecimiento cultural, profesional y laboral.

Para construir un cine que nos exprese y en el que nos podamos reconocer.

Un cine que contenga diferentes  rangos y modalidades de producción, diversidad de miradas, de historias y de caminos expresivos que aportamos, con nuestro trabajo, los autores de los libros cinematográficos para que una película tenga existencia.”

 

La opinión del sindicato de autores, SADA:

Asimismo, y en forma simultánea, SADA (sindicato que nuclea a los autores) y bajo el título “Fuerte retroceso al fomento audiovisual” distribuyó un comunicado, que a continuación reproducimos: “SADA expresa su honda preocupación ante la resolución n° 942/2017 del INCAA, que no solo es enteramente innecesaria sino que además desvirtúa sorpresivamente el sentido de la ley 24.377 de fomento a la producción cinematográfica, así como la función primordial de la misma, al omitir y reemplazar, en todos y cada uno de sus artículos, el concepto de “fomento” por el de “financiamiento”. De implementarse los cambios que impone esta resolución, desaparecería sustancialmente el fomento a la producción de cine nacional logrado a lo largo de décadas de arduo trabajo y aportes de la totalidad de las entidades, gremios, funcionarios y demás participantes del sector audiovisual. Bregamos por que el fomento a la producción nacional forme parte de una verdadera Política de Estado que trascienda a las distintas administraciones de nuestro valioso Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. El reemplazo del fomento por una política de financiamiento bancario que los pequeños y medianos productores no están en condiciones de afrontar, sólo puede conducir inexorablemente a una menor cantidad de películas, a una menor calidad de películas, a la destrucción de miles de fuentes de trabajo, no sólo de nuestros afiliados, sino de toda la comunidad audiovisual; y a la pérdida de ingresos indirectos de los que se beneficiaba toda la sociedad. Al reducir nuestra capacidad productiva, dejaremos de ser uno de los principales exponentes de la región a la vez que veremos diezmada nuestra capacidad de retratar la identidad de nuestro país a través de uno de los medios más consumido en el mundo, el audiovisual.”

La Asociación Argentina de Actores también se pronunció:

“Ante la grave situación generada a partir de la Resolución 942 que emitieran  las autoridades del INCAA en forma inconsulta y sin participación  del Consejo Asesor ( el que aún no ha sido puesto en funciones por exclusiva responsabilidad del Estado) y que pone en riesgo nuestras fuentes laborales, nuestro sindicato expresa su profundo rechazo a esta medida que, lamentablemente, confirma los pronósticos a los que arribábamos después de las desprolijidades y desmanejos, nunca aclarados públicamente, ocurridos durante el trámite que destituyó al anterior presidente del INCAA. Nuestros temores tenían que ver con la intencionalidad velada de desfinanciamiento del fomento a los pequeños y medianos productores de la actividad  audiovisual  y hoy vemos que algunas de las medidas planteadas en la resolución van en esa dirección. La preservación y crecimiento de nuestras fuentes laborales, además de las producciones privadas, están inevitablemente atadas a las posibilidades de fomento a la actividad de parte del Estado que nuestra ley de Cine contempla. Como sindicato, cuidar y hacer respetar esta herramienta es parte de nuestra tarea gremial y cultural. También es nuestra responsabilidad política y democrática  construir unidad de acción con sindicatos hermanos y distintas asociaciones representativas de la actividad cinematográfica. En ese sentido hemos acordado en el marco de la Multisectorial por la Ficción, el Trabajo y la Industria Audiovisual Nacional acciones que hagan visible y aporten a la solución del problema que la Resolución 942 ha generado. Es deseable que esta unidad para defender el fomento a nuestra actividad audiovisual se mantenga en lealtad y buena fe en el momento en que los productores, nuestros contratantes, deban respetar nuestros derechos laborales.”

A continuación, reproducimos el comunicado de la Multisectorial por la Ficción, el Trabajo y la Industria Audiovisual Nacional:

TODOS LOS CAMINOS DEL INCAA CONDUCEN A LA DEVALUACIÓN DEL CINE ARGENTINO

“Sin tener intención alguna de mejorar la grave situación de producción, distribución y comercialización a la que ha llegado el cine argentino, por el contrario, el Presidente del INCAA – economista de profesión – parece querer profundizar la devaluación del prestigio que supo tener desde su creación el Instituto y su rol como órgano de Fomento del Cine Nacional. A pocos meses de la salida escandalosa de su antecesor, nombrado por la misma gestión de gobierno, y sin lograr asimilar el bochorno ante las denuncias de corrupción todavía sin resolución, su gestión ha conseguido prácticamente una parálisis administrativa en la distribución del Fondo de Fomento Cinematográfico. Es la continuidad administrativa del INCAA que según su anuario 2016 perdió el 2,51 % de los espectadores con respecto al año anterior; consolidó la comercialización de películas extranjeras por no efectivizar la cuota de pantalla establecida en la Ley de Cine con manifiesto incumplimiento o falta de fiscalización de la misma y llegó a un 85,60 % de espectadores a películas extranjeras por falta de opción en salas. En ese lamentable escenario el lunes 18 se publica en el Boletín Oficial la Resolución 942/2017/INCAA, que parece promover sólo un modelo de cine que no necesita la financiación creada por la Ley y que generará sin duda un futuro de baja de la producción cinematográfica argentina, facilitando aún más la comercialización del cine extranjero, lo que dicho en otras palabras significa el camino de extinción del cine nacional. Esta resolución condena al desamparo a todo ese cine identitario producido dentro de otros formatos y propuestas, tanto estéticas como narrativas, que históricamente ha creado miles de puestos de trabajo y obtenido los más altos premios internacionales, prestigiando al cine y a todo el pueblo argentino. A contramano de este pasado que nos enorgullece, en la lectura de las nuevas normativas puede notarse que las mismas no están pensadas para efectuar fomento a la cultura sino que abiertamente se expresa lo contrario: un financiamiento bancario severo y muy ajustado; siendo además muy notable que quienes han diseñado estas normas no conocen la compleja cadena productiva que implica la realización cinematográfica, creando así un daño sin precedentes e irreversible a toda la cadena de valor que nuestro cine ha sabido construir, si esta resolución y sus anexos llegaran a aplicarse. El estímulo económico a la realización de proyectos constituye un instrumento genuino, tratado y votado en ambas cámaras del Congreso Nacional,  que hizo posible hasta hoy el desarrollo del cine nacional y su difusión en  todo el mundo. Solicitamos al Poder Ejecutivo Nacional, al Ministerio de Cultura y a las propias autoridades del INCAA, reconsideren las medidas que pretenden adoptar y dialoguen con todo el sector audiovisual, tomando especial atención en los productores de las provincias y PyMES, que vienen dando batalla a la economía global y centralizada para continuar produciendo obras audiovisuales en todo el país. Reclamamos una política que respete el espíritu de la ley nacida para  viabilizar el crecimiento cultural, profesional y laboral. Para construir un cine que nos exprese y en el que nos podamos reconocer. Un cine que contenga diferentes  rangos y modalidades de producción, diversidad de miradas, de historias y de caminos expresivos que aportamos, con nuestro trabajo, todos los trabajadores técnicos, productores, autores, directores y actores que integramos esta Multisectorial.”

Los Directores Argentinos Cinematográficos, DAC,  y su comunicado:

“En varias oportunidades desde DAC –Directores Argentinos Cinematográficos– hemos alertado a la opinión pública acerca de las graves consecuencias que genera para la industria audiovisual, el falseamiento de los costos reales de producción que requiere la realización de un largometraje nacional.

Este accionar deriva en un achicamiento permanente – continuo y potenciado al sumar el efecto de la inflación –  de las fuentes de financiación del cine argentino provenientes del Fondo de Fomento a la actividad cinematográfica, creado hace más de 20 años, por una ley que fuera sancionada, unánimemente, en el Congreso Nacional, con la clara decisión política de generar una sólida industria cultural capaz de representarnos exitosamente ante todo el mundo.

Lamentablemente hace algunos días las autoridades del INCAA han emitido una Resolución, mediante la cual el Costo Medio de Producción para un Largometraje Nacional, se modifica en un valor inferior a un 80 % de su costo real, sin ningún documento respaldatorio de su actualización anual, como lo ordena expresamente en su texto la Ley de Cine.

Cuando aún las entidades representativas del sector audiovisual no salían de su asombro -ya que se habían recibido promesas de los principales ministros del gobierno nacional que indicaban su intención de no achicar los fondos para el Cine- se publica en el Boletín Oficial, sin previo aviso ni consenso, la Resolución 942/2017/INCAA, que lisa y llanamente decreta la eliminación del cine independiente y de autor; y que produce inexorablemente una pérdida histórica de nuestras fuentes de trabajo.

Tampoco se ha acallado aun el escándalo generado hace pocos meses por las denuncias internas efectuadas por los propios funcionarios del actual gobierno, que generaron la extirpación del anterior presidente del organismo sin aun haberse efectuado hasta la fecha, ninguna explicación acerca de los actos denunciados. Llega entonces lo que toda la industria temía: la posibilidad de que se cercenara el Fondo de Fomento al Cine Nacional. 

Las nuevas resoluciones generadas por los funcionarios del INCAA defienden solo un modelo de cine que no necesita la financiación creada por la Ley, y que promueven la extinción de un cine nacional producido dentro de otros formatos y propuestas, tanto estéticas como narrativas, que históricamente ha creado miles de puestos de trabajo y obtenido infinitos premios internacionales.

Y es que en la lectura de estas nuevas normativas puede sentirse que las mismas no están pensadas para efectuar fomento a la cultura sino, como abiertamente se expresa, financiamiento bancario severo; siendo además muy notable que quienes han diseñado estas normas no conocen los comandos mínimos de lo que implica la realización y la producción cinematográfica, creando así un daño sin precedentes a la fecha -e irreversible si estas resoluciones llegarán a aplicarse- para nuestra cultura nacional.

Solicitamos al Poder Ejecutivo Nacional, al Ministerio de Cultura y a las propias autoridades del INCAA, reconsideren las medidas que se pretende adoptar y se dialogue con todo el sector audiovisual, para evitar este camino sin salida que producirá, inevitablemente, un cierre de fuentes de trabajo en una industria cultural que tantas satisfacciones le ha dado a nuestro pueblo, y que de ninguna manera merece este trato.”

Declaració de gui.ar ante la compleja situación del cine argentino:

“Los diversos sectores de la industria audiovisual estamos sumidos en el desconcierto y la sensación de un futuro aún más desalentador.

Desde el mes de abril, con la abrupta y poco clara salida del anterior director del INCAA, y luego de las movilizaciones realizadas por el sector, muchas y reiteradas han sido las promesas por parte del gobierno de no reducir el presupuesto y de no quitar el apoyo al cine nacional.

 

Pero el tiempo pasa y los vaticinios más pesimistas de abril comienzan a cumplirse.

– Congelamiento de los créditos a proyectos que aún esperan firma. 

– La demora antidemocrática por parte del ejecutivo, en firmar la designación del Consejo Asesor, órgano de co-gobierno del INCAA que garantiza la transparencia del funcionamiento y asegura que un representante de las principales asociaciones vele por los intereses del sector.

– Prácticas desleales dentro de la burocracia del INCAA que demoran y perjudican la producción.

– Un aumento del costo medio de una película que resulta completamente insuficiente.

– La resolución 942/2017, que establece la normativa y modificaciones en la aplicación del Fondo de Fomento Cinematográfico a la concesión de créditos, que en la práctica no es más que es un tiro de gracia para decenas de productoras Pymes

Estas políticas desvirtúan la esencia de la ley, creada para fomentar la actividad cinematográfica, y la propia existencia del INCAA. Desalientan la producción y dejan a la industria sumida en el desasosiego.

La actual dirección del INCAA deja al cine absolutamente reducido a unas pocas productoras que puedan acceder. Se beneficia sólo a las empresas que no necesitan de los subsidios. Al resto se las abandona provocando una enorme reducción en la realización cinematográfica, pérdida de miles de puestos de trabajo, y la destrucción de nuestra cultura, nuestra memoria e identidad colectiva.

Los guionistas hemos sido uno de los rubros más afectados al eliminarse el libre deuda de Argentores. La situación de nuestro sector es desesperante. Los niveles de desocupación del rubro en particular quintuplica la media nacional.

Detrás de estas medidas ya aparecieron nuevas operaciones mediáticas que sólo buscan la construcción de una cortina de humo que tape las políticas de reducción. Cuando el humo se disipe no sabremos qué quedará del cine nacional.

Desde Gui.ar nos sumamos y apoyamos la movilización en Defensa del Cine del día 28/9 a las 18.”

Rigen a partir del 15 de setiembre de 2017

MONTOS MÍNIMOS DE LOS CONTRATOS CINEMATOGRÁFICOS

La Junta Directiva en sesión del 14/9/2017 aprobó por unanimidad establecer los siguientes montos mínimos de los contratos cinematográficos a partir del 15 de setiembre de 2017, manteniendo la idea de que el rubro “Libro cinematográfico” representa el 5% del presupuesto de una película, excluídas las copias y la publicidad.

Dicho monto mínimo se estimó en base a la mitad del costo medio de un film de largometraje estipulado por INCAA, ($10.000.000-. Resolución 888/17) por lo que nuestro mínimo de contrato rige para películas de muy bajo presupuesto:

Contrato cinematográfico para guión de largometraje de ficción (vivo, animación, original y adaptado): $275.000.

Discriminado de la siguiente forma: Por guión de la película: $250.000 / Por derecho a ser pasado a DVD (no comercializable): $25.000.

 Contrato cinematográfico para guión de largometraje documental: $50.000.

Discriminado de la siguiente forma: Por guión de la película: $45.000. / Por derecho a ser pasado a DVD (no comercializable): $5.000, si bien contempla montos alternativos dadas las diferentes modalidades de producción existentes.

La entidad / Informan los Consejos

El 5 de octubre regresa con obra de Hugo Carcabal; Carolina Papaleo, protagonista

14º CONCURSO DE RADIOTEATRO PARA APLAUDIR 2017

El Consejo Profesional de Radio recuerda  la programación correspondiente a la realización de las cuatro últimas obras seleccionadas por el jurado constituído por Nora Lafón, Daniel Miglioranza y Santiago Doria:

“Independencia, de Hugo Alberto Carcabal : 5 de octubre.

“Encontrarse” de Mariano Alberto Fernández: 19 de octubre.

“Mentiras piadosas” de Facundo Torralba Agú: 9 de noviembre.

“La felicidad corría en círculo” de Sonia Amor Suárez y Agustín Durruty: 23 de noviembre.

Los elencos,  a cargo  de primeras figuras, serán  dirigidos  por Santiago Doria, Rubén Stella y Miguel Jordán,  respectivamente,

La entrada a cada presentación será libre y gratuita, a cupo del  auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo 1820, a las 19.30.

Carolina Papaleo (foto) será la protagonista de “Independencia”, de Hugo Alberto Carcabal. La actriz será acompañada por Pablo Vicente, Susana Sisto, Gastón Ares, Osvaldo Aldama y los relatos a cargo de Oscar Naya. La trama radioteatral transcurre en un pueblo sin tren, sacudido por una esperanza de escondidos intereses.

 «Independencia»transcurre en un pequeño pueblo sin tren, con campos anegados y caminos intransitables. La esperanza de sus agricultores basada en promesas  por parte de una empresa extranjera para  impulsar la región motiva el conflicto argumental del radioteatro permitiendo  su  análisis y posterior conclusión social.

María Mercedes Di Benedetto, del Consejo Profesional de Radio, nos recuerda instantes inolvidables del medio

EFEMÉRIDES RADIOFÓNICAS DE SETIEMBRE

1943: LA UNIÓN HACE LA FUERZA

Manuel Ferradás Campos, gran defensor de los derechos autorales.

El diario La Prensa, en su edición de  domingo 5 de septiembre de 1943 y bajo el título “Radiotelefonía”, cuenta que acaba de constituirse la Asociación Gente de Radioteatro, una entidad de carácter gremial que propone difundir conocimientos y sugerencias destinadas a elevar la práctica del radioteatro, a la vez que organizar las condiciones y relaciones de trabajo a que deberán ajustarse los intérpretes de esa actividad en las broadcastings. En la asamblea fueron elegidas las siguientes autoridades: Manuel Ferradás Campos, Presidente; José Paonessa, Vicepresidente; Secretario y Subsecretario, respectivamente, Ernesto Bustamante y Sergio Montes . Nisha Orayen , tesorera y Julia de Alba, protesorera. Por su parte, Lucía Barausse, Emma Bernal, Enrique Sáenz y Horacio Torrado fueron designados vocales. Mabel Loisi cuenta que Manuel Ferradás Campos propuso una huelga de autores de radioteatro en todo el país. Era la única manera de obligar a las radios a pagar los derechos de autor. “No fue necesario más que anunciar la huelga para que rápidamente giraran los derechos de autor que son nuestro salario (…) el autor es el obrero de la máquina de escribir, aunque ahora tenga computadora.”(Loisi, Mabel. Clásicos Argentores vol.1)

 

1943: PERMISO PARA IMAGINAR

Eva Duarte, entre Florindo Ferrario y Francisco Muñoz Aspiri, en LR3.

Para 1943, el control en las transmisiones radiales era estricto. En el caso de los radioteatros, debían ser autorizados por el secretario de Correos y Telecomunicaciones, coronel Imbert. Eva Duarte gestionó ese permiso y tuvo éxito, al punto que  logró un importante contrato con Radio Belgrano.  Ese setiembre  la Revista Antena anunció que la actriz iniciaría un ciclo en la radio, de lunes a sábado, dedicado a biografías de mujeres ilustres de la historia, gracias a la pluma de Francisco Muñoz Azpiri.

 

1950: FLORES, LIANAS Y JUGUETES

César Llanos, inolvidable “Tarzán”.

 

Tarzán, Juana, Tarzanito y los personajes del inolvidable radioteatro festejan el 21 de septiembre el Día de la Primavera: pasean en carroza por la Av. Santa Fe arrojando juguetes a los niños que se agolpan en las veredas.  Para mediados de siglo, la fantasía no tenía límites y la alegría selvática tampoco.  La novela de Edgar Rice Burroughs ya había sido adaptada para Radio Porteña en 1937, aunque sin mucha repercusión. Recién en la década del ‘50 una nueva versión marcaría las tardes infantiles con apenas quince minutos diarios, por Radio Splendid. Interpretada por César Llanos (Tarzán), Mabel Landó (Juana, también interpretada por Aurora Delmar), Alfredo Navarrise (el profesor Philander), Miguel Banni (el profesor D´Arnot), Carlos Dusso (el indio Wali) y Oscar Rovito (Tarzanito) el éxito de la serie provocó la creación de clubes «tarzanito» en todo el país e impulsó la aparición de programas similares en otras emisoras.

 

2003: EL RADIOTEATRO VUELVE AL ISER

Migré junto a un enorme amor suyo: una radio.

 

El Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica, ISER, dio comienzo el  5 de septiembre de 2003 a una serie de radioteatros en el espacio que esa  casa de estudios tenía en la programación de Radio Faro, entonces una de las frecuencias moduladas de Radio Nacional. Las primeras obras, escritas por alumnos de la Carrera de Guión,  fueron seleccionadas por el maestro Alberto Migré desde la supervisión en dramaturgia, y coordinadas por el director teatral Pablo Vicente. La voz de la apertura del ciclo fue nada menos que la del locutor Antonio Carrizo.

“Tony” Carrizo, sinónimo de la mejor tradición radial nacional.

La entidad / Información general

El 12 de octubre, en el auditorio de Argentores; hablarán los autores de la obra y Guillermo Hardwick, Secretario de nuestra entidad, quien se referirá al plan “Argentores Federal”

PRESENTACIÓN DEL LIBRO “EL IRREVERENTE MENSAJE DEL TEATRO / OSCAR FESSLER EN SANTA FE”, DE PAOLANTONIO Y DEGREGORI

Oscar Fessler, muy bien recordado en este trabajo.

El libro “El irreverente mensaje del teatro / Oscar Fessler en Santa Fe”, de Jose María Paolantonio y Oscar Roque Degregori será presentado el jueves 12 de octubre, a las 19, en el auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo  1820, con entrada libre. En la ocasión,  hablarán los autores de la obra y Guillermo Hardwick, Secretario de nuestra entidad, quien se referirá al plan “Argentores Federal” que, como se recordará, es un activo programa de acercamiento con los autores provinciales para apoyar la actividad de guionistas y dramaturgos de todo el país.

En la solapa del trabajo se indica: “este libro habla del movimiento teatral independiente cuando estaba en su plenitud, más allá de los avatares políticos y militares que transcurrían  a su alrededor.”

“En general, la historia se ha contado desde Buenos Aires y el flujo fue mucho más abarcador y las culturas locales recibieron la misma influencia y la misma dinámica”, se expresa también.

“Hay -se agrega- un vacío en el conocimiento de la totalidad del movimiento al que este libro trata de salvar, por lo menos en parte de lo que sucedió en Santa Fe, ciudad histórica de la institucionalidad.”

Se puntualiza entonces que el relato es también un homenaje a un creador europeo: Oscar Fessler, quien, de acuerdo al texto, “recreó el movimiento que ya estaba en marcha en Santa Fe y también una metodología tanto para actores como para directores y dramaturgos, con sólidas bases teórico-prácticas. Buscó la calidad y exigió rigor en el trabajo en todas sus áreas desde que consiguió fundar la Escuela de Teatro de la Provincia de Santa Fe.”

 

 

Aquí el artículo editado por el diario El Litoral acerca de la presentación santafesina del trabajo

«SERÍA MUY REFRESCANTE PARA LOS ACTORES ACTUALES CONOCER A FESSLER»

José María Paolantonio y Oscar Degregori presentaron el libro que reconstruye la etapa santafesina de Oscar Fessler, figura central del movimiento teatral independiente de los ‘60. “En general en la Argentina hay desconocimiento de la actividad de Fessler en Santa Fe. El libro quiere recuperar y cubrir esa omisión injusta”, señalaron los autores.

El texto de José María Paolantonio y Oscar Degregori fue presentado en la Feria del Libro de Santa Fe, que se realizó en la Estación Belgrano.

 

“Si el tema es el teatro, la conversación con José María “Cocho” Paolantonio y Oscar Roque Degregori puede extenderse durante horas. Los postulados teóricos, que ambos manejan a la perfección, se entrelazan con recuerdos y anécdotas con la fluidez propia de los buenos narradores. Ambos presentaron en Santa Fe el libro “El irreverente mensaje del teatro”. Allí proponen una crónica pormenorizada (y en muchos aspectos, reveladora) sobre la actividad que desarrolló el autor, dramaturgo y docente Oscar Fessler en Santa Fe, en los albores de la década del ‘60, momento de esplendor para el movimiento teatral independiente de la ciudad. Y enfatizan en la vigencia que poseen sus propuestas. La idea de convocar en un texto escrito la figura de Fessler obedece a un argumento central en el cual coinciden ambos autores: en la Argentina hay todavía un absoluto desconocimiento del trabajo de Fessler en Santa Fe. “Él aparece en los actores, en la gente de teatro, cuando llega a Buenos Aires. Santa Fe es una oscuridad absoluta. El libro quiere, de alguna manera, recuperar y cubrir esta omisión que es injusta, porque Santa Fe fue primero”, sostiene “Cocho”. “Al punto que un cineasta que obtuvo una beca para hacer una película sobre Fessler me llamó para que hablara de su labor en Santa Fe, porque era un hueco en su relato. Y me dijo que ‘Santa Fe siempre fue una incógnita’ ”, agrega.

Fessler desarrolló en Santa Fe un trabajo innovador. “Cuando conseguimos la Escuela de Teatro y Fessler era director, en Buenos Aires habían empezado a hacer gestiones. O sea que él fue pionero desde Santa Fe. Él ya tenía un currículum formidable. Traía ideas renovadoras que son tan actuales como hace 50 años. Sería muy refrescante para los actores actuales conocer a Fessler”. Un aspecto que tanto Paolantonio como Degregori remarcan es que, cuando Fessler concretó su trabajo, no sembró sobre un terreno árido. “Ya había cosas acá, teatros independientes muy interesantes que estaban creciendo con lo que tenían y con lo que podían. En este sentido, Santa Fe estaba prevista positivamente como para que viniera un Fessler, porque ya había gente con las mismas preocupaciones”.

Además de ser la reivindicación de un modo de comprender el teatro que cobró fuerza en los ‘60, “El mensaje irreverente del teatro” adquiere relevancia por su valor documental. Es que, a lo largo de sus páginas, está desplegado el contenido de las clases que dictó Fessler en Santa Fe, extraído de anotaciones de puño y letra de Degregori. “Eso es un documento fundamental desde el punto de vista dramático, cultural y político”, explica Paolantonio.

El planteo central, del cual proviene el título, es que “todo teatro que vale es un teatro que trae cosas diferentes. No solamente para el teatro, porque él mezcla siempre teatro y vida”, detallan los autores. “El cambio es un proceso fatal. Fessler lo plantea constantemente. Esto está presente en varias clases incorporadas en el libro”, indican.

Dos conceptos aparecen con frecuencia en la formación de actores de Fessler: imaginación y evocación. “Era una escuela de teatro preparatoria de actores, pero también tiene muchos elementos teóricos y prácticos dirigidos a la puesta en escena y a la elección del texto. Centra la preparación del actor en la imaginación, la evocación y la observación de la realidad. Esto último es fundamental. El actor es un constante receptor, un constante observador. Luego va a representar eso en escena. Eso fue un objetivo de la docencia de Fessler. Por eso, convocar a los sentimientos del actor era importante. Él lo dice en una clase. No se puede decir nada que no se sienta, porque el público lo va a descubrir inmediatamente”, dice Degregori.

El libro que desarrollaron “Cocho” y Oscar está dirigido principalmente a los actores. Y sobre todo a los jóvenes. “El libro es para los estudiantes de teatro. Pero dentro de su parte conceptual, también le viene muy bien a un autor y a un director. Entonces, en principio, es para los estudiantes, después para los que les enseñan a los estudiantes y luego para los que escriben teatro”, explica Paolantonio. A su vez, en la certeza de que “Fessler trasciende la temática del teatro y se mete con la vida, sirve como actitud humanista. Este teatro no es un teatro contra la gente, sino a favor de la gente. No cerramos el teatro en el teatro, sino que planteamos el tema de la vida, de que el teatro la refleja”, añade.

Por otra parte, de entrada la intención fue que el libro pertenezca a los santafesinos. Degregori lo explicita: “Este libro se escribió en Santa Fe. Es Santa Fe”. Por eso la decisión de presentarlo en la feria no fue antojadiza: “Quisimos reivindicar con la acción que esta publicación salió de Santa Fe”, cerró Paolantonio.”

El país

El festival internacional de teatro comenzará el 5 de octubre y hasta el 21 presentará obras con una fuerte impronta experimental

11° FIBA: CON EL CRUCE DE LENGUAJES COMO EJE

 “Se presentó en la Usina del Arte la programación de la 11° edición del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), que se desarrollará desde el 5 hasta el 21 de octubre en 38 espacios de la ciudad. En la conferencia de prensa participaron Angel Mahler, Ministro de Cultura; y Federico Irazábal, director artístico del FIBA. El festival propone una grilla de 65 espectáculos en total, con algunas líneas curatoriales específicas. Por un lado, se elaboró la programación ampliando el perímetro tradicional de las artes escénicas. Tiene protagonismo un cruce multidisciplinario donde el teatro se combina con la danza, la performance y otras experiencias territoriales. Por el otro, se asienta el concepto de lo “contemporáneo/novedad” como valor en torno a los lenguajes de compañías y grupos que exhibirán sus trabajos. Se valoriza, también, lo multicultural y el “borramiento de fronteras”. Y se propone tomar a la ciudad como escenario dinámico, ya que los espectáculos se presentarán en salas tradicionales, pero también serán el resultado de un cruce en distintas zonas de la ciudad como Villa Soldati o Villa Lugano. Finalmente, no habrá grandes figuras como en ediciones anteriores, sí la presencia de grupos instalados y con trayectoria en el panorama europeo que dialogan con el los ejes de esta edición del FIBA. Uno de ellos, quizás el más emblemático, son los alemanes de Rimini Protokoll que traerán Remote Buenos Aires, donde el espectador deberá realizar un recorrido de tres kilómetros a pie por la Ciudad. Esta propuesta del colectivo alemán es un formato adaptable a distintos trazados urbanos. También fue programada The Quiet Volume, de Tim Etchells, fundador del grupo Forced Entertainment, de Sheffield, Inglaterra.

La programación internacional ofrecerá 19 espectáculos y la apertura del 11° FIBA será con uno de ellos. El 5 de octubre en el San Martín se presentará The Tiger Lillies Perform Hamlet, musical del grupo inglés Tiger Lillies con actores daneses. Luego habrá trabajos destacados como 2666, adaptación de la monumental novela de Roberto Bolaño, dirigida por el francés Julien Gosselin. Esta obra tiene una duración de doce horas. De Alemania también estará Nicolas Stemann, con Nathan!?, versión del Gotthold Lessing a cargo de Elfriede Jelinek. En tanto que Five Easy Pieces, del suizo Milo Rau, se inspira en Igor Stravinsky, con un elenco de niños belgas. De ese país también vendrá el coreógrafo Win Vanderkeybus con In Spite of Wishing an Wanting. En el barrio 31 de Retiro se presentará La velocidad de la luz, de Marco Canale. Además, en Villa Lugano la coreógrafa española Vero Cendoya realizará una propuesta que combina danza y fútbol, titulado La partida. Mientras que la creadora alemana Britt Hatzius, desplegará el proyecto Blind Cinema con alumnos de la escuela 20 del Barrio Fátima. Esta edición el FIBA realizó una coproducción con el Cervantes. Se trata de 38SM Shakespeare Material, dirigida por el francés Laurent Berger, que durará varios días, ya que son 38 performances sobre la obra dramática de William Shakespeare. Además, se exhibirán siete producciones de distintas regiones del país en un convenio con el Instituto Nacional del Teatro. Y el Centro Cultural Recoleta tanto y el Complejo Teatral de Buenos Aires sumarán espectáculos como Arde brillante en los bosques de la noche, de Mariano Pensotti y El futuro de los hipopótamos, del grupo Krapp; o Los huesos, de Leticia Mazur. Habrá coproducciones del FIBA con los directores Gerardo Naumann y Nahuel Cano, entre otros.” (Información extraída del diario Clarín)

Despedida

Francisco Javier falleció a los 94 años; revestía carácter de Socio Activo de Argentores

ADIÓS A UNA ESENCIAL FIGURA DEL TEATRO NACIONAL

Foto: Magdalena Viggiani.

En la madrugada del domingo el teatro sufrió la pérdida de una de sus figuras más emblemáticas a nivel nacional: la de Francisco Javier, prestigioso autor, director, investigador, traductor y docente teatral. La Asociación Argentina de Actores despidió al teatrista de 94 años indicando que «dejará una huella imborrable en la cultura argentina gracias a su singular talento artístico, sus más de setenta puestas en escena y sus publicaciones de investigación teatral». En diciembre pasado había sido reconocido con el premio a la «Trayectoria Artística» del Fondo Nacional de las Artes, una de las mayores distinciones del mundo cultural.

Fue velado en el Teatro Nacional Cervantes, una de las tantas casas que tuvo en el mundo teatral. Profesor Honorario de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde desarrolló gran parte de su carrera académica, Javier (apellido artístico de Jorge Armando Lurati) tuvo cargos de gran resonancia nacional e internacional.

Fue, entre otras cosas, presidente del Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, Miembro del Comité Ejecutivo del Instituto Internacional del Teatro de la Unesco y Secretario General del Centro Argentino del Instituto Internacional de Teatro (ITI), cargo que ocupó hasta el final. Desde ese espacio se ocupó durante varios años de organizar el festejo por el Día Mundial del Teatro, Entre sus memorables trabajos como director se encuentran “El herrero y el diablo”, de Juan Carlos Gené, “La secreta obscenidad de cada día”, de Marco Antonio de la Parra, “La excepción y la regla”, de Bertolt Brecht, “El argentinazo”, de Dalmiro Sáenz y “El acompañamiento”, de Carlos Gorostiza, con la que realizó una gira por Suecia y Finlandia.

«Siempre me despertaron una gran curiosidad los textos dramáticos que no responden a los cánones de la época en la que fueron escritos. Me pregunto por qué un autor propone un texto que quiebra con lo que es común en su tiempo», dijo el director una vez a Página 12. Quizás sin darse cuenta hablaba de él mismo. Cuando trascendió la noticia de su fallecimiento, algunos colegas no dudaron en definirlo como un auténtico «renovador teatral».

Se indica en la sentida crónica publicada por el diario La Nación que Javier “se relacionó con esta actividad siendo muy joven. Cuando se formaba en el Colegio Nacional, dos de sus maestros más destacados, Ángel Batistesa y Monner Sans, lo llevaron al Cervantes a ver “Ollantay”, de Ricardo Rojas, interpretado por Luisa Vehil y Faust Rocha. La experiencia lo marcó para siempre. Ligado al teatro francés, no sólo se doctoró en la Universidad de París con una tesis sobre el espacio escénico, sino que, además, se transformó en un profundo conocedor del movimiento denominado teatro del absurdo, siendo Eugenio Ionesco uno de sus autores más reconocidos. Aquella tesis fue publicada en el país años después a través de una edición que realizó el Banco de la Provincia de Buenos Aires y resultó uno de los estudios más importantes sobre el tema desarrollados en la Argentina. Al cabo de su carrera realizó aproximadamente ochenta puestas en escena tanto en escenarios alternativos y oficiales como comerciales. Montó clásicos internacionales, nacionales, autores contemporáneos y también en algunos casos reparó en la nueva producción dramatúrgica que se generaba en Buenos Aires.Además, trabajó en el ámbito de la ópera con puestas en el Teatro Colón y en el Argentino de La Plata, como “Marianita Limeña”, de Valdo Sciammarella; “Le Jongleur de Notre Dame”, de Jules Massenet,  “L’italiana a Londra”, de Doménico Cimarosa y  “Hansel y Gretel”, de Humperdink.”

Entre otras distinciones, fue reconocido con el Premio Argentores- Impulsor a la investigación teatral, en 2003.

En ese mismo año  -indica, luego, el matutino-  “recibió el Premio Clarín por su puesta de Novecento, de Alessandro Baricco, y el Premio ACE por la dirección de La indigna señora B, de Bertolt Brecht. Recibió también el Premio de la Honorable Cámara de Diputados por su trayectoria, en 2004. En 2011 el Instituto Nacional del Teatro le otorgó el Premio a la Trayectoria Regional y hace un par de años el Fondo Nacional de las Artes lo condecoró con su premio mayor.Una de sus últimas puestas en escena fue El especulador, obra de Honoré de Balzac, en el Teatro San Martín. Lamentablemente, la comunidad teatral ha perdido a uno de sus referentes más importantes. Ferviente trabajador, hasta el año pasado seguía imaginando proyectos con un interés inusitado. Su salud había comenzado a debilitarse, pero no dejaba de asistir al teatro o pensar futuras puestas en escena. Para los estudiantes de las generaciones de los años 70 y 80, Francisco Javier resultó un guía maravilloso. No sólo les propuso revisar el teatro clásico, sino, además, investigar en las nuevas dramaturgias.”

Javier, recordamos, tenía 94 años de edad, 67 años de socio y revestía carácter de Socio Activo. Durante 20 años ocupó el cargo de Presidente de la Delegación Argentina del Instituto Internacional del Teatro.

De su producción autoral recordamos:

En Televisión:

Marianita limeña

Match (adaptación)

 

En Radio:

Escenarios argentinos

La lección (adaptación)

 

En Teatro:

El verano (adaptación)

La dama del Maxim’s (adaptación)

En la boca del lobo (adaptación)

Los novios del subte (adaptación)

Quien es quien (adaptación)

El mueble (adaptación)

El chofer (adaptación)

Chin chin (adaptación)

La oficina de informaciones (adaptación)

 

Imagen del pasado 11 de julio en la presentación de su último libro, “La práctica teatral”, en la Alianza Francesa, junto a Ingrid Pellicori, Mauricio Dayud, Víctor Laplace y Agustín Alezzo.

El autor, en Argentores, durante la firma del convenio con el Fondo Nacional de las Artes. Lo observan, entre otros, Miguel Diani, Presidente de nuestra entidad y Guillermo Hardwick, Secretario.

 

 

Así lo recuerda Cristina Escofet, Presidente del CPS de Argentores

“LAS PUERTAS DE ESTE MUNDO / A MI QUERIDO FRANCISCO JAVIER”

Las puertas de este mundo

Habían comenzado a achicarse

Mi querido maestro

Mi adorado gigante…

Es que las dimensiones de la vida

Son inevitablemente escasas

El aire se hace espeso

Hasta volverse irrespirable

Y las calles y sus pozos y las bocinas

Se convierten en senderos intransitables.

Y llega un momento en que por más

Que apelemos a la ficción

No hay caso…

La tercera dimensión

En que habitamos nos dice

Se acabó el espacio…

Y la cuarta pared de los teatros

Pide también por infinitos escenarios…

Por supuesto algún ingenuo

Podrá detenerse en la nimiedad

De forzar al corazón a insistir

En continuar a como sea

Pero es la voz sabia la que dice basta…

Sobre todo cuando vemos que

Los primeros que hacen

Sus valijas son los recuerdos

Los instante felices, los amores

Que insisten en otros laberintos

Los desamores, las desazones y las traiciones

Que se empecinan

En no abandonar sus personajes

Adueñándose de todo conflicto humano

Que merece sin duda una eternidad

Universal, no tan pedestre

Una eternidad de transparencias

Donde poder desplegar todas

Sus escenas

Querido maestro

Adorado gigante…

Un carrousel infinito inicia la partida

Y es inútil insistir en estas puertas malditas

Que se achican, y donde las dimensiones

Expandidas de lo que llamamos vida,

No hay caso ya no caben…

Y no puede sostenerse la incomodidad

De andar uno tras recuerdos que se fueron,

Persiguiendo teatros que se esfuman

Insistiendo en correr por caminos que

Se hacen montañas

Que se convierten en guijarros

Que se hacen pantanos de telones embarrados…

La tercera dimensión

Tan efímera, es impotente

En cuestiones de latidos…

¿Cuántas veces lo hablamos

Guiados por el sutil Giraudoux?

La tercera dimensión es tan sólo una

Morada temporaria…

Y cuando las puertas se achican

Es momento de partir, de ponerse cómodo

De quitarse estos vestuarios

Ya gastados…

Mi adorado maestro, mi querido gigante

Peregrino…

Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
Noticias derecho al autor.

Ida y Vuelta Nº 602

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Las noticias derecho al autor
Toda la información cada siete días

La entidad / Información Institucional

Continuamos recordando la gran noche efectuada en el complejo La Plaza

NUEVAS IMÁGENES DEL GRAN FESTEJO POR EL DIA DEL AUTOR

Un momento del discurso de Miguel Diani, Presidente de Argentores.

Como sabemos, y como se informase oportunamente, en un acto efectuado el lunes 11 de setiembre en la sala Pablo Neruda del complejo La Plaza, Argentores celebró en su 107° aniversario el Día del autor, haciendo entrega del Gran Premio de Honor de televisión 2017 a Jorge Maestro y Sergio Vainman y los premios a la labor autoral correspondientes al año 2016.

Maestro y Vainman, tras recibir la máxima distinción de la institución.

En el acto -que comenzó con las palabras del presidente de la entidad, Miguel Angel Diani-, se entregaron  los premios y distinciones a los autores de teatro, cine, radio y televisión, correspondientes a la producción autoral del año 2016. Aquí, vamos a compartir más imágenes de la gran noche argentorista, que completan las ya editadas en la edición anterior del “Ida y Vuelta”:  

Los socios que han cumplido 50 años de vínculo con la entidad, sobre el escenario. 

Bebe Ponti, Ignacio Bulián junto a Francisco Mues Camaña y Adrián Stopelman, premiados en el rubro radial.  

El momento de recordación a los socios recientemente fallecidos generó un instante de honda emoción.

Más gente de radio: Kitty Hallan, María Mercedes Di Benedetto y Alejandro Dongiovanni, con sus estatuillas.

Jose Pauloni, elegido por el personal de la entidad como “Mejor compañero”, durante su agradecimiento. Lo observa Guillermo Hardwick, Secretario de la institución.

Ariel Rotter, Andrea Testa con Francisco Márquez y Andrés Habegger: los creadores cinematográficos también tuvieron su premio.

Los autores de “La leona” y “El marginal”, agradeciendo la elección del jurado. 

Ricardo Halac y María Inés Falconi, autores teatrales que también fueron distinguidos por Argentores.

Los autores del documental “La historia detrás de la copa” y Martín Campilongo, con coautores de “Noti Campi”.

Leonardo Nápoli y María Prado (premiados por “Homero, el color de la sudestada”),  Dana Frígoli (coreografía, por “Dos, lo que se disuelve”) y Juan Ignacio López (música original teatral, por “Rufianes”), agradecen.              

Los cuatro vientos, grupo que muy bien amenizó la jornada.

Fotos: Magdalena Viggiani.

Rigen a partir del 15 de setiembre de 2017

MONTOS MÍNIMOS DE LOS CONTRATOS CINEMATOGRÁFICOS

La Junta Directiva en sesión del 14/9/2017 aprobó por unanimidad establecer los siguientes montos mínimos de los contratos cinematográficos a partir del 15 de setiembre de 2017, manteniendo la idea de que el rubro “Libro cinematográfico” representa el 5% del presupuesto de una película, excluídas las copias y la publicidad. 

Dicho monto mínimo se estimó en base a la mitad del costo medio de un film de largometraje estipulado por INCAA, ($10.000.000-. Resolución 888/17) por lo que nuestro mínimo de contrato rige para películas de muy bajo presupuesto:

Contrato cinematográfico para guión de largometraje de ficción (vivo, animación, original y adaptado): $275.000.

Discriminado de la siguiente forma: Por guión de la película: $250.000 / Por derecho a ser pasado a DVD (no comercializable): $25.000.

Contrato cinematográfico para guión de largometraje documental: $50.000.

Discriminado de la siguiente forma: Por guión de la película: $45.000. / Por derecho a ser pasado a DVD (no comercializable): $5.000, si bien contempla montos alternativos dadas las diferentes modalidades de producción existentes.

 Se reunieron con autoridades de Argentores

 VISITA DE LOS DELEGADOS CULTURALES A LA SEDE DE LA ENTIDAD

En coincidencia con el festejo por el Día del Autor realizado el 11 de setiembre en el complejo La Plaza por nuestra entidad, los Delegados Culturales de la institución visitaron la sede de Pacheco de Melo y se reunieron con Miguel Angel Diani, Presidente de Argentores; Guillermo Hardwick, Secretario de la entidad y Daniel Dalmaroni y Adriana Tursi, integrantes del Consejo Profesional de Teatro de la institución.  

Tres  imágenes del encuentro de los delegados con autoridades de la entidad en la sede de Pacheco de Melo.

Durante la reunión se evaluaron temas de interés local de los delegados provenientes de distintas regiones del país. La organización de concursos regionales, la coordinación de talleres de capacitación en técnicas de dramaturgia y guion de cine y TV, de encuentros, muestras y actividades culturales relacionadas al oficio de escribir para teatro, radio, cine y TV, incluyendo las nuevas tecnologías que ya forman parte de los nuevos lenguajes audiovisuales. Asimismo, se propuso la participación activa de las delegaciones en los eventos teatrales de las diferentes regiones, para afianzar vínculos con organismos oficiales ligados a las industrias culturales, mediante convenios de adhesión o participación.  Se propuso también mejorar las comunicaciones entre los representantes de las diferentes provincias a través de una transversalización de los vínculos entre las delegaciones regionales. Finalmente, se consensuaron normativas y métodos de trabajo para facilitar y acelerar las tramitaciones, optimizar las relaciones institucionales y lograr así un mejoramiento significativo en todos los frentes entre la entidad y los autores de todo el país. 

Recordamos los Delegados Culturales: 

Ciudad de Córdoba: Gonzalo Marull 

Ciudad de Paraná: Martín Calvo

Ciudad de Mar del Plata: Toti Gallo

Ciudad de Salta: Carlos Delgado

Ciudad de San Luis: Carlos Vera de Souza 

Ciudad de Catamarca: Gabriela Borgna 

Ciudad de Santa Rosa: Omar Lopardo

Ciudad de Mendoza: Sergio Sánchez

Fotos: Magdalena Viggiani.

Las conclusiones del 2º Congreso Audiovisual Multisectorial

TODAS LAS LUCES DE ALARMA ENCENDIDAS 

El encuentro realizado en el Hotel Presidente tuvo como tema recurrente la preocupante situación de la industria, que en dos años de macrismo en el poder sufrió un retroceso brutal. Se consensuó un proyecto de ley de fomento que ya ingresó al Congreso

Todas las mesas reclamaron al Estado que proteja la actividad. 

El miércoles 13 culminó el 2º Congreso Audiovisual Multisectorial que reunió a representantes de la industria para debatir sobre el momento crítico que atraviesa el sector, y lo hizo del único modo posible: con la presentación de un proyecto de Ley de fomento y protección a la actividad televisiva nacional, los contenidos audiovisuales y las nuevas plataformas. Y es que todas las mesas de exposiciones sin excepción -nueve entre martes y miércoles- reclamaron al Estado que proteja la actividad audiovisual, también víctima de las distintas facetas del proyecto neoliberal mundial. Así, con la presencia de legisladores nacionales, los representantes de las quince asociaciones convocantes sellaron sus conclusiones de dos días en un «proyecto concreto que defiende la cultura nacional», tal como expresaron al cierre del encuentro que tuvo lugar en el Hotel Presidente. 

El proyecto de Ley era algo esperado y muy trabajado por la Multisectorial por el Trabajo, la Ficción y la Industria Audiovisual Nacional, que surgió en 2015 a raíz de la grave crisis de la producción de ficción nacional con la consiguiente disminución del trabajo argentino en medios de comunicación, redes y plataformas diversas. A grandes rasgos, lo que propone es la creación de un ente autárquico de amplia representación federal que participe en el fomento y desarrollo de toda la cadena productiva, desde la elaboración de un proyecto hasta su emisión pasando por las distintas etapas de producción, posproducción y distribución. Ahora que ya entró al Congreso (ingresó en la Cámara Alta el martes), deberá pasar por las comisiones de Educación y Cultura, Industria y Comercio y Presupuesto y Hacienda para su tratamiento y eventual aprobación. 

«Necesitamos tener una protección para producir lo que sabemos producir. Contra la lata está nuestro trabajo, pero no solamente como forma de subsistencia sino como parte del pensamiento de país. Eso es lo que estamos defendiendo, por eso queremos la ley», sentenció Pepe Soriano, presidente de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (Sagai), que formó parte de la mesa que giró en torno a las alertas y los desafíos de Latinoamérica en materia de derechos autorales y actorales. «La reglamentación es necesaria porque si nuestras obras pierden su encuentro con el público dejan de tener sentido», amplió el director y guionista Marcelo Piñeyro, también vicepresidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (Cisac), quien expresó que «gran parte del cine argentino alcanza una presencia apenas marginal, pasando inadvertida su existencia para la mayor parte del público local».

Además de la necesidad de una ley, hubo otras demandas urgentes que aparecieron en casi todas las mesas: la de una cuota de pantalla que fije un mínimo de horas semanales de producción nacional en el prime time de la televisión y la de la puesta en funcionamiento del Consejo Asesor del Incaa, su órgano federal de cogobierno, que se encuentra paralizado. También se expresó preocupación por la baja en la producción de contenidos (ficciones y documentales) que abastecen a los canales de la TDA y el consecuente vaciamiento del Banco Audiovisual de Contenidos Universales Argentino (Bacua), algo que por otra parte repercutió directamente en los canales universitarios, que tienen poca o nula asistencia para la producción de su contenido por parte del Estado. Esto último quedo expresado en una mesa que tuvo como eje específico a la formación profesional y la investigación dentro de esos canales, de la cual participaron integrantes de distintas casas de altos estudios de todo el país. 

«Necesitamos recuperar nuestra identidad y nuestra idiosincrasia a través de la ficción y eso tenemos que hacerlo con nuestro propio lenguaje, con nuestros actores. La importancia de la multisectorial es que estamos todos juntos para debatir, afrontar y luchar por esa necesidad imperiosa de defender nuestro derecho a la cultura», sintetizó sobre el encuentro la directora Viviana Guadarrama, una de las panelistas de la mesa titulada «La dirección y la producción de TV frente a la convergencia productiva». Por su parte, Guillermo Tello, coordinador ejecutivo de la Multisectorial y de la asociación Directores de Obras Audiovisuales para Televisión (DOAT) concluyó: «Fue un congreso muy positivo porque tuvimos una fuerte representatividad del sector y porque como conclusión de nuestros pedidos pudimos presentar el proyecto de Ley, que de aprobarse traería una fuerte política pública federal». Sólo una cosa restó en el congreso: de un total de 52 expositores, sólo ocho fueron mujeres, un reflejo cabal de la poca participación que tienen éstas en los cargos de representación de las asociaciones que nuclean a trabajadores y ejecutivos del cine y la televisión.” (Extraído del diario Página 12, artículo firmado por Paula Sabates).

Argentores Federal

El Secretario de Argentores concurrió al encuentro llevado a cabo en la ciudad de Resistencia; brindó una charla abierta y gratuita titulada “Escribir bajo las estrellas”

“FESTIVAL LAPACHO”: EL DOCUMENTALISTA GUILLERMO HARDWICK BRINDO UNA CHARLA SOBRE GUIÓN

En Resistencia, Chaco, el marco del Festival Latinoamericano de Cortometrajes Lapacho, el viernes 15 de setiembre, en el Centro Cultural Alternativo (Santa María de Oro 471), el documentalista Guillermo Hardwick brindó una charla abierta y gratuita titulada “Escribir bajo las estrellas”. 

Durante la charla, Hardwick hizo un recorrido a través de las etapas de elaboración del guión documental y sus diferentes modificaciones, desde la investigación, la pre producción, la planificación y hoja de ruta, el trabajo de campo, la información incidental, el rodaje, la producción, la escritura “in situ” y la post producción.

El Festival fue organizado por el Instituto de Cultura del Chaco a través del Departamento de Cine, Audiovisuales y Artes Digitales (DECAAD). Se realizó del 14 al 16 de septiembre en Resistencia y otras localidades chaqueñas. 

El Festival Lapacho 2017 fue de “técnica, género y temática libres”. 

Las proyecciones fueron gratuitas. La sección Competencia Latinoamericana (junto con los cortos y largometrajes de muestra) se llevó a cabo en el Espacio INCAA del Complejo Guido Miranda; el jurado estuvo compuesto por Guillermo Elordi, Romina Vlachoff y Matías Esmay. El Festival contó con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)

Guionista, documentalista, desarrolló su carrera profesional en Canal 13 durante 20 años como guionista de distintos ciclos. Fue productor guionista del programa cultural “La aventura del Hombre”, con producciones documentales en Argentina y otros países sudamericanos, tales como el documental “Islas Galápagos” en Ecuador, «Al sur de America», en Chile, «Camino al Matto Grosso», en Brasil y Paraguay, «Artesanos de la muerte» en Bolivia, «Macchu Picchu y Nazca» en Perú, entre otros. Escribió además, los programas especiales: “30 años de la TV Argentina” y “Malvinas. Después de la guerra”. En Canal 13 trabajó asimismo para “El Mundo del Espectáculo” (adaptación de Clásicos) y en los ciclos “Sebastián y su amigo el artista” (Telecomedia); “Esta puede ser su historia” (ciclo de unitarios de ficción); “Televisión abierta” (ciclo con nuevas figuras); “La noche de Andrés Percivale” (sketch de humor) y en diversos ciclos infantiles.

Para Canal 9 trabajó en “El precio del poder” de Hugo Moser, en la producción de exteriores; “La generación del 2000” (producción ejecutiva); “Dale Loly”, protagonizado por Lolita Torres (producción ejecutiva). En canal 7 actuó como realizador del programa “Historias de la Argentina Secreta” y de los ciclos «De gira» y «Pais Paisaje». En el exterior fue productor guionista del “Ciclo Fantástico”, periodístico-documental de Canal 2 de Caracas, Venezuela y en Londres, Washington y New York rodó su documental “Homeless”.

Actualmente es Secretario Gral. de Argentores.  (Información extraída de culturachaco.com.ar)

La entidad / Informan los Consejos

El Consejo de Previsión Social presentó “Vida y poesía 6”  en el Anexo

VIDA, POESIA, LIBERTAD, POEMAS Y CANCIONES DE LUCHA

Con la coordinación de  Marta Albanese y María Ibarreta, el taller se efectuó el viernes 15 de setiembre a las 18 en el primer piso del Anexo. “Una velada donde la poesía y los cantos de libertad unieron corazones. Con espíritu angelado, Marta y Maria condujeron este nuevo encuentro. Desde Guillén, Hernández, Neruda, León Felipe, poetas nicaraguenses y latinoamericanos se dieron cita, dando lugar a la poesía propia de los participantes que generosamente nos regalaron sus versos en “Vida y poesía 6”. Convocamos para escucharnos. Y lo seguiremos haciendo”, expresó a nuestro boletín Cristina Escofet, Presidenta del CPS de Argentores. 

Aquí, fotos del encuentro, tomadas por Magdalena Viggiani: 

Marta Albanese y María Ibarreta, en plena lectura.

Ambas coordinadoras, con Cristina Escofet, titular del CPS.

El 5 de octubre regresa con obra de Hugo Carcabal; Carolina Papaleo, protagonista

14º CONCURSO DE RADIOTEATRO PARA APLAUDIR 2017

El Consejo Profesional de Radio informa  la programación correspondiente a la realización de las cuatro últimas obras seleccionadas por el jurado constituído por Nora Lafón, Daniel Miglioranza y Santiago Doria:

“Independencia, de Hugo Alberto Carcabal :  5 de octubre.

“Encontrarse” de Mariano Alberto Fernández: 19 de octubre.

“Mentiras piadosas” de Facundo Torralba Agú: 9 de noviembre.

“La felicidad corría en círculo” de Sonia Amor Suárez y Agustín Durruty: 23 de noviembre.

Los elencos,  a cargo  de primeras figuras, serán  dirigidos  por Santiago Doria, Rubén Stella y Miguel Jordán,  respectivamente,

La entrada a cada presentación será libre y gratuita, a cupo del  auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo 1820, a las 19.30.

Carolina Papaleo (foto) será la protagonista de “Independencia”, de Hugo Alberto Carcabal. La actriz será acompañada por Pablo Vicente, Susana Sisto, Gastón Ares, Osvaldo Aldama y los relatos a cargo de Oscar Naya. La trama radioteatral transcurre en un pueblo sin tren, sacudido por una esperanza de escondidos intereses.

 El autor, Hugo Alberto Carcabal, informa el Consejo de Radio, “expresa una sensibilidad especial para la creación de ficción en radio. Sus tramas y personajes revelan una aguda mirada hacia los conflictos humanos que desenvuelve mediante acciones de profundo contenido social.” 

 En el año 2006, Carcabal,  luego de su formación como guionista de  radioteatro ( cursos dictados por  Argentores) estrenó  su obra «El ferroviario», en la sala Gregorio de Laferrère.  Dos años más tarde  «El tío de España» y posteriormente «La fábrica», todas obras premiadas en los sucesivos  concursos de  «Radioteatro para Aplaudir», organizados por el Consejo Profesional de Radio.

 La obra radiofónica, «Independencia», de Hugo Alberto Carcabal, transcurre en un pequeño pueblo sin tren, con campos anegados y caminos intransitables. La esperanza de sus agricultores basada en promesas  por parte de una empresa extranjera para  impulsar la región motiva el conflicto argumental del radioteatro permitiendo  su  análisis y posterior conclusión social.

El país / Información general

Reproducimos artículo del autor Bernardo Carey, editado en el diario Tiempo Argentino

TEATRO DEL PUEBLO: EL SHOW DEBE CONTINUAR

“El Teatro del Pueblo fue el primero independiente de América. Fundado en noviembre de 1930 por un grupo de artistas liderados por Leónidas Barletta, tuvo muchas sedes: empezó en una lechería, tanto que hay una aguafuerte de Roberto Arlt, que lo recuerda jocosamente. El propio Arlt, luego, fue incorporado como teatrista y dejó de escribir ficción.  El Teatro, de la lechería pasó a una sede en la calle Corrientes. Y luego fue yirando de sede en sede, hasta que el Concejo Deliberante porteño de los años ’30, le entregó el solar donde hoy está el teatro San Martín. Allí había otro llamado igual, más pequeño. Pero en la década del ’40 decidieron construir el actual edificio y le dieron una patada a Barletta… Aunque también le dieron un subsidio lo suficientemente grande como para trasladar el Teatro a otro sitio y lo llevó a Diagonal Norte 943: allí funcionaba un cabaret, y en los pisos superiores se permitía encuentros amorosos… Pero lo convirtió en teatro y ahí funcionó hasta la muerte de Barletta, en 1975. Aunque resultó que él dejó dos viudas, y no una. Y todo se complicó. Debió cambiar el nombre y llamarse Teatro de la Campana. Hasta que en el ’94, lo compró el Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos y se pudo recuperar el nombre del Teatro del Pueblo. Por entonces, con Roberto Tito Cossa, Carlos Pais, Marta Degracia, Roberto Perinelli y Eduardo Rovner y otros,  formamos la Fundación Carlos Somigliana como estímulo del autor teatral. Y además tomamos la dirección artística del teatro. 

Claro que en octubre de 2018, el Instituto ocupará el edificio y deberemos irnos de allí. Pero ya elegimos una nueva sede, donde ahora funciona el teatro La puerta Roja, en Lavalle 3636. Tenemos un año para juntar los fondos para comprarlo. En eso estamos metidos y para el jueves 21 se organizó la Noche del Teatro del Pueblo, con la solidaridad de la Asociación de Empresarios Teatrales. Lo que recauden algunas obras de teatros comerciales, como  Bossi, Master Show; Casados SIN hijos; Dios no existe, acabo de conocerlo; Doble o nada; I.D.I.O.T.A.; La puerta de al lado; Los Vecinos de Arriba; Que mundo idiota; Sugar; Toc Toc; Todas las canciones de amor; Un rato con él; El Padre / Strindberg y otras, sumarán fondos para nuestro objetivo. 

Pero al mismo tiempo estamos tratando de recuperar el Cine Teatro Urquiza, en la Avenida Caseros 2826. De bella arquitectura de época, fue inaugurado el 20 de mayo de 1921. Amplio, confortable, siempre ofreció a los vecinos música, cine y teatro populares. Pronto va a cumplir 100 años de vida y los vecinos de Parque Patricios no quieren que se muera un lugar donde vieron a Mecha Ortiz, a Santiago Gómez Cou, a «Semillita», el actor del barrio, en la blanca pantalla cinematográfica, a Carlos Gardel, a  Aníbal Troilo y a la gran Tita Merello en su ancho escenario. Lo que pedimos es que se preserve de acuerdo a las ordenanzas vigentes. Y los ediles de la Ciudad deben convertirlo en monumento histórico. Si no, una nueva vez, una sala teatral se va a transformar en un supermercado o un garage… Y así seguiremos apostando a una actividad que sigue en pie a pesar de todo. Que sufrió un sacudón grande en la crisis del 2001, muy violenta: en estos momentos estamos tratando que no retorne el teatro a transitar por esos sacudones, aunque las condiciones político-sociales para nuestro medio, son muy similares. 

Además, porque desde ese momento hubo un crecimiento notable de la teatralidad independiente y de los teatros pequeños, no comerciales, que empezaron a funcionar en la década del ’30 del siglo pasado. Y ese resurgir no fue flor de un día. No dependió de una moda. Fue más intenso y más profundo. Obedeció a la madurez de talleres de dramaturgia y actuación.

Todo eso eclosionó violentamente en un momento en que las defensas de la población estaban caídas, y a partir de ahí, en Buenos Aires existen más de 300 salas independientes, lo que es una enormidad. Las salas se constituyeron como pudieron, en un salón, en un galpón, en un living. Y tuvieron distintas facetas. Esto que parece una acumulación cuantitativa, creó un cambio cualitativo. Mejoraron las selecciones de los repertorios, mejoró la actuación y la dramaturgia. 

Y sigue evolucionando a pesar de que las condiciones que nos brinda la sociedad no son las mejores. Hasta hace poco parecía que el autor ya no existía, era una especie de post realismo, donde no aparecía la palabra como hecho fundamental de la obra teatral. Pero eso se fue equilibrando. También pareció en un momento que la actuación absorbía al autor. Hoy se trabaja más en dupla, conjuntamente el autor con el director, y se está dejando el camino de trabajar con los actores en improvisaciones actorales. Se está recomponiendo la función de cada uno de los sujetos teatrales dentro de la obra. Esos cambios fueron producto de una crisis profunda en la que cada uno buscó su rol. Identificarse con uno mismo era una manera de perdurar, en una sociedad tan despiadada.” 

Los empresarios teatrales donaron la recaudación del jueves 21 de setiembre para poder equipar y reconstruir la nueva sede del Teatro del Pueblo

HISTÓRICO: LAS SALAS DE LA CALLE CORRIENTES APORTARON PARA LA RECONSTRUCCIÓN  DE UN TEATRO INDEPENDIENTE

El 21 de setiembre de 2017 seguramente quedará en la memoria de Buenos Aires como el día en que la solidaridad de la comunidad teatral hizo posible que el Teatro del Pueblo lograra su principal objetivo de este momento complejo de su rica historia: comprar su nueva casa, su sala propia, para lo cual sus hacedores vienen trabajando denodadamente. Cabe recordar que ésta fue la sala que dio nacimiento al teatro independiente, en 1943. Su sede actual, en la diagonal Roque Sáenz Peña, pertenece -porque así lo ordenan las leyes- al Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos, que se hará cargo del edificio, luego de 20 años en los que la Fundación Somi se asentó allí. Y es precisamente por esa remarcable historia que los empresarios teatrales agrupados en Aadet decidieron proponer que este pasado jueves fuese La Noche del Teatro del Pueblo. Los empresarios donaron lo que les corresponde de sus recaudaciones para la adquisición de la nueva sala del Teatro del Pueblo, situada en Lavalle 3636.Para la Fundación Somi -administradores y programadores del Teatro del Pueblo-, la adquisición del espacio propio es el modo de preservar para siempre la memoria viva de uno de los movimientos culturales más importantes para la identidad nacional, de Leónidas Barletta en adelante. Las obras comprometidas en esta causa fueron, entra otras : Bossi, Master Show (Astral); Casados sin hijos (Multiteatro); Dios no existe… acabo de conocerlo, Toc-Toc y Como el culo (Multiteatro); Doble o nada (La Comedia); I.D.I.O.T.A. (Picadero); La maestra normal (Apolo); La puerta de al lado, Todas las canciones de amor y Justo en lo mejor de mi vida (La Plaza); Los vecinos de arriba y El otro lado de la cama (Metropolitan); Qué mundo idiota (Picadero); Sugar (Lola Membrives); Un rato con él (El Nacional), y El show de la menopausia (Picadilly). (Información extraída del diario La Nación).

El dramaturgo estuvo en Santa Fe para brindar una charla abierta; en diálogo con El Litoral, contó cómo trabaja para el montaje de sus obras 

MAURICIO KARTÚN: «UNO DE LOS PROBLEMAS DEL MAL TEATRO ES EL ACTOR OBEDIENTE» 

“Cuando contesta, Mauricio Kartún recurre constantemente al uso de metáforas. Casi todas cristalinas, capaces de evocar imágenes potentes. Así, el aclamado dramaturgo y director es capaz de comparar el teatro con la gastronomía, con la música y hasta con una pileta. También le otorga preponderancia a los actores: “El 95 por ciento de lo que está arriba del escenario es una propuesta de ellos”, asegura. Kartún, que pasó el miércoles por Santa Fe para ofrecer una charla abierta en La Redonda bajo el título “Visita guiada a la cabeza de un dramaturgo”, dialogó con El Litoral y expuso sus puntos de vista sobre el teatro actual, los nuevos formatos, los procesos de la escritura y su última puesta en escena, “Terrenal”.

 —Alguna vez comentaste que trabajás alrededor de 8 meses para el montaje de una obra. ¿Nunca te sentiste tentado a acelerar ese proceso?

 —Sí. ¿Viste cuando hacés una torta y tenés ganas de comer, abrís el horno quince minutos antes y el bizcochuelo que tenía que subir veinte centímetros te baja a cinco? Exactamente lo mismo me ha pasado alguna vez. Con el espectáculo que tengo montado en este momento, “Terrenal”, nos pasó eso. Intenté hacer en cinco meses lo que naturalmente iba a llevar ocho o más. Y cuando faltaba un mes, me di cuenta de que el bizcochuelo había quedado como una galletita.

 —¿Y entonces?

 —No hubo más remedio que pagar y disculparse. Aceptar la hipótesis de que no podíamos estrenar en esa fecha, de que necesitábamos mucho más plazo. Tuvimos una sala generosa que lo aceptó. Otra nos podría haber dejado en la calle, nos podríamos haber quedado a la intemperie. Nos volvimos a sentar, volvimos a cocinar todo. Uno siempre está tentado, pero lo que tiene que saber es que cada plato lleva su tiempo. Servirlo antes es servirlo antes del punto. Hay que aceptarlo. De la misma manera que la obra de arte tiene su espacio, la obra de teatro tiene sus tiempos. Requiere, exige, instala un tiempo de realización. Si uno lo quiere hacer en menos lo puede conseguir, pero va a conseguir menos.

 —¿Los actores coinciden con esos tiempos o se ponen ansiosos?  

 —Está planteado desde el inicio. No hay otro planteo que el de ir a buscar la obra. El trabajo de experimentación tiene siempre esa condición. Uno busca la obra. Buscarla significa ponerse como objetivo encontrarla. Si no la encontrás, el trabajo no está logrado. Yo creo que ése es uno de los problemas que ha tenido tradicionalmente el teatro. La ingenuidad de creer en ciertas fórmulas mágicas, en ciertas fechas mágicas. Siempre recuerdo que en mi juventud, en mi formación, leía los manuales de dirección que hablaban de los veinte ensayos. Eso tiene que ver con una realidad diferente, con elencos estables, con teatros oficiales, con tener que respetar calendarios burocráticos. Pero en realidad, el que trabaja en una búsqueda creativa, sabe que no puede ser acotada por esto. Los actores lo saben porque desde el primer día está planteado el objetivo, que es encontrar el espectáculo. Hasta que no lo encontrás, seguís trabajando.

 —¿Hasta que no lo encontrás vos desde tu rol de director o hasta que no lo encuentran todos?

—Hasta que no lo encontramos todos, obviamente. Lo que sucede es que el rol del director, en ese sentido, es muy exigente, porque la voz que de alguna manera determina que el espectáculo está encontrado es la tuya. Tiene que ver con un acto de razonabilidad, vos sos el que mirás desde afuera. Esa es parte de tu responsabilidad. El actor, además, se tira a la pileta confiando en que el agua la ponés vos. Por lo tanto de vos depende que no se pegue un porrazo.

 —Vos dijiste también que le otorgás mucha independencia a los actores. ¿Cómo incide esto en la disposición final de la obra?

—Lo que yo propongo tiene que ver con la vieja tradición teatral. Confiar mucho en el cuerpo del actor, encontrando una realidad. Pero eso es común a todas las puestas. Solamente que hay directores que se ponen más exigentes en el sentido de intentar que el actor haga algo que él ya tiene prefijado. Yo nunca tengo nada prefijado. Simplemente miro y elijo. Por lo tanto absolutamente todo lo crea el cuerpo el actor. No así el texto. Yo prácticamente no lo cambio. Salvo que sea necesario, no hago ningún retoque literario. Pero te diría que el 95 por ciento de lo que está arriba del escenario es una propuesta del actor.

 —Sos muy generoso al concederle tanto al actor. No sé si todos coinciden en eso…

 —Si vos ves el proceso de trabajo y descubrís cómo el actor sintetiza en su cuerpo algo que charlaste antes del ensayo, verás que la verdadera máquina creativa es el cuerpo del actor. Por supuesto que uno tira elementos como autor y director. Contextos, situaciones, ejemplos. Pero el que sintetiza es el actor. Ahí es donde hablo del estado de libertad del cuerpo del actor. El actor sintetizando, no obedeciendo. Creo que éste es otro de los problemas tradicionales del mal teatro, el actor obediente. Esa relación sadomasoquista entre el director que exige, manda y castiga y el actor que acepta ese otro lugar de sumisión da siempre como resultado un teatro artificial.

—Y el actor que acepta esa circunstancia poco dará de lo suyo. Es como un músico que toca la partitura sin importarle qué puede aportar.

 —Exactamente. Transforman la música en un sistema matemático. Uno podría pensar en actores que transforman su cuerpo en un sistema matemático. Eso no es el actor. Ahí estaríamos pensando en un actor instrumento. Por supuesto que la industria quiere actores instrumento, porque los instrumentos cuando terminás los guardás en la funda, te lo llevás y no te piden aumento. El actor es otra cosa. No es un instrumento, es un intérprete. Que su cuerpo funcione como instrumento no quita la otra parte. Es un verdadero intérprete, un verdadero creador. Un director no es otra cosa que alguien que se plantea cierto grado de objetividad desde afuera sobre eso otro que está sucediendo a partir del actor creador. Pero cuando digo eso del 95 por ciento no es porque haga un acto de concesión generosa, sino porque hago un cálculo más o menos adecuado. Vos podés sugerir y acompañar en algún lugar donde el actor no probó, pero el que lo está probando es él. El actor obediente lo único que puede poner es oficio y el oficio es resultado de la repetición, no de la creación.

 —¿Cómo aparecen los temas sobre los que escribís?

 —Siempre son sorpresas. Los que nos dedicamos a esto de alguna manera vamos por la vida esperando el piedrazo, esperando algo que te sacuda. Vas por la calle y aparece algo, abriste un diario y aparece algo, estás leyendo una novela y aparece algo, alguien te cuenta una cosa y aparece algo. En realidad siempre son apariciones sorpresivas en las cuales uno se tienta porque descubre que es un material apto para lo que uno hace. Es como si uno encuentra una madera que puede tallar.  

  —¿Creés en los nuevos formatos que posibilitan ver obras de teatro a través de otros soportes fuera de las salas?

 —Si no podés caminar, el bastón y la silla de ruedas son una gran solución. Pero si podés caminar lo verdaderamente orgánico es la caminata. El teatro, en cualquier otro formato que no sea el vivo, se embalsama. Crea una versión verosímil de algo que debe ser verdadero. Por lo tanto, esos son formatos alternativos, pero nunca son la verdadera realidad. “

Dossier especial / Evocación / Radioteatro histórico

Compartimos la efemérides radiofónica escrita por María Mercedes Di Benedetto, integrante del Consejo Profesional de Radio, sobre una entrañable y muy porteña ficción futbolera 

1° DE SETIEMBRE DE 1940: COMIENZA “GRAN PENSIÓN “EL CAMPEONATO”   

Justo cuando la década del 40 comenzaba, la ficción radial estaba en su apogeo.  

Sin ánimo de exagerar, podríamos afirmar que el radioteatro, con sus intrigas y melodramas, se había convertido en un género que paralizaba el país.

En este contexto fervoroso nació uno de los pocos ejemplos de ficción deportiva, no sólo porque unía el humor al fútbol, sino porque el entrelazado era tan estrecho que la vida de los personajes fluctuaba según los avatares del Campeonato Nacional que en la realidad se desarrollaba domingo a domingo.

Más claro: la Gran Pensión “El Campeonato” tenía inquilinos que representaban cada uno a un equipo de fútbol, y todos peleaban por el amor de la hija de la dueña de la pensión (Doña Asociación Balompié). 

El personaje que representaba al equipo que salía campeón cada año era quien finalmente conseguía el amor de la joven.

El lenguaje popular (barrial y lleno de guiños futboleros) contaba las idas y vueltas de la historia. Su elenco, los prototipos inequívocos de la fauna dominguera: 

DOÑA ASOCIACIÓN (AFA): Antonia Volpe

EL ROJO DE AVELLANEDA (INDEPENDIENTE): Héctor Ferraro

DON PEDRÍN EL FAINERO (BOCA): Félix Mutarelli

BERNABÉ EL MILLONARIO (RIVER): Tino Tori, reemplazado al morir el actor por EL MARQUÉS DE PEDERNERA, Manolo Perales.

ACADÉMICO GARCÍA (RACING): Zelmar Gueñol 

EL GAUCHO DE BOEDO (SAN LORENZO): Roberto Fugazot

EL GLOBITO (HURACÁN): Oscar Villa

EL MILICO DEL FORTÍN (VELEZ SARSFIELD) : Marianito Bauzá

MISTER ÑIULS (N.O.BOYS): Héctor Wilde “Bolazo”

DON ROSARIO (ROSARIO CENTRAL): el mismo Wilde

EL FUNEBRERO (CHACARITA): Alfonso Pisano

EL PINCHARRATA (ESTUDIANTES): Luis Galli

EL TRIPERO (GIMNASIA LA PLATA): Mario Faig

EL POTENTADO (BANFIELD): A. Pisano 

EL BOHEMIO (ATLANTA): A. Pisano

EL CALAMAR (PLATENSE): Jorge Rojas

La joven destinataria de los amores y miradas de todos los pensionistas era Miss Campeonato, sucesivamente interpretada por Cheché March, Hilda Viñas, Herminia Franco, María Esther Gamas, Carmen Vallejo, Elda Desel, Irma Lagos, Julia Giusti y Lucila Sosa, entre otras actrices.

Los libretos pertenecían a Enrique Dátilo (Dátilo Enrique Giachino) y  la dirección artística estaba a cargo de Tito Martínez Delbox, de quien se dice fue el primero en relatar un partido íntegro, en 1927, para Radio Nacional, utilizando un teléfono y con Jaime Yankelevich – el dueño de la emisora-  como técnico operador. 

Allá por 1990, a sus 84 años, Enrique Dátilo recordaba  que en los tramos finales de la «Gran Pensión» recibieron el pedido de incluir en la serie a un personaje que representase a los Campeonatos Evita.

Gran Pensión El Campeonato se transmitió durante algo más de 12 años (desde el 1º de setiembre de 1940 a 1952) por Radio Belgrano los domingos de 12.30 a 13.30, con el auspicio de Jabón Federal. 

Los jueves, de 21 a 22, se emitía un complemento que abundaba en burlas a los perdedores del domingo. 

Cada capítulo solía acabar en una discusión generalizada entre todos los personajes, batahola que era aplacada por la voz autoritaria de Doña Asociación, cuyo lema final era: “Sigan por ese camino / que la vieja Asociación / hará ganar los partidos / con justicia y con razón”.  

Cada personaje iniciaba su actuación en el programa con un breve recitado, que pronto se popularizó entre las hinchadas, según el siguiente detalle:

BOCA JUNIORS: “Mochachi de la pizza e la fainá, Buona sera a tutti, E la vida será más beya si se ganamo otra estreya”; cuando se perdía, cambiaba a  “Mochachi de la pizza e la ricotta, si sigo perdiendo puntos me quedo sin la tricota”.

RIVER PLATE: “Damas y caballeros, buenas y millonarias, y digamos todos con voz tonante, La Banda, La Banda, ¡siempre adelante!”.

INDEPENDIENTE (con acento catalán): “¡Compañeros! Camaradas libres e independientes, adelante y RS, RS que pasat en limpio signifique. ¡Rojos salut!” (cuando se perdía: “¡Rojos sonaste!”).

SAN LORENZO DE ALMAGRO: “Un saludo del Ciclón para tuita la reunión y recuerden mientras tanto: para vivir sin quebranto, ¡hay que ser bueno y ser Santo!”

VELEZ SARSFIELD: “¡Soy Vélez el del Fortín, que en Barragán y Gaona, planta firme su persona para luchar hasta el fin!”.

NEWELL’S OLD BOYS: “Leidis and gentleman, gud ivinin; ¡Y estando en vuestra presencia, un saludo mi les doy, el del Parque Independencia que les trae Ñiuls Old Boys!”.

ROSARIO CENTRAL: “¡Un saludo me permito ofrecer en general, el de la Estancia Arroyito de don Rosario Central!”.

CHACARITA JUNIORS: “Señores soy Chacarita y ténganlo por bien cierto, el que mi casa visite, ése ha de ir siempre muerto; cajón de manera dura, cuatro velas, la mortaja, ¡me lo acomodo en la caja y otro va a la sepultura!”.

ESTUDIANTES DE LA PLATA: “Soy chiquitito y bonito, estudiante de La Plata, y como soy muy loquito me llaman el pincharrata”.

GIMNASIA Y ESGRIMA LA PLATA: “Soy el famoso tripero, el del bosque de La Plata, que si su furia desata en fija sale primero”.

PLATENSE: “Soy Platense el calamar, el que en Manuela Pedraza y Crámer tiene su casa, ¡tacataca tacataca pa’ lo que guste mandar!”.

BANFIELD: “Soy Banfield el verdiblanco, calavera y jugador, soy joven, conquistador…¡y tengo plata en el Banco!”.

ATLANTA: “Yo soy Atlanta el bartola, que de puro calavera, se pasa la vida entera, acomodado en la cola”.

Podían escucharse también otras coplas, afines a los distintos equipos:

“Sopla, sopla, sopla / sopla el grande y sopla el chico / sopla el pobre y el bacán / pero cierren bien el pico / cuando sopla el Huracán.”

Enrique Dátilo había presentado su proyecto a Tito Martínez Delbox, quien estuvo varios meses a la pesca de un buen avisador; le costaba conseguirlo porque los eventuales patrocinantes desconfiaban de la imparcialidad de los libretos y temían la reacción de las hinchadas. Finalmente, Vito Donato Savia, de la firma Jabón Federal, se armó de coraje y brindó el esperado auspicio.

Los años de oro de la «Gran Pensión El Campeonato» fueron los de Radio Belgrano, cuyo propietario, Jaime Yankelevich, no simpatizaba mucho con la ruidosa presencia de tantos pensionistas. Con el tiempo, Dátilo y los simpatizantes futboleros se trasladaron a Radio Splendid.

Exterior

El diario español El País informa que el impuesto se aplicará a plataformas de Internet que ofrecen servicios audiovisuales de pago o se sufragan con publicidad

FRANCIA IMPONDRÁ UNA TASA A NETFLIX Y YOUTUBE PARA FINANCIAR SU CINE

Cartel publicitario de la serie ‘Narcos’, producida por Netflix, en la Puerta del Sol de Madrid. 

“Francia quiere que las plataformas extranjeras de distribución audiovisual por Internet de pago o que viven de la publicidad, como Netflix o YouTube, ayuden a sufragar su cine, el medio más afectado por la competencia de estos servicios online. Para ello, el Gobierno de Emmanuel Macron impondrá una tasa a estas empresas mediante un decreto que se anunciará “en los próximos días”, según ha adelantado la ministra de Cultura gala, Françoise Nyssen. El dinero recaudado irá a las arcas del Centro Nacional de Cinematografía (CNC), el organismo encargado de las políticas de apoyo al cine, el sector audiovisual, el vídeo y el multimedia,  incluidos los videojuegos. El objetivo es que “estos actores entren en el círculo virtuoso de la financiación de la creación”, ha explicado la ministra en una entrevista con el diario económico Les Echos. Se trata, agrega, de una “señal fuerte” a estas plataformas. A esta tasa se añadirán “pronto” las medidas que se derivan de una directiva europea que prevé que esos sitios deben ajustarse a la reglamentación de los países de destino, acota. 

El momento elegido para este anuncio no es casual. En el marco de los ajustes presupuestarios que se apresta a anunciar el Gobierno para el año que viene, también el sector audiovisual tendrá que apretarse algo el cinturón. Según ha adelantado el ejecutivo, a pesar de las promesas en sentido contrario del anterior gobierno, el presupuesto de 2018 contendrá 36 millones de euros menos que el de este año para los grupos audiovisuales. Una decisión que, pese a la inquietud del sector, no es negociable, subraya Nyssen, en vista de “la situación presupuestaria degradada” que se encontró el equipo de Macron al asumir el poder. La ministra recuerda que el recorte previsto no llega al 1% del presupuesto total al sector (4.500 millones de euros para todos los grupos audiovisuales públicos) y que sigue siendo superior a lo percibido por estos en 2015 y 2016.

Netflix ya protagonizó otra polémica en Francia, el pasado mayo: el festival de Cannes, presionado por los exhibidores nacionales, aprobó un cambio de su reglamento que castiga precisamente al coloso estadounidense. A partir de la edición 2018 del certamen, no podrán optar a la Palma de Oro filmes que no tengan garantizado su estreno en salas comerciales de Francia. Netflix, que compitió con dos largos este año en Cannes, da prioridad absoluta al lanzamiento online de sus obras, y solo en contadas ocasiones sus películas debutan también en las salas.

La piratería ‘online’, un “flagelo”.

Además de la tasa a plataformas como Netflix, el gobierno francés está poniendo también en marcha un «plan de acción contra el pirateo”, dentro del cual se enmarca el acuerdo suscrito ayer entre Google —propietario de YouTube— y la Asociación Francesa de Lucha contra la Piratería Audiovisual (ALPA). En virtud de ese convenio, Google establecerá una mejor cooperación entre su plataforma YouTube y los tenedores de derechos de autor de obras audiovisuales que se quejan de las pérdidas por el pirateo. “No queremos que los estafadores utilicen más nuestras plataformas en detrimento de los creadores”, dijo el presidente de Google en Europa, Oriente Medio y África, Carlo D’Asaro Biondo, durante la ceremonia, a la que también asistió Nyssen, quien manifestó su deseo de que este solo sea un primer paso en el marco de acuerdos con otras plataformas similares.

Como antigua editora —hasta que Macron la nombró ministra, Nyssen estaba al frente de la reputada editorial Actes Sud— la titular de Cultura dice ser muy consciente “del trabajo que representa el acto de crear” y de la importancia de que “una obra sea remunerada, para que pueda seguir existiendo”. “El mito de todo gratis no es defendible”, subraya en Les Echos.

En este sentido, considera la piratería “un flagelo” a combatir en todas las esferas. Por ello, además de acuerdos como el alcanzado con Google la víspera, Nyssen resalta la importancia no solo de luchar contra los productos falsificados, sino también de concienciar desde pronto a los ciudadanos de los peligros de la piratería. “Hace falta que los niños comprendan que si piratean, habrá muchos medios que dejarán de existir cuando ellos lleguen a la edad laboral”, advierte.

LOS FRANCESES, LOS MÁS CINÉFILOS DE EUROPA

Francia es, en Europa, el paraíso del cine. Con 213 millones de entradas vendidas, los cines galos fueron en 2016 los visitantes más asiduos a las salas de cine en todo el viejo continente, muy por delante de Reino Unido (168 millones) y Alemania (121 millones), según datos del CNC.”

Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
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Histórico: las salas de la calle Corrientes aportan para la reconstrucción  de un teatro independiente

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Ida y Vuelta Nº 601

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La entidad / Información Institucional

Gran Premio de Honor Televisión ´2017: Jorge Maestro  y Sergio Vainman; los autores vivieron su gran fiesta 

SE ENTREGARON LOS PREMIOS ARGENTORES A LA PRODUCCIÓN ´2016

Vainman, Diani y Maestro, felices, en el escenario del complejo La Plaza.

La dupla ganadora, un instante antes de empezar la ceremonia.

 

En un acto efectuado el lunes 11 de setiembre en la sala Pablo Neruda del complejo La Plaza, Argentores celebró en su 107° aniversario el Día del Autor, haciendo entrega del Gran Premio de Honor de televisión 2017 a Jorge Maestro y Sergio Vainman y los premios a la labor autoral correspondientes al año 2016. El acto comenzó con las palabras del presidente de la entidad, Miguel Angel Diani y en el mismo, se entregaron  los premios y distinciones a los autores de teatro, cine, radio y televisión, correspondientes a la producción autoral del año 2016. 

 

A continuación, el texto completo de las palabras del titular de Argentores:

“Antes que nada quiero agradecer la presencia en esta sala de tres compañeros chilenos, que han luchado duramente, y lo siguen haciendo, a favor del derecho de autor, no solo en su país sino también en la región. Ellos son el Director General de ATN, la sociedad chilena de gestión de gran derecho; Cesar Cuadra, el Director Regional de la CISAC para América Latina y el Caribe, el Dr. Santiago Schuster y el guionista y director Silvio Caiozzi. 

Silvio Caiozzi ha sido ganador en estos días del gran premio de las Américas, máximo galardón del Festival de Cine del Mundo de Montreal, por su película «… Y de pronto el amanecer».  

Ellos son, entre otros, los responsables de la promulgación en Chile de la ley Ricardo Larraín, que reconoce a los autores audiovisuales, guionistas y directores, sus derechos morales y patrimoniales sobre sus obras. La CISAC (Confederación Internacional de Sociedades de autores y Compositores) junto a DAC y Argentores, dieron su total apoyo para que se promulgara esa ley. Ahora Silvio podrá también cobrar derechos por sus películas, cada vez que se proyecten en las salas cinematográficas, o se emitan por televisión o se transmitan por cable, en territorio chileno.   

Y como dice mi amigo y abogado Santiago Schuster, “La palabra autor siempre ha estado asociada a la palabra derecho”.

Autor, en términos cotidianos, significa ser el responsable de un hecho. Autor de algo es quien lo ha realizado. Existe un vínculo intangible y único entre una obra y su autor. A ese vínculo lo llamamos autoría. Por lo tanto el autor tiene responsabilidad y derechos sobre su obra. 

La sociedad valora la identidad del autor. Le interesa saber quién es el creador de determinada música, novela, obra de teatro, o película. Porque el autor tiene un valor social. No nos da lo mismo un cuadro de Salvador Dalí que uno de Picasso. Tampoco nos da lo mismo una película de Fellini o una de Bergman. Ni una obra de teatro de Chejov o una de Lorca. Ni una canción de Pink Floyd o una de Madonna. No nos da lo mismo. 

Porque no es lo mismo.

Cada obra tiene identidad propia. Y esa identidad se la da el autor. La sociedad identifica a la obra con su autor, y de esa manera lo reivindica como creador de su obra, y le da derechos sobre ella.  

Y el creador debe seguir la suerte de su obra. Porque es su identidad. Es como un chip que llevamos debajo de la piel. Se deja de ser autor cuando la obra se desprende del vínculo de paternidad. Cuando el autor se ve privado de seguir la suerte de su obra. 

Las sociedades de gestión estamos para cuidar que esto no suceda. Ese es nuestro trabajo. Simplemente ese. Defender los derechos morales y económicos de los autores. 

Y para eso primero hay que crear conciencia de autoría. 

Hace unos años se hizo una experiencia en el marco de la CISAC, que apuntaba a valorizar el concepto de ser autor. Se encomendó a un grupo de chicos y adolescentes de distintas escuelas a hacer un trabajo artístico. A los chicos de 8 a 10 años les mandaban a hacer un dibujo, y a los de 13 a 15 años un cuento. Se trataba de un concurso detrás del cual estaba la CISAC, pero eso no se sabía. Cuando se entregaron las distinciones se supo que un chico había ganado el premio al mejor dibujo, y una chica adolescente el premio al mejor cuento. Y esto se anunció en un gran acto en el que se nombraba a los ganadores, quienes subían al escenario junto a sus padres. Pero a la hora de mostrar las obras ganadoras, se las cambio por otras, deliberadamente. Ni el chico, ni la adolescente, reconocieron que las obras premiadas fueran las suyas. “Eso no es mío”, dijo el chico. “Tampoco me pertenece”, comento la joven. 

Y luego de esa confusión deliberada se pasó a mostrar los verdaderos trabajos de los chicos. Fue una manera irrefutable de demostrar el vínculo que se establece entre un autor y su obra. 

Fue un modo de enseñar a esos pequeños artistas que ellos eran capaces de no aceptar un premio por una obra que no fuera suya. Y al mismo tiempo que debían reclamar por la que era de su autoría. 

Eso es derecho moral. Y todos los autores tenemos que trabajar y luchar por eso, porque es por donde te empiezan a vulnerar tu identidad como autor.

Estamos más que nunca en una época de sumar. Autor más autor. Y así hacernos fuertes. Y utilizar esta valiosísima herramienta que es Argentores para enfrentar cualquier problema que se nos presente. Los ojos de los autores tienen que ser nuestros ojos. Comunicando todo ataque que sufran sobre sus derechos. 

Repito, Argentores es la herramienta. 

Pasamos cuatro años intensos. De lucha y reivindicaciones. Y de muchos beneficios sociales para los autores. Mejoramos exponencialmente la recaudación e instalamos a Argentores en el mundo, teniendo la Vicepresidencia del Comité Latinoamericano y del Caribe de la CISAC, y formando parte del Comité Ejecutivo de Writers & Directors Worldwide. Y seguiremos en este camino durante el tiempo que nos toque seguir en la conducción. 

En esta nueva etapa trabajaremos sobre varios objetivos. Por un lado defender a los autores y a la entidad contra los avances de los enemigos del derecho de autor. Se vienen años difíciles. En segundo lugar concientizar sobre la importancia del derecho de autor, tanto entre los autores, como en las escuelas, en las universidades, e incluso con los magistrados. Esto nos va a dar el blindaje necesario para nuestra defensa. El tercer objetivo es poner toda la energía y gestión en el área digital. Las nuevas plataformas van a ser la estrella de los próximos cuatro años. 

Y también seguir avanzando en el Argentores Federal. Es indispensable conectar a todo el país. Los autores tienen que estar seguros que su entidad va a estar allí donde la necesiten. Defendiéndolos. Conteniéndolos. Argentores nació hace 107 años con esa premisa. Y hoy más que nunca la seguiremos cumpliendo.   

Para terminar quiero agradecer a los directivos que hicieron posible la gestión anterior, y augurar un excelente trabajo para la Junta Directiva actual. 

También agradecer a los empleados que forman parte de esta institución. Porque entendimos que la única manera de lograr cumplir los objetivos es gestionando en equipo. Directivos y empleados. Todos convencidos en seguir profundizando este camino. El camino del compromiso con todos los autores. El camino de la gestión y el trabajo. Gracias.”   

Próximamente, en la inminente edición de la revista Florencio, una completísima cobertura del gran acto argentorista. 

 

Tomadas por Magdalena Viggiani, compartimos imágenes de la ceremonia:

Premios y plaquetas esperando a sus dueños.

El escenario de la sala Neruda, un instante antes de empezar la velada.

Como es habitual, una sala completa dio marco a la reunión por el Día del Autor.

A cargo de la Subdirección Ejecutiva de LRA, Pablo Ciarliero; Mecha Fernandez y Adolfo Aristarain,  con sus plaquetas.

Coreógrafos en la noche argentorista: Oscar Araiz y Mecha Fernández.

Tito Cossa  -designado socio número uno de SADA- habla al público; lo escucha Tato Tabernise, directivo del gremio de los autores.

Los cuatro vientos musicalizaron los festejos del Día del Autor.

Los guionistas puntanos, tras recibir el premio “Hugo Sacoccia”.

Juan Carr y Silvio Caiozzi, agradeciendo sus distinciones.

Como es habitual, Gabriela Rádice condujo con solvencia el acto de Argentores.

 

Y aquí, recordamos a todos los premiados en el acto efectuado este lunes: 

 

SOCIOS BODAS DE ORO

Oscar Araiz 

Agustín Busefi

Roberto Castro

Margarita Ingeborg

Ramón Landajo

Carlos Luzietti

Santiago Palazzo

Maria Cristina Verrier

Alberto Wainer

Canela

 

PREMIO FEDERAL HUGO SACCOCCIA

Nuevas Líneas, Asociación de Guionistas de San Luís

 

DISTINCION ESPECIAL

Juan Carr

Silvio Caiozzi

 

PREMIOS ARGENTORES A LA PRODUCCIÓN 2016

 

TEATRO

Jurado: Martín Bianchedi, Milena Plebs, Héctor Puyó, Pablo Albarello y Adrián Blanco

 

Distinción:

Mecha Fernández 

 

Teatro Para Adultos:

Ricardo Halac, por La lista.

 

Teatro para público infantil:

María Inés Falconi por Tengo a mi abuelo en el ropero

 

Teatro Musical:

Leonardo Nápoli y María Prado por  Homero, el color de la sudestada

 

Coreografía:

Dana Frigoli por Dos, lo que se disuelve

 

Música original:

Juan Ignacio López por Rufianes 

  

RADIO

Jurado: Mona Moncalvillo, Rubén Stella  y  Edda Díaz 

 

Glosas:

Bebe Ponti por El Programa de Bebe Ponti 

 

Sketch:

Ignacio Buliàn y Francisco Mues Camaña (Pesky) por  El resumen de Mariano Closs 

 

Microprogramas:

Adrián Stoppelman por Micros de humor

 

Teatro en Radio. Adaptación:

Paola Lavín por La dama de las camelias, de Alejandro Dumas

 

Documental:

Kitty Hallan por Las historias son parte de la vida 

 

Radioteatro unitario:

María Mercedes Di Benedetto por Memoria de los trenes

 

Radioteatro en capítulos:

Alejandro Dongiovanni por El radioteatro de los Rivarola 

 

Distinciones:

Alejandro Dolina

Radio Nacional 

 

CINE

Jurado: Lucía Puenzo, María Victoria Meniz y Alejandro Fernández Moujan

 

Guión Original:

Ariel Rotter, por La luz incidente

 

Guión Adaptado:

Andrea Testa y Francisco Márquez  por La larga noche de  Francisco Sanctis, sobre libro homónimo de Humberto Costantini

 

Guión Documental:

Andrés Habegger por El (im)posible olvido

 

Distinción:

Adolfo Aristaraín

 

TELEVISIÓN

Jurado: Diana Álvarez, Luis Pedro Toni y Jorge Mordkowicz (Maestro)

 

Telenovela episódica:

Pablo Lago, Susana Patricia Cardozo, Adriana Lorenzón, Sol Levinton, Gabriel Alejandro Patolsky y Javier Rozenwasser por La leona

 

Unitario:

Guillermo Salmerón, Adrián Caetano, Silvia Edith Olschansky y Nicolás Alejandro Marina  por El marginal

 

Documental:

Christian Gaspar Remoli, Ariel Scher, Gustavo Rubén Dejtiar por 1986, La historia detrás de la copa

 

Microprograma:

Martín Campilongo, Hugo Carlos Fili, Hernán Diego Ferreiros y Miguel Gruskoin por Noti Campi

 

Distinción:

Marcia Cerretani

GRAN PREMIO DE HONOR TELEVISIÓN 2017: Jorge Maestro  y Sergio Vainman

 

Crónica de la fiesta del Día del Autor

Bajo el título “Entre pedidos de unidad y reclamos por la aparición de Santiago Maldonado, se entregaron los premios” y con una volanta que expresaba “La Sociedad General de Autores de la Argentina tuvo su ceremonia de premiación”, el diario La Nación editó un artículo sobre la fiesta de Argentores. 

En éste se observa.”En su cumpleaños número 107, la Sociedad General de Autores de la Argentina (Argentores), festejó con la entrega de premios y distinciones a la producción autoral 2016. `Esta es la peor crisis de nuestra ficción audiovisual. Tenemos que unirnos. No podemos extinguirnos como especie´, fueron las palabras finales de Sergio Vainman, de pie junto a su amigo Jorge Maestro ante el aplauso unánime de invitados y organizadores. 

La pareja autoral, creadora de recordadas ficciones como Nosotros y los miedos, Zona de riesgo, Los machos, Clave de sol, Montaña rusa, La banda del Golden Rocket y Son amores, entre otros éxitos, recibió de manos del presidente de Argentores Miguel Ángel Diani, el Gran Premio de Honor de Televisión 2017. 

`Usurpadores de conflictos ajenos´ fue la definición que Maestro eligió para hablar del trabajo de los guionistas al que comparó con los «planos del arquitecto» por su importancia estructural. El lema «sin autor, no hay obra» recorrió todo el acto conducido con precisión por Gabriela Radice y extendido a casi tres horas gracias a los discursos y agradecimientos que ni los saxos de Los cuatro vientos lograron animar. Si bien los principales homenajeados fueron Maestro y Vainman (se proyectó un video de presentación que incluyó saludos de los actores Mario Pasik, Hugo Arana y Cristina Murta y la productora y directora Diana Alvarez), fueron muchos los premiados en los distintos rubros, elegidos por jurados de especialistas y sin sorpresas: no hay suspenso ya que con anterioridad es pública la lista de «ganadores». En Teatro, Ricardo Halac fue reconocido por La lista, como Mejor obra para adultos, que dirigió Lizardo Laphitz en el Audiorio Losada; María Inés Falconi, por el infantil Tengo a mi abuelo en el ropero; Dana Frigoli, por la coreografía de Dos, lo que se disuelve; Juan Ignacio López, por la música original de Rufianes; y Leonardo Nápoli y María Prado, por el musical Homero, el color de la sudestada, cuya coreógrafa Mecha Fernández también recibió una distinción. Nápoli además, levantó unas líneas la temperatura ambiental cuando citó un fragmento de un discurso político de Manzi contra los inversionistas extranjeros y el gran capital. `Brego porque las actuales políticas se vayan´, dijo Pablo Lago, autor de la premiada telenovela La leona, junto con Susana Cardozo, Sol Levinton, Gabriel Patolsky, Javier Rozenwasser y Adriana Lorenzón. Ganadores en junio del Martín Fierro, también repitieron festejo el unitario El marginal (los guionistas Guillermo Salmerón, Adrián Caetano, Silvia Edith Olschansky y Nicolás Alejandro Marina) y el micro humorístico Noticampi (Martín «Campi» Campilongo, Hugo Fili, Hernán Ferreiros y Miguel Gruskoin). Por su parte, por el documental 1986: La historia detrás de la copa fueron reconocidos los periodistas deportivos Christian Gaspar Remoli, Ariel Scher y Gustavo Rubén Dejtiar, mientras que la distinción especial fue para Marcia Cerretani (El oro y el barro, La extraña dama) que, con aviso, no pudo viajar desde Villa Gesell. Con zapatillas blancas y el discurso más breve de la noche (agradecimiento a su coequiper autoral Kathy Saavedra), Adolfo Aristarain subió a recibir la distinción por sus películas. Por mejor guión original, el premio fue para Ariel Rotter (La luz incidente), por guión adaptado para Andrea Testa y Francisco Márquez (La larga noche de Francisco Sanctis, sobre novela de Humberto Costantini): los tres también habían sido ganadores del Cóndor de Plata. A su vez, por guión documental el galardón fue para Andrés Habegger (El (im)posible olvido).  `¿Dónde está Santiago Maldonado?´, preguntó por primera vez en la noche el humorista Adrián Stoppelman, uno de los ganadores de Radio, el área con más categorías: Bebe Ponti (Mejor Glosa), Ignacio Bulián y Francisco Mues Camaña (Sketch), Paola Lavín (Teatro en radio adaptado), Kitty Hallan (Documental), María de las Mercedes Hernando (Radionovela unitaria) y Alejandro Dongiovanni (Radioteatro en capítulos). También fueron distinguidos Alejandro Dolina (estuvo ausente) y Radio Nacional, premio que recibió el subdirector Pablo Ciarliero.”

El 12 y 13 de septiembre se analizaron aspectos de la problemática de la industria audiovisual y se elaboraron propuestas para impulsar el trabajo, la producción, distribución y comercialización de contenidos locales

SE LLEVO A CABO EL ESPERADO  2º CONGRESO NACIONAL AUDIOVISUAL MULTISECTORIAL: NUESTRA FICCION SIGUE CONTANDO

Integrantes del Consejo Ejecutivo de la Multisectorial, en el encuentro efectuado esta semana.

 

Como se informara oportunamente, los días 12 y 13 de septiembre de 2017 toda la comunidad del trabajo, el arte y la producción del sector audiovisual se dio cita en el Hotel Presidente de la ciudad de Buenos Aires. La Multisectorial por el Trabajo, la Ficción y la Industria Audiovisual realiza su 2° Congreso Audiovisual con la presencia de las más destacadas personalidades del cine y la televisión argentinos junto a invitados internacionales. Bajo el lema “Nuestra ficción cuenta”, se analizaron amplios aspectos de la problemática actual de la industria audiovisual y se elaboraron propuestas para impulsar el trabajo, la producción, distribución y comercialización de contenidos locales.

Durante el encuentro se hizo referencia a la esperada presentación del proyecto de “Ley Nacional de Televisión y Nuevas Tecnologías”, que propone la creación de más y mejores fuentes de trabajo, generando más ficciones argentinas y manera federal. 

 

Contexto: 

A raíz de la grave crisis que viene atravesando la producción de ficción nacional, con la consiguiente disminución y pérdida del trabajo argentino en medios de comunicación, redes y plataformas diversas, en agosto de 2015 se concretó la creación de la Multisectorial Audiovisual. Por primera vez, las entidades más representativas de las distintas áreas del sector audiovisual trabajan en conjunto con el fin de generar propuestas estratégicas para superar y trascender esta problemática. De esta unión histórica participan actores, autores, directores, músicos, editores, intérpretes, compositores, productores, técnicos, cineastas, sociedades de gestión y los  trabajadores representados en sus sindicatos en todo el sector audiovisual. Durante las dos jornadas se presentaron mesas de oradores especializados que expusieron y analizaron temas como la industrialización del sector audiovisual; La naciente televisión universitaria y la promoción de los nuevos profesionales; la producción de contenidos federales; nuevas experiencias de políticas públicas en el sector desde las provincias; la comercialización de los contenidos audiovisual; la influencia de la importación de contenidos televisivos en nuestras pantallas; las nuevas plataformas y formatos en la producción audiovisual; el rol del estado en relación con el trabajo y la producción nacional audiovisual; las posibilidades para impulsar la industria audiovisul argentina y el Mercosur.

Al finalizar las actividades de exposición, análisis y debate, se presentaron propuestas concretas como aportes a las políticas públicas y productivas para el desarrollo de la industria audiovisual.

El acto comenzó con la presencia de los integrantes del Consejo Ejecutivo de la entidad: Sergio Vainman (Argentores), Pablo Storino (Sindicato de Television), Pablo Echarri (SAGAI), Carlos Jaureguialzo (DAC) y Guillermo Tello(Coordinador Ejecutivo de la multisectorial).

Reproducimos las palabras de Sergio Vainman, Vicepresidente 1º de Argentores en la primera jornada: 

“Podríamos empezar el largo poema de la Multisectorial, describiendo como lamento los hechos desde el año pasado hasta ahora, de esta manera:

 

Hicimos un Congreso democrático y amplio.

Convocamos a todos y escuchamos promesas.

Explicamos la crisis, prometieron respuestas.

Esperamos pacientes, nos pasaron por alto.

Insistimos a fondo, recibimos rechazos.

 

Pero no somos poetas ni escribimos elegías. Nuestra obligación como trabajadores de la cultura preocupados por el presente – y sobre todo por el futuro – es mirar la vida desde un lugar  más urgente y menos lírico. Menos bello que la poesía, es verdad, pero conectado con nuestras propia supervivencia como sujetos sociales.

Y aquí, la palabra supervivencia no es un eufemismo, ni es que nos volvimos apocalípticos. Es cruda realidad.

Si hubiésemos dejado nuestro destino en manos de quienes, con capacidad para decidir, prometieron en ese Primer Congreso hacer algo por la industria audiovisual, hoy estaríamos  desesperanzados y sin propuestas.

Y si no descansamos en esas manos que tanto prometían no fue simplemente por desconfianza, sino porque entendimos que debíamos concentrar nuestra energía en fortalecer democrática y federalmente este frente Multisectorial, con la convicción plena de que era la herramienta más adecuada para seguir adelante.

En efecto, si no hubiéramos recorrido el camino federal con los compañeros de las provincias, compartiendo sus dificultades y acompañando sus logros, hoy seríamos sólo un puñado de voces aisladas clamando en el desierto, sin una visión panorámica de nuestro país que nos autorice a hablar en nombre de todos. Se nos pidió paciencia para esperar resultados y si no la tuvimos, tampoco fue por desconfiados, sino porque sabíamos – y sabemos – que estamos obligados a ser proactivos en la búsqueda de soluciones, protagonizando la lucha por mejorar la acuciante situación de necesidad de nuestros colectivos. La credulidad pasiva nunca fue una opción para nosotros.

Si no hubiésemos analizado alternativas propositivas, superadoras, con la mirada puesta en preservar el futuro de nuestro trabajo, hoy seguiríamos instalados en la queja que solamente genera angustia y no modifica la realidad.

Por esa razón dijimos en nuestra Conferencia de Prensa de febrero de este año que iríamos en pos de herramientas que apuntaran a una solución integral de la crisis y no a buscar favores transitorios, esas dádivas típicas de la política coyuntural de cualquier gobierno de turno que representan escaso y amargo pan para hoy y doloroso e inevitable hambre para mañana. Con esa premisa abrimos un proceso de intercambio y diálogo que hoy, con la apertura del Segundo Congreso de la Multisectorial por el trabajo, la ficción y la industria audiovisual, llega a su máxima expresión.

Traemos a este Congreso la experiencia recogida en las más variadas geografías de la Argentina y esperamos volver a escuchar la voz de todos los sectores que se harán presentes. Hemos organizado mesas donde puedan expresarse en su conjunto los actores de este proceso y estamos satisfechos de poder inaugurarlo de esta manera, con la más amplia y cordial bienvenida, deseando que una vez más el debate serio, profundo y democrático rinda sus frutos, que no serán otra cosa que un mejor horizonte para nuestra industria audiovisual.” 

Sergio Vainman, asimismo,  fue el moderador de la última mesa del encuentro, denominada “El desafío en políticas legislativas para las industrias culturales y Audiovisuales”, que contó con la presencia de la Dra. Liliana Negre de Alonso, Presidenta Comisión de Educación y Cultura del Senado; Licenciado Juan Manuel Abal Medina, Presidente Comisión de Presupuesto del Senado y Alfredo Luenzo, Presidente de la Comisión de Industria del Senado, en la que se trató la presentación del proyecto de Ley Nacional de Televisión y Nuevas Tecnologías”. 

De izquierda a derecha: Vainman, Abal Medina, Negre de Alonso y Luenzo. 

La presencia de tres Senadores Nacionales en el encuentro evidencio su importancia institucional.

 

Reproducimos  las palabras de Vainman: “Ante la mayor crisis que experimentamos en nuestra historia como trabajadores de la cultura, crisis que amenaza seriamente el futuro de miles de puestos de trabajo y, por lo tanto, de muchísimas familias vinculadas a la actividad y, a partir de la experiencia y los testimonios recogidos a lo largo y a lo ancho del país,  escuchando la voz de todos los que integramos la industria audiovisual argentina, decidimos tomar el camino quizás más difícil, pero sin duda alguna el más democrático y plural: Nos propusimos elaborar herramientas legislativas que garantizaran nuestra continuidad como industria y para eso llevamos nuestras inquietudes al Congreso Nacional, lugar donde deben discutirse las políticas de estado del futuro. En lugar de escribir endechas y canciones fúnebres, hablamos con legisladores de todas las corrientes de pensamiento y preparamos leyes para que sean presentadas, discutidas y aprobadas en el recinto. Ahí está nuestra gran apuesta y por ella pelearemos.”

 

Recordamos el plan de actividades de la Multisectorial Audiovisual

El martes 12, tras las palabras del Consejo Ejecutivo de la Multisectorial llegó la mesa sobre “Derechos autorales y de intérpretes, alertas y desafíos en Latinoamérica”, cuyo moderador fue Miguel Ángel Diani,  Presidente de Argentores. Los disertantes fueron Marcelo Piñeyro,  Vicepresidente de CISAC; Víctor Yunes,  Secretario de SADAIC; Pepe Soriano, Presidente de SAGAI; Santiago Schuster, Director Regional para América Latina y el Caribe CISAC; Silvio Caiozzi, Vicedirector de ATN CHILE y César Cuadra, Director General de ATN CHILE. Luego se trató el tema “La dirección y la producción de TV frente a la convergencia productiva”, cuyo moderador fue Rodolfo Hoppe, Presidente de DOAT. Intervinieron Alejandro Ripoll, director de TV; Luis Santos, director de TV; Viviana Guadarrama, directora de TV y Miguel Ángel Rodríguez, de CAPPA.

“La exhibición y distribución en el cine en estado de alerta” fue el siguiente tema a tratar. Con la coordinación de Hernán Guerschuny, Director de HC, hablaron Mariano Oliveros, Productor de ULTRACINE; Alejandro Gruz, productor de ADAR Producciones; Juan Balois Pardo, Presidente de la Asociación Amigos del Arte MECHENIEN; Octavio Nadal,  productor de CADICINE y Patricia Primon, productora de CADICINE.

Tras la gente de cine llegó el turno de hablar de “Construcción federal en la producción audiovisual”. Con la  moderación de Guillermo Tello, Coordinador Ejecutivo DOAT; disertaron Mario Giménez, Gerente de Operaciones del IAAVIM, Misiones; Gustavo Caro, Presidente de Tucumán Audiovisual; Marisa Hassan, Presidenta FAVA y Andrea Breninato, de la comisión directiva de “Nuevas Líneas” Asociación de Guionistas de San Luis y productora.

“La producción de contenidos para TV y los desafíos del mercado” fue el siguiente ítem, moderado por Sergio Vainman, de Argentores. Aquí hablaron Mara Lobão, Directora Ejecutiva de Panorámica Brasil;  Rodrigo Salinas, representante legal de productoras de Brasil; Matías Detry, Director Ejecutivo de ATA; Agustín Satanell, Director de Kapow y Julián Legora,  Director de Estrategia Comercial de TELEFE-VIACOM.

El miércoles 13 comenzó con un video/resumen de reuniones federales y acciones de la multisectorial. Luego llego el momento de hablar sobre “Producción de cine”. Coordinó la mesa  Hernán Findling, Presidente APIMA y disertaron Magali Nieva, de la Productora NINJA FILMS; Fernando Sokolowicz, Presidente de ALEPH MEDIA; Alberto Urthiague, ex Coordinador Gral. de Evaluación de Políticas de Fomento INCAA y Fernando Díaz, Vicepresidente de APIMA. Más tarde se trató el tema de la “formación profesional, la investigación y los nuevos canales universitarios”. Fue moderador Rodolfo Hermida, Director de DOAT y los expusieron fueron Adriana García, Secretaria Académica UNCUYO, Mendoza; Roberto Caturegli, Director de la Carrera Audiovisual UNVM, Villa María, Córdoba; Alejandro Montalbán, Director de Medios Audiovisuales de la UNGS; Esteban Ferrari, Presidente FEISAL y Cristian Jure, Director del canal UNLP.

“La flexibilidad laboral y el neoliberalismo audiovisual” fue moderador luego por Eduardo Salinas,  Delegado Regional de SATSAID. Los participantes fueron Horacio Arreceygor, Secretario General SATSAID; Guido Valerga,  Secretario General de SICA AMPA; Luis Alí, Secretario General ACTORES; Miguel Ángel Paniagua, Secretario General SUTEP; Ricardo Vernazza, Secretario General SADEM y Tato Tabernise , Secretario General de SADA. La última mesa fue “El desafío en políticas legislativas para las industrias culturales y Audiovisuales”, moderada por Sergio Vainman, de ARGENTORES y Guillermo Tello, Coordinador Ejecutivo de DOAT. Participaron Dra. Liliana Negre de Alonso, Presidenta Comisión de Educación y Cultura del SENADO; Licenciado Juan Manuel Abal Medina, Presidente Comisión de Presupuesto del SENADO y Alfredo Luenzo, Senador Nacional.

 

La radio también se hizo oír

Los diversos sectores de la radio argentina pudieron expresar sus problemáticas a través de la radio online y televisada vía streaming montada en el Congreso. Integrantes de las radios comunitarias, la cámara argentina de radios online, la defensoría del público, el consejo de radio de Argentores , el SUTEP y el Sada  participaron de este encuentro histórico en “el que los directores de cine, productores, autores , actores y trabajadores  de cine y tv dejamos que en claro que no estamos solos y que juntos podemos construir propuestas para modificar la adversa situación económica y cultural  que  atravesamos”, de acuerdo al testimonio del impulsor de la iniciativa, Pedro Patzer, integrante del Consejo Profesional de Radio de Argentores.

 

 

Imágenes del encuentro, tomadas por Magdalena Viggiani:

La primera mesa trato sobre “Derechos Autorales y de Intérpretes, alertas y desafíos en Latinoamérica”; Miguel Diani (primero a la izquierda) es quien se dirige a la platea.

 

Argentores, parte fundamental de la iniciativa. Aquí toma la palabra el presidente de la entidad, Miguel Angel Diani.

Todos, tras la ficción nacional.

“La flexibilidad laboral y el neoliberalismo audiovisual” fue el tema de esta mesa, que reunió a representantes de los trabajadores de la actividad.

La entidad / Informan los Consejos

El 5 de octubre regresa con obra de Hugo Carcabal; Carolina Papaleo, protagonista

14º CONCURSO DE RADIOTEATRO PARA APLAUDIR 2017

El Consejo Profesional de Radio informa  la programación correspondiente a la realización de las cuatro últimas obras seleccionadas por el jurado constituído por Nora Lafón, Daniel Miglioranza y Santiago Doria:

 

“Independencia, de Hugo Alberto Carcabal :  5 de octubre.

“Encontrarse” de Mariano Alberto Fernández: 19 de octubre.

“Mentiras piadosas” de Facundo Torralba Agú: 9 de noviembre.

“La felicidad corría en círculo” de Sonia Amor Suárez y Agustín Durruty: 23 de noviembre.

Los elencos,  a cargo  de primeras figuras, serán  dirigidos  por Santiago Doria, Rubén Stella y Miguel Jordán,  respectivamente,

La entrada a cada presentación será libre y gratuita, a cupo del  auditorio de Argentores,  Pacheco de Melo 1820, a las 19.30.

Carolina Papaleo será la protagonista de “Independencia”, de Hugo Alberto Carcabal. La actriz será acompañada por Pablo Vicente, Susana Sisto, Gastón Ares, Osvaldo Aldama y los relatos a cargo de Oscar Naya. La trama radioteatral transcurre en un pueblo sin tren, sacudido por una esperanza de escondidos intereses.

Recordamos que la valoración del género radioteatral, nos permite  imaginar e interpretar situaciones   creadas por  la voz humana, la sonoridad del medio ambiente y la música. En el radioteatro todo converge para que  el oyente encuentre la preferencial esencialidad de una obra. La obra  de Hugo Alberto Carcabal nos permite acercarnos a una realidad inesperada. El oyente en su calidad de tal construye la escenografía y los personajes a la medida de su interpretación. Ese maravilloso «trabajo» entre el autor, los actores y  el aporte músico ambiental permiten que el arte sonoro sea aplaudido y valorado como bien supremo de la transmisión de sentimientos.

El país

El dramaturgo cordobés dirige “Clase”, sobre un texto del autor chileno Guillermo Calderón

GONZALO MARULL VUELVE A LAS TABLAS CON UNA CLASE MAGISTRAL

“El dramaturgo cordobés estrena “Clase”, sobre un texto del autor chileno Guillermo Calderón. La obra transcurre en un aula. En escena estarán Elisa Gagliano y Pablo Martella. El libro habla de las diferencias generacionales y propone reflexiones sobre las frustraciones. 

Gonzalo Marull es quizá uno de los dramaturgos más calificados que tiene Córdoba. Sin embargo, desde hace un buen tiempo está en una búsqueda que lo aleja de trabajar sus propios textos en escena, para apostar por otros autores, cuyas obras puede explorar. 

 “Me viene pasando desde hace cuatro o cinco años con las clases que doy, y en las que leo una dramaturgia que me empezó a apasionar mucho –dice Marull– y que antes no encontraba. En general es de Latinoamérica, de uruguayos que conocí, de chilenos; y me empezaron a tocar por todos lados; el corazón, la mente, todo”. 

Esa dramaturgia cambió de alguna manera la suya, y aunque en los últimos años el director escribió dos obras, todavía no las dio a conocer: “Las tengo ahí, las presento a concurso y no gano nada”, bromea. 

No es la primera incursión de Marull sobre textos ajenos, de hecho su última puesta, Ex que revienten los actores, es de un uruguayo. “En esa obra me di cuenta de que dirigiendo también yo llegaba a hacerle como una autopsia muy grande al texto; me había olvidado que dirigiendo obras de otro uno podía descubrir por dónde había querido ir el autor, cómo era el proceso”. De esas disecciones brotan estímulos que luego puede volcar en su propia producción.  

–Te tomaste un tiempito para volver a escribir, ¿no?

–Sí, y estoy contento con lo que tengo escrito, me gustan mucho; una de las obras se debería llamar Elogio del amor, donde exploro la pareja, pero con humor, profundidad y filosofía. Es una pareja de años que se va a pasar un fin de semana y le toca lluvia todos los días. Todo se basa en una intervención del cordobés Tomás Espina, que estaba expuesta en un departamento, y cuando te acercabas te dabas cuenta de que todo lo que había en el departamento estaba destrozado y vuelto a pegar. Fue una epifanía, me gustó mucho esa metáfora aplicada al amor, algo que se rompe y se vuelve a pegar. 

–¿Y la otra?

–La otra es un monólogo sobre Jorge Baron Biza, que fue muy amigo de mi viejo. Hay algo de mi biografía que se cruzó con él, y ahora todo eso me pegó. El cuerpo de Baron es hablado por todos los otros, no en el sentido mítico, sino que a través de sus propias palabras. Pero no voy a profundizar en cosas ya conocidas sobre su historia. Va a ir por otro lado. 

La obra que estrena hoy “tiene verso libre, una poesía de carne y tripas y a eso se lo agradezco a los dramaturgos que conocí en este tiempo”, adelanta Marull. 

Clase es una obra del chileno Guillermo Calderón, un dramaturgo que explotó fuerte en su país, y ahora está escribiendo cine y vive en Nueva York. 

–¿Qué te gustó de su trabajo?

–Me impacta su primer bloque de teatro, a esta obra la escribió cuando en Chile hubo una marcha en 2006 que se llamó “La marcha de los pingüinos”, que peleaba por la educación pública y gratuita. La obra tiene a un profesor que llega a clase y se encuentra con que hay sólo una alumna. Ella le dice que sus demás compañeros están en la marcha, y el profesor entabla un diálogo con esa única alumna. Es un tipo frustrado, un pesimista, y le da una clase que te va a despertar muchas sensaciones: un discurso anclado, el lugar del profesor en la pedagogía. 

–¿Un choque generacional?

–La alumna es de otra generación y choca con el docente, claro. Son dos pensamientos, dos generaciones. Es un teatro político el que muestra Calderón, pero no con bajada de línea, él se enfoca más en formular preguntas que en decir una verdad. Eso me gusta, poner al espectador en un lugar en el que pueda reflexionar. 

Entre una de las características de Clase está que transcurre en tiempo real: dura dos módulos de clase de 40 minutos cada uno, y el timing es perfecto, según cuenta Marull, a quien le asombra el tratamiento del texto y la pericia para que el texto calce completo. 

–Hay algo interesante también en la escenografía, ¿cómo la planteaste?

–Conseguí pupitres para el público, así que hay lugares que dejarán al espectador en la misma aula, como si fuera un alumno ausente. Quiero recuperar esa virtud del teatro, en la que ves el sudor y las lágrimas. Asumo esa condición del teatro independiente, el espectador tiene cerca “al profe” y lo puede observar con detalle. Sentirlo. Dimos vuelta la sala de DocumentA/Escénicas y la convertimos en un aula, por donde transita el profe. 

Para seguir leyendo, tipear

http://mvos.lavoz.com.ar/escena/gonzalo-marull-vuelve-las-tablas-con-una-clase-magistral

Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
Noticias derecho al autor.

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