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Las bases de este nuevo certamen, muy pronto

MICROFICCIÓN: PRÓXIMA CONVOCATORIA DEL CONSEJO PROFESIONAL DE RADIO

Son tiempos dinámicos, de pocas palabras, de twitters y mensajes breves. 

¿Pero qué ocurre cuando toda esa síntesis y esa economía de lenguajes se vuelve arte condensado, historias que nos sorprenden y nos interpelan, finales cerrados o abiertos que nos invitan a continuar recreando el argumento, espacios en blanco que, a falta de detalles floridos y minuciosos, nos obligan a imaginar lo no dicho, a completar el dibujo de los personajes…?

La microficción radial es un desafío para el autor: el género donde menos es más.

Repasemos las palabras de Ricardo Haye* sobre el tema:

“La radio nació con voluntad de relato. En su época dorada, en todas las estaciones florecían historias.

La conjunción inteligente y armónica entre música, efectos y silencios, sumada al espesor, las inflexiones, los matices interpretativos que la palabra alcanza, son determinantes. La conexión entre microficción y radio tiene un doble propósito. Uno es el del descubrimiento: acercar a los públicos de la radio la obra de creadores a los que, de otro modo, quizás nunca lleguen a conocer y ayudarlos a (re) descubrir el encanto de lo narrativo.

Y otro es el de la construcción: la de una nueva poética que nutra, conceptual y estilísticamente, a nuestro medio.

Por otra parte, la confluencia de minificción y radio puede apoyarse en una marca epocal: la que activa el gusto por el fragmento, por la lectura rápida con sentido completo en pocos minutos o segundos. 

El relato corto, la minificción, no brinda espacio para el desarrollo del  personaje. Con las miniaturas narrativas buscamos más el impacto sorprendente y no la definición minuciosa. Nos acercamos más a lo que solemos definir como ‘trazo grueso’.  

En cualquiera de los casos, la duración breve de estos contenidos de ficción facilita su inclusión en las grillas de programación.

Las miniaturas narrativas agudizan nuestra sensibilidad, estimulan el despliegue de la imaginación y hasta pueden abrir el camino hacia obras monumentales.

Por eso reivindicamos este modo particular de contar, que puede asumir desafíos narrativos, que explora nuevas posibilidades y contribuye a educar nuestro gusto por el relato.”

*Ricardo Haye (foto, abajo), Doctor en Comunicación Audiovisual (Univ. Autónoma de Barcelona, España). Profesor Titular e Investigador de la Universidad Nacional del Comahue (Argentina). Coordinador del Area Radiofónica en la carrera de Comunicación Social. Miembro del Comité Académico de la Bienal Internacional de Radio de México. Guionista y realizador radiofónico. 


Escribe especialmente para nuestro boletín digital Roberto Perinelli, presidente del Consejo Profesional de Teatro

PRESENCIA DE LA ENTIDAD EN EL “TEATRAZO” REALIZADO EN PUERTO MADRYN

“Entre el 14 y el 28 de enero se realizó en Puerto Madryn la XII edición del Teatrazo, evento que desde hace más de una década de grata continuidad convoca al público teatral de esa ciudad patagónica. 

Organizado por el grupo local La escalera, dirigido por Carlos Ríos y Maribel Bordenave, el festival ofreció durante sus quince días de actividad espectáculos nacionales e internacionales, charlas con los protagonistas y cortos seminarios de formación. 

Argentores prestó el auspicio y mi presencia para hacerme cargo de una de estas charlas, que con buen criterio la organización identificó como conversatorio, que se ciñó a desarrollar un panorama, necesariamente acotado y sintético, de nuestra historia teatral, desde los lejanos ecos de Juan Moreira hasta la situación actual del teatro independiente. 

Se aprovechó el repaso para señalar constantes y novedades de nuestra dramaturgia, de cómo se instaló en las distintas situaciones de contexto social y político y cuáles fueron las figuras más destacadas del rubro.

La experiencia, enmarcada en el proyecto de Argentores Federal, sirvió para valorar este festival que, como anticipé, apuesta a su prolongación en 2019. El entusiasmo por la tarea y la idoneidad puesta en la curaduría por los organizadores aseguran una continuidad exitosa y tan convocante como la versión 2018, en la cual por fortuna fue partícipe y testigo.”

Roberto Perinelli, protagonista de una importante experiencia, en el marco del proyecto de Argentores Federal.


El 15 de marzo, en el auditorio,  se efectuará su presentación formal 

SE FORMO LA “COMISION DE MUSICOS PARA TEATRO”

Recordamos que el  jueves 15 de marzo, a las 18, en un acto que se efectuará en el auditorio de la entidad, se realizará la presentación formal de la nueva Comisión de Músicos,  que ya forma parte del Consejo de Teatro y que nuclea a los autores musicales para obras teatrales. 

De esto hablamos con Martín Bianchedi, quien cuenta los aspectos centrales del flamante sector.

-¿Cómo se puede definir a la actividad? 

- En principio se me ocurre decir que somos “compositores de música original para un espectáculo”. Están también los arregladores o “versionistas”. Y no me olvido de los arregladores corales. Todos somos un colectivo que hay que atender.

-¿Cuál es el nombre específico de la flamante comisión?

-“Comisión de músicos para teatro”.

-¿Quiénes la coordinan?

- Sergio Vainikoff y yo.

-¿Y está en el ámbito del Consejo Profesional de Teatro, no?

-Sí, claro. Es una comisión dependiente del Consejo de Teatro y reporta al mismo.

-¿Ya están en funciones?

-Sí, desde hace pocos días.

-¿Cómo es el sistema de reuniones de la comisión?

-Estamos teniendo una reunión semanal con un integrante del Consejo  y cada dos semanas con todos sus integrantes.

-¿Cómo se pueden contactar los autores con ustedes?

-Muy pronto vamos a dar a conocer una dirección de correo electrónico para que todos nos puedan escribir.

-¿Cuáles son los objetos centrales de la nueva comisión?

-Es una respuesta a la falta de información que tienen los músicos que trabajan en el ámbito teatral. Cada vez hay más músicos que registran sus obras en Argentores; eso es muy bueno, pero es una cantidad de creadores ya importante que merece ser atendida. Queremos, además, que los músicos se hagan socios de Argentores.  Por otra parte, nos gustaría formar pronto una “musicoteca”, un símil de una biblioteca, pero con audios de nuestra actividad.  En cuanto al cobro, aspiramos a que no baje del 1% del bruto. De allí, hacia arriba, es libre oferta y demanda.

-¿Un músico que crea obras para un espectáculo se siente distinto al colega que compone para shows o discos, etc?

-Es diferente el proceso. Nosotros interactuamos muy intensamente con directores, con iluminadores, coreógrafos, con actores, con la producción. El músico que trabaja para shows, etc, no tiene esa necesidad y su camino es más independiente de la vinculación con terceros.

La puesta en marcha de la nueva comisión, ratifica el permanente acercamiento de la entidad hacia los creadores.


El país

Sebastián Amante, Merceditas Elordi y Alfredo Staffolani, candidatos en Mar del Plata

EN LOS PREMIOS “ESTRELLA DE MAR”, ARGENTORES DISTINGUIRÁ A LA “MEJOR OBRA DE AUTOR NACIONAL” 

En Mar del Plata, el 5 febrero se entregarán los tradicionales Premios “Estrella de Mar” a las obras y espectáculos artísticos que se presentan en dicha ciudad.

Como es habitual, Argentores será el responsable de premiar a la “Mejor obra de autor nacional”  representada en la temporada marplatense.

En esta ocasión, el jurado para la elección del mejor autor está integrado por Bernardo Carey, Pablo Gil Villafañe y José Toti Gallo. 

La terna en el rubro “Mejor obra de autor nacional” está compuesta del siguiente modo: “Boulevard Sur” de Sebastián Amante; “La música del viento” de Merceditas Elordi y “El ardor” de Alfredo Staffolani.


El director de “Las grietas de Jara” (y guionista junto a Claudia Piñeiro y Emiliano Torres) habla del proceso creativo

NICOLÁS GIL LAVEDRA: “HACER UNA PELÍCULA ES UNA CARRERA MARATÓNICA”

Tras “Verdades verdaderas” y “La vida de Estela” (2011), en la que recorrió los pasos y la lucha de Estela de Carlotto, el realizador Nicolás Gil Lavedra se vuelca al policial adaptando “Las grietas de Jara (2018)”, novela homónima de Claudia Piñeiro. Protagonizada por Joaquín Furriel, Oscar Martínez, Soledad Villamil, Santiago Segura, Laura Novoa y elenco, la historia versa sobre un secreto del pasado que vuelve sorpresivamente para desequilibrar a los personajes. "La novela es buenísima y busqué trabajar algunos temas y reflejarlos en la pantalla", dice en diálogo con el blog EscribiendoCine, que aquí reproducimos:

-Después de tanto tiempo de trabajo en la película ¿qué sentís al estrenarla?

-Liberado, hacer una película es una carrera maratónica, muchos años, mucha energía, es un trabajo que te absorbe y te involucra entero.

-Hubo una postergación de estreno el año pasado…

-En realidad no, estábamos muy justos para estrenarla en junio de 2017, porque terminamos de filmar el veintipico de febrero, y me vino muy bien para darle más edición, y trabajar cosas que pulimos, la música, el color, el sonido, estoy contento con eso.

-¿Fue difícil la adaptación de la novela?

-Yo nunca trabajé un guion propio, tampoco en documentales, lo de Estela fue la biopic o ficción de su vida, prevaleciendo el lenguaje cinematográfico, la novela es buenísima y busqué trabajar algunos temas y reflejarlos en la pantalla.

-¿Te reuniste con la autora?

-Sí, y le pregunté algunas cosas, no porque no las entendiera, sino para profundizar, después me dio vía libre para crear con Emiliano Torres el universo de Jara y lo que está reflejado en el libro.

-¿En algún momento sentiste miedo en que los seguidores de la autora juzgaran la adaptación?

-Siempre va a pasar eso cuando uno lee un libro y ve la película encuentra las diferencias, algunos lo hacen mejor y otros peor, pero en la escritura me interesaba que los temas que cuando leí la novela me interesaron estén presentes, luego desarrollar los personajes.

-¿Hubo varias versiones del guion?

-Como 17, igual cuando uno filma puede sumar cosas, y de hecho en el montaje volvés a trabajar de nuevo, ver cosas o barajar y dar de nuevo, teniendo material que te acompañe.

-¿El elenco fue el que soñaste o hubo cambios?

-Hubo algunos cambios por tema de agenda en el rodaje, pero hoy creo que Las grietas de Jara no sería Las grietas de Jara sin estos actores.

-En el arte final ubicaron algo que “spoilea”, ¿por qué?

-Ubica, creo que en el arranque sabés que algo anda mal, lo interesante de la película no es el secreto en sí sino cómo convivieron con él durante tres años. Hubo primero un teaser de arte y con el tráiler lo mismo, son decisiones comerciales para que se hable de la película antes del estreno.

Para seguir leyendo, tipear:

http://www.escribiendocine.com/entrevista/0014373-nicolas-gil-lavedra-hacer-una-pelicula-es-una-carrera-maratonica/


Idas, venidas y continuidades en la programación radial de 2018

UN MERCADO DE PASES QUE ESTÁ CONDICIONADO POR LA CRISIS

“El 5 de febrero. 

Esa parece ser la fecha elegida al azar por la mayoría de las emisoras para poner en marcha la programación radiofónica 2018. 

En medio de una de sus peores crisis económicas, con retiros voluntarios, despidos y un ajuste que llega a que incluso emisoras históricas salgan a lotear sus espacios al mejor postor, la radio argentina se prepara para encarar un año en el que la incertidumbre reina en el medio. Sin embargo, hay otro día en el calendario que resalta: el 21 de febrero. Ese es el día en el que volverá a la radio Lalo Mir, protagonista de esta suerte de mercado de pases que cada año se abre entre diciembre y enero. El animal de radio regresará a Pop (FM 101.5), con un programa diario que irá de 9 a 13. Mir ocupará el espacio que hasta el año pasado encabezó Beto Casella, protagonista de otro de los pases fuertes de la temporada, ya que desembarcará en la Rock & Pop (FM 95.9) con “Bien levantado”. Una pretemporada que encontró más movimientos en la FM que en la AM, que este año sumó a Radio El Mundo y a Rivadavia al grupo de emisoras en crisis. 

El regreso de Lalo Mir al dial es una de las grandes noticias de la radio argentina. Tras el año sabático que se había tomado para "recargar las pilas", el hombre que sigue frotando la lámpara cada vez que la luz de "AIRE" se enciende en el estudio, retorna al éter para seguir jugando con los sonidos. "Será un programa de interés general, bastante de autor, poco serio, polirubro, con un límite no muy preciso entre ficción y realidad", le adelantó a Página 12. Ese será el único cambio en la Pop, que mantiene a Alejandro Korol en la primera mañana, a Coco Sily a partir de las 13 y a Elizabeth Vernaci en el horario del regreso.

Tras años de no encontrar el rumbo, escándalos y despidos de por medio, la Rock & Pop buscará este año recuperar algo del brillo de lo que fue. Para eso, los ejecutivos de Fenix Entertainment Group decidieron apostar a la contratación de una figura como Casella, menos rockera que la línea tradicional de la emisora, pero alguien que en los últimos años se mantuvo entre los más escuchados de la FM. “Bien levantado” irá diariamente, de 9 a 13, con Lola Cordero, Fernanda Carbonell y Alacrán. La renovación de la programación en la que el rock vivía se completa con el arribo de Martín Ciccioli a la primera mañana con “¿Quién paga la fiesta?”, mientras que en estas horas se define la llegada de Jey Mammon para conducir el segmento de la tarde.

Continuando con la FM, Radio Mega (98.3) buscará reemplazar a Ciccioli con Juan Di Natale. El ex CQC se encuentra negociando la posibilidad de hacerse cargo de la primera mañana, pero para eso deberá definir su situación laboral en Radio Cantilo (FM 101.9), donde desde hace unos años está al frente de la segunda mañana. Bebe Contepomi sigue al frente de “Todo lo demás también”, de 9 a 13. Otro de los nombres que por estas horas suenan para sumarse a La Mega es el del Ruso Verea, con un programa que cruce la música, la actualidad y el fútbol en el año del Mundial de Rusia. Los sábados, de 9 a 12, “Cheque en blanco” continuará copando la mañana, de la mano de Alfredo Zaiat y compañía. El resto de la programación aún resta por definirse.

En el resto de las FM no hay demasiados novedades. Tanto La 100 como Metro, al igual que Radio con vos, mantienen sus programaciones sin cambios. A su vez, FM Blue (100.7) mantendrá su programación de lunes a viernes, pero renovará su grilla los fines de semana, con las incorporaciones los sábados de Daniel Malnatti (10 a 12) y de Gisela Busaniche (12 a 14), y los domingos con el desembarco de Dalma Maradona junto a Martín Reich para ponerse al frente de “Un chino”, que irá de 10 a 13. La novedad más fuerte de Nacional Rock (93.7), en tanto, será un programa de mujeres conducido por Silvana Sosto, de 14 a 16, que si bien no tiene nombre aún se sabe que cada día estará acompañada por una mujer distinta: Gloria Carrá (lunes), Soledad Rodríguez Zubieta (martes), Emme (miércoles), Candela Vetrano (jueves) y probablemente Florencia Halfon (viernes). Además, a La Casa Rodante (16 a 18), que conduce Frankie Langdon, se sumará Pipo Cipolatti.

Tras la lluvia de denuncias por acoso laboral, Ari Paluch finalmente no regresará con el histórico “El exprimidor” a Radio Latina, tal cual era la intención del conductor. El fin de una era.

En la AM los cambios son más moderados que en otros años. En Radio Mitre, que encabeza las audiencias, no habrá ninguna novedad. Algo similar sucede con la AM 750, la radio que más creció en cantidad de oyentes en los últimos dos años, ubicándose cuarta entre las emisoras más escuchadas. La única incorporación de la emisora será Carlos Ulanovsky, quien conducirá un ciclo en la tarde de los sábados, día en el que “La primera página”, con Gisela Marziotta, pasará a asumir la segunda mañana. En la emisora del Grupo Octubre se mantiene la programación periodística durante la semana, que comienza a las 6 con Federica Pais y todo el equipo de “Te quiero”, continúa a las 9 con La mañana con Víctor Hugo Morales (que ya es el segundo programa más escuchado de AM en la segunda mañana), a las 12 llegan Bernarda Llorente y Claudio Villarruel con “Detrás de lo que vemos”, para después darle lugar a “Una nueva aventura”,” Que vuelvan las ideas”, “Arqueros, ilusionistas y goleadores”, “El eterno retorno de las 8”, “La casa invita” y el cierre del día a cargo de Alejandro Dolina y “La venganza será terrible.” 

"La idea de la AM 750 para 2018 es seguir consolidando el crecimiento de una programación cuya coherencia artística y periodística caló fuerte en las preferencias de los oyentes. El equipo radiofónico, sumado al aporte informativo y conceptual de los principales columnistas de Página/12, convirtió a la radio en una opción interesante en el mapa radiofónico argentino", explicó Eduardo Aliverti, director de la emisora, cuyos estudios principales se encuentran en pleno trabajo de remodelación y ampliación.

En AM, la que sufrirá más modificaciones será Radio 10. La emisora del Grupo Ceibo, aun sufriendo los bemoles del conflicto accionario y judicial por el cambio de dueño, fue la primera en "patear el tablero" cuando en octubre pasado despidió a Roberto Navarro, el conductor de la segunda mañana, espacio que cosechaba altos índices de audiencia, en tándem con Mañana Sylvestre, el programa de Gustavo Sylvestre. La abrupta salida de Navarro deterioró la audiencia de la 10, que en los últimos tres meses perdió el 30 por ciento de sus oyentes. En ese contexto, desde el 5 de febrero Radio 10 moverá sus fichas con una apuesta fuerte: Sylvestre volverá a la primera mañana (de 6 a 10), para darle pie a Baby Etchecopar, que dejará el horario del mediodía para pasar a conducir la segunda mañana (de 10 a 14). La otra incorporación de la emisora es la de Maxi Palma, el periodista deportivo que encabezará un ciclo diario de 19 a 20, donde combinará deportes y marketing. Resta aún saber qué programa ocupará la franja de las 14, ante la negativa de Angel De Brito a formar parte de la emisora, que adelantará una hora el comienzo de “La vuelta de Zloto”, que desde febrero irá de 16 a 19. 

La llegada de Etchecopar a la segunda mañana de la 10 no será el único cambio que sufrirá el éter argentino en esa competitiva franja horaria. El análisis informativo también se endurecerá en la segunda mañana de radio La Red (AM 910). Tras años en la emisora del Grupo Vila, y como consecuencia de un programa que no pudo despegar en audiencia, Luis Majul y “La cornisa” ya no formarán parte de la programación que en el último trimestre saltó al segundo lugar entre las más escuchadas de AM. El periodista elegido para reemplazar a Majul es Eduardo Feinmann, que desde el 5 de febrero se hará cargo del espacio  diario que va de 9 a 12. Además de la salida de Majul, otro de los que dejará de tener lugar en La red es Carlos Bilardo, tras dos décadas al frente de su programa nocturno diario. Luis Novaresio, Gustavo López, Alejandro Fantino, Jonathan Viale y Eduardo Aliverti continuarán en la emisora con sus ciclos.

Uno de los hechos que describe la magnitud de la crisis económica que atraviesa la radio lo marca el hecho de que a poco más de 4 meses del comienzo del Mundial de Fútbol de Rusia sólo radio la Red adquirió los derechos para transmitir los partidos. A la AM 910 se podrían sumar la AM 750 y Continental (AM 590), que se encuentran en plenas negociaciones para poder relatar también los partidos.

En la alicaída Continental los cambios serán más estéticos que profundos. Nelson Castro se mantendrá en la primera mañana con “La mirada despierta”, aunque absorbiendo una hora más (de 6 a 10) y con las incorporaciones a la mesa de Alejandro Gardinetti (humor), Alejandra Maglietti (espectáculos) y el ya aterrizado Carlos Burgueño (economía). A las 10, Daniel López continuará encabezando la segunda mañana, pero ahora acompañado por la periodista Dominique Metzger. Fernando Bravo continuará con su tradicional ciclo, al que se le sumará Laura Ubfal con la información del espectáculo. Otra novedad de Continental será que a las 17 habrá un resumen de noticias a cargo del "Turco" Elías, previo al arribo de la tira deportiva a cargo de Mariano Closs. De 20 a 22, Carlos González Prieto se suma con “Algo que contarte”, en una coproducción, mientras que la franja de las 22 aún no está definida. La AM 590 suma, además, a Mario Portugal con “Semanario” a la programación de los sábados (9 a 11), mientras que Campeones se suma con la actividad automovilística los sábados (13 a 17) y domingos (8 a 14.30). En Radio Del Plata (AM 1030), donde sus trabajadores siguen cobrando sus sueldos en cuotas, no habrá cambios en su programación. No es poco para una emisora que, por sus problemas económicos, en el último tiempo sufrió una sangría de programas y conductores.

Un párrafo aparte merece Radio Nacional (AM 870). La emisora estatal -que despidió a 14 trabajadores a comienzos de año- tomó una decisión por lo menos polémica de cara al 2018, que pone en evidencia la política de ajuste: repetirá diariamente en la AM 870 la programación de la FM Nacional Rock entre las 22 a 24. En el dúplex nocturno, que le permitirá ahorrar producción a la AM 870, se retransmitirán los programas de Richard Coleman (lunes), Diego Frenkel (martes), Willy Crook (miércoles), Cucho Parisi (jueves) y Nito Mestre (viernes). La principal novedad de Nacional será la llegada de Silvina Chediek a la programación, con Mil gracias, un ciclo de interés general que se emitirá de 10 a 12.” (Articulo editado por Pagina 12, firmado por Emanuel Respighi).


Retrospectiva en Malba

HUGO DEL CARRIL, EL ARTISTA NACIONAL

Por primera vez y gracias a un trabajo detectivesco que comandó Fernando Martín Peña se exhibirá la totalidad de la obra como realizador de Hugo del Carril, en su mayor parte en 35mm y, además de los quince largometrajes que dirigió a lo largo de casi treinta años, también algunas de las películas en las que actuó. Del Carril fue no solo el eslabón fundamental para entender el rumbo del cine argentino luego de la crisis de los estudios, sino el artista popular que mejor expresó esa eterna convivencia de dos Argentinas en pugna. Su cine fue el del melodrama arrabalero y el cuestionamiento de los valores burgueses, de amores inmortales y gestas épicas en el litoral profundo; su voz, la de los "muchachos peronistas" y los recuerdos melancólicos; su legado, el que hoy se redescubre y se exhibe en su justo esplendor.

"Hay una cosa que me gustaría decir: de todas las cosas que he rescatado, incluso Metrópolis, la que más orgullo me produce es esta retrospectiva. Dio un trabajo bárbaro y creo que no hubo en la historia de nuestro cine un director más subestimado que Hugo del Carril. Para mí, están Leonardo Favio, Torre Nilsson y él, más o menos a la par. Después, todos los demás". Fernando Martín Peña, historiador, incansable cinéfilo, apasionado como pocos, es uno de los responsables de que este febrero se pueda ver en el Malba la obra completa de Hugo del Carril. No solo los quince largometrajes que dirigió a lo largo de casi treinta años, sino algunas de las películas en las que su apuesta silueta de porteño de mítica gardeliana define su presencia como actor. Del Carril fue no solo el eslabón fundamental para entender el rumbo del cine argentino luego de la crisis de los estudios, sino el artista popular que mejor expresó esa eterna convivencia de dos Argentinas en pugna. Su cine fue el del melodrama arrabalero y el cuestionamiento de los valores burgueses, el de amores inmortales y gestas épicas en el litoral profundo; su voz, la de los "muchachos peronistas" y de los melancólicos recuerdos del pasado; su legado, el que hoy se redescubre y se exhibe en su justo esplendor. 

"Uno de los rasgos fundamentales de Hugo del Carril como cineasta, fue su independencia", señala Peña. Y lo fue en un sentido creativo y también económico: cuando en 1949 debutó como director con “Historia del 900” ya era una cantante de fama, un mito de la pantalla, una estrella consagrada de la radio que se lanzó a la aventura de producir sus películas, muchas veces con dinero propio y casi siempre en un contexto internacional adverso para el mercado cinematográfico argentino. El triunfo de Perón potenció las dificultades para la llegada de celuloide desde Estados Unidos (que se remontaban al castigo por la neutralidad en la guerra) y Hollywood fomentó el desarrollo de un mercado latino más próximo y controlable como el mexicano. Del Carril usó entonces el dinero de sus giras, de sus espectáculos radiales, de sus éxitos como actor para financiar una obra de una integridad y una audacia estética como pocas. Capeó los entredichos con Raúl Apold -figura clave del cine argentino en el peronismo-, enfrentó luego del 55 las persecuciones por su militancia, soportó los reveses de la crítica, padeció los fracasos en la taquilla. Reunir ese material disperso por sus mismas condiciones de producción -cuenta Peña que el material que Del Carril conservaba en Laboratorios Alex no fue devuelto a su familia luego de su cierre en 1995- fue una ardua tarea que el programador del Malba comandó con el emblemático Octavio Fabiano durante dos décadas. "Esta es la primera vez que puede exhibirse la totalidad de su obra como realizador, en su mayor parte en 35mm., tras rastrear título por título en depósitos públicos y privados y contar con la ayuda de numerosas personas e instituciones". 

Con Laura Hidalgo en “Más allá del olvido” (1956). 

La obra de Hugo del Carril es un complejo abanico de intereses y pasiones, que denota no solo su maestría a la hora de abordar géneros diversos, sino su capacidad narrativa y sus inquietudes plásticas. Sus películas recorrieron desde el costumbrismo porteño hasta los dramas de impronta folklórica o tradición histórica, reconstruyeron personajes e hitos del pasado y reflejaron el presente con una actualidad candente. Del Carril fue un adelantado en el retrato de escenarios juveniles en plena geografía ciudadana, fue autor de una imaginería propia ardiente de ideales y compromiso. Nunca despreció ningún género cinematográfico por más origen bastardo que tuviera, combinó lo imposible en una misma historia, desde el egoísmo y el sacrificio en “Amorina” (1961) hasta el antisemitismo y los amores condenados en “La calesita” (1963). 

Estableció una fructífera relación creativa con el escritor español Eduardo Borrás: pese a las frecuentes acusaciones de literarios y discursivos que pesaban sobre los diálogos del dramaturgo, Del Carril se apropió de su escritura haciéndola esencia de su cine, definiendo imágenes de una emoción inolvidable que nacía de su amor por contar historias. Su retrato de la siembra y la cosecha en “Surcos de sangre” (1950), con el esplendor del sudor en el plano y esa luz que atraviesa hojas y racimos, es tan conmovedora como la que inmortaliza F. W. Murnau cuando filma los trigales de “El pan nuestro de cada día” (1930). 

Capital para entender la dimensión política de nuestra identidad, el cine de Del Carril supo recorrer el territorio nacional, definirlo en sus exteriores, comprenderlo en sus particularidades, nunca agotarlo en generalizaciones. Lo nacional para Del Carril nunca fue etiqueta chauvinista sino un sentir profundo que emana de cada uno de sus argumentos, que filmaba con un uso notable del plano detalle capaz de dar dimensión visual a su extraordinario poder de observación. En su ópera prima Historia del 900 el espacio es aquel en el que se celebra la riña de gallos y el duelo criollo, encrucijada del destino de su propio personaje entre los privilegios de su origen y la atracción por la exuberancia del arrabal. El amor se materializa en manos y pieles en contacto, la muerte en los ojos desorbitados del 'Pardo' Márquez (interpretado por el Guillermo Battaglia) fuera de foco. En “El negro que tenía alma blanca” (1950), filmada en España, las diferencias raciales adquieren una dimensión lírica cuando el mulato interpretado por el propio del Carril le regala una valiosa pulsera a la mujer que antes lo rechazó: su mano oscura brilla por la moral del encuadre sobre la blanca palma, inmersa en la vergüenza y el nerviosismo. 

Del compromiso político al apogeo estético

Una de las citas ineludibles de la retrospectiva es, sin duda, “Las aguas bajan turbias” (1952), gran éxito pese a las dificultades de su rodaje por a la escasez de material virgen, por la proscripción del autor Alfredo Varela (su novela “El río oscuro” fue la fuente literaria), y por las dificultades de financiamiento que ya eran moneda corriente para el director. El germen provenía de la admiración que Del Carril profesaba a su maestro Mario Soffici (a quien respetaba desde los tiempos en los que lo había dirigido en “La cabalgata del circo”), pero la talla del genio de Del Carril hizo que su película afinara aún más la mirada, superando la concepción fatalista de Soffici para afirmar un escenario de brutal y despiadada explotación. Así, el conflicto entre los peones rurales y los dueños de los yerbatales en Misiones no tiene origen en el destino sino en el poder y la ambición de la oligarquía latifundista. Del Carril hace un cine comprometido anclado en tradiciones populares, combina exteriores casi documentales con interiores infernales, definidos por largas filas carcelarias como las de “Soy un fugitivo” (1932) de Mervin Le Roy, y ofrece un erotismo inusual de los cuerpos que trabajan, desean y viven pese a los dictámenes inhumanos de sus opresores. 

Dentro del territorio del melodrama y como apogeo de la innovación estética y la configuración de un mundo propio en términos visuales, se encuentran dos películas de mediados de los años 50. La primera es “La Quintrala” (1955), que cuenta la historia de Catalina de los Ríos y Lisperguer, dama de la aristocracia chilena del siglo XVII, parte de una leyenda negra de pasiones malsanas y crímenes de alcoba. "Esa Lucrecia Borgia de la era colonial" -en palabras del el historiador chileno Benjamín Vicuña Mackenna citado por Peña en su reseña de la película- fascinó a Del Carril y Borrás, y avivó el enfrentamiento entre Perón y la Iglesia Católica que definiría el clima social previo al golpe militar de 1955. Son impactantes las escenas de procesión en Semana Santa que muestran monjes desfilando con antorchas y cruces a cuestas, apenas atisbados desde la ventana de su morada por la ardiente Catalina, quien concentra en su mirada el deseo por uno de los frailes. La Quintrala confirma el talento de Del Carril para filmar grupos en movimiento, ya sea en contraluz o en contrapicado, siempre asediados por el espacio o por una misteriosa amenaza que los hace penitentes. 

La segunda es “Más allá del olvido” (1956): inspirada en el romanticismo de “Brujas, la muerta”, del belga Georges Rodenbach, cuenta la historia de un hombre que pierde a su mujer para recrearla en una desconocida, fantasmal y trágica heredera de una pasión de la que no es dueña. Es notable el poder de estilización de la cámara de Del Carril y de la fotografía de Alberto Etchebehere, que evocan una tradición necrófila que ha alimentado tanto a Jean Cocteau como a Boileau y Narcejac (por ello el anticipo de Vertigo que podía rastrarse hasta nuestras pampas), tanto al Hitchcock de Rebecca como a la prosa de Vera Caspary filmada por Otto Preminger en Laura. Aquí no es la Laura de Gene Tierney sino Laura Hidalgo quien preside desde su retrato en la pared una casona rodeada de árboles abigarrados y rejas de hierros retorcidos, custodiada por los fantasmas y los recuerdos que la muerte ha dejado a su paso. El amor es egoísmo y crueldad, es vampirismo y desesperación, es un hombre enloquecido por las llamas de una chimenea que anuncian la imposible extinción de la pasión. 

La crónica de los últimos años

Además de varias de las obras maestras de los últimos años del clasicismo argentino, se podrán ver desafíos modernos como “Culpable” (1960), una película poco vista que expresa una fábula metafísica de ecos oníricos en la que un hombre tiene la oportunidad de torcer su destino criminal y decide afirmarlo con la más clara de las convicciones de ejercer el Mal; apuestas personalísimas como “Amorina”, magistral descenso a la locura de la inolvidable Tita Merello, burguesa encaprichada en retener un presente que se le escapa y un pasado confinado a evocaciones y extravíos; y frescos históricos como “La calesita” (1961), obra de una complejidad subterránea, que combina la vocación integradora del musical (aquí potenciando la voz de barítono de Del Carril con las partituras de Mariano Mores y Cátulo Castillo) con la lineal de la crónica histórica, que recoge toda la historia argentina, sus gestas y sus sacrificados. Peña concluye en su reseña: "El más famoso de los artistas peronistas se permitió interpretar a un mártir radical, con boina blanca y todo, cuando reconstruye el período en que el radicalismo era un partido verdaderamente popular y enfrentaba a los caudillos conservadores. En toda la historia del cine argentino no se encontrará un gesto de similar reconocimiento en el sentido político inverso". (artículo editado en la revista Radar).

VIERNES 2

18:00 El negro que tenía el alma blanca, de Hugo del Carril

20:00 La quintrala, de Hugo del Carril

22:00 Las aguas bajan turbias, de Hugo del Carril

24:00 Un viaje a la prehistoria, de Karel Zeman

 

SÁBADO 3

18:00 La cumparsita, de Antonio Momplet

 

DOMINGO 4

18:00 La quintrala, de Hugo del Carril

22:00 Esta tierra es mía, de Hugo del Carril

 

JUEVES 8

19:00 La piel de Zapa, de Luis Bayón Herrera

21:00 Buenas noches, Buenos Aires, de Hugo del Carril

23:00 La quintrala, de Hugo del Carril

 

VIERNES 9

18:00 Culpable, de Hugo del Carril

20:00 Esta tierra es mía, de Hugo del Carril

 

SÁBADO 10

18:00 Una cita con la vida, de Hugo del Carril

 

DOMINGO 11

18:00 La sentencia + En marcha, de Hugo del Carril

22:00 El último perro, de Lucas Demare

 

VIERNES 16

18:00 La canción de los barrios, de Luis César Amadori

20:00 Amorina, de Hugo del Carril

22:00 Las tierras blancas, de Hugo del Carril

24:00 La malavida, de Hugo Fregonese

 

SÁBADO 17

18:00 Historia del 900, de Hugo del Carril

 

DOMINGO 18

18:00 Surcos de sangre, de Hugo del Carril

22:00 La calesita, de Hugo del Carril

 

JUEVES 22

19:00 Las tierras blancas, de Hugo del Carril

21:00 Surcos de sangre, de Hugo del Carril

23:00 Yo maté a Facundo, de Hugo del Carril

 

VIERNES 23

18:00 El último payador, de H. Manzi y R. Pappier

20:00 Más allá del olvido, de Hugo del Carril

 

SÁBADO 24

18:00 Gente bien, de Manuel Romero

 

DOMINGO 25

18:00 La cabalgata del circo, de M. Sóffici y E. Boneo

22:00 Más allá del olvido, de Hugo del Carril


Exterior

Se trata del guionista y realizador mendocino Sebastián Lelio; su filme, "Una mujer fantástica", lo hará desfilar por la alfombra roja el 4 de marzo

PREMIOS OSCAR 2018: QUIÉN ES EL ARGENTINO QUE DIRIGIÓ LA PELÍCULA CHILENA NOMINADA

“Aunque este año no haya ninguna película argentina nominada al Oscar, un talento nacional compite por una de las preciadas estatuillas de la Academia.

Se trata de Sebastián Lelio, guionista, director, camarógrafo y montajista nacido en Mendoza en 1974, nominado por la película chilena "Una mujer fantástica".

Lelio es hijo de padre argentino y madre chilena. A los dos años llegó a Viña del Mar, y tuvo una formación nómade: vivió en Viña del Mar, en Concepción, en Cholguán y hasta en los Estados Unidos.

Estudió un año de Periodismo en la Universidad Andrés Bello, pero al poco tiempo logró convencer a sus padres de que lo suyo era el séptimo arte, y finalmente pudo obtener su título de la Escuela Chilena de Cine.

Su primer corto, 4, lo filmó siendo estudiante. En 2003 participó en CERO, un documental basado en material inédito de las Torres Gemelas, en codirección con Carlos Fuentes. A su vez, dirigió dos temporadas de la exitosa serie documental Mi mundo privado, junto a Fernando Lavanderos, nominada dos veces al premio Altazor y también a los premios Emmy.

Su primer largometraje fue La Sagrada Familia, que participó de más de 100 festivales y recibió 28 premios. Después de este primer éxito, dirigió Navidad y El Año del Tigre, hasta que en 2013 llegó su consagración definitiva: Gloria, que fue estrenada en la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín y recibió excelentes críticas.

Lelio llegó a Berlín para terminar de escribir Gloria, con una beca del DAAD (Servicio de Intercambio Académico Alemán). Fascinado con las oportunidades que le dio la ciudad, además del éxito del estreno de su película, decidió que la capital alemana sería su hogar definitivo. De hecho la ciudad fue la que inspiró en cierto punto al director para escribir Una Mujer Fantástica.

El filme, que ahora compite por el Oscar en la categoría Mejor película de habla no inglesa, ya ganó el Oso de Plata al Mejor Guión y el premio Teddy. En él, Daniela Vega encarna a Marina, una mujer transexual que debe afrontar la muerte inesperada de su pareja (Francisco Reyes), mientras es duramente juzgada por los familiares del difunto, como también por los médicos y policías.

Este 4 de marzo, Una mujer fantástica podría convertirse en la primera película chilena ganadora del Oscar. La aclamada producción deberá competir con The Insult, de Líbano; On Body and soul, de Hungría; The Square, de Suecia; y Loveless, de Rusia.” (Clarín)


Estrenos recientes en Bogotá dan cuenta de novedosas fuentes para contar historias en el escenario

NUEVOS AIRES EN LA DRAMATURGIA COLOMBIANA

‘Noche oscura, lugar tranquilo’, de Enrique Lozano.

Leemos en el diario El Tiempo, de Bogotá: “La vitalidad y diversidad se sienten en el teatro colombiano, que cada vez suma más autores. A esos grandes maestros y referentes que han marcado la pauta de nuestra escena se han unido nuevos nombres que exploran diferentes tendencias y estéticas. Ese proceso se ha visto reflejado, por ejemplo, en la beca de dramaturgia que otorga el Ministerio de Cultura, que en el 2015 reconoció la obra “Noche oscura, lugar tranquilo”, del caleño Enrique Lozano.

 Y gracias a otra beca de Mincultura, la pieza se montó bajo la dirección de César ‘Coco’ Badillo y con las actuaciones de Liliana Montaña, Felipe Vergara y Santiago Londoño. Lozano cuenta que ha seguido de cerca el proceso de montaje, que empezó hace un par de años con una lectura dramática, y resalta que la propuesta de Badillo logró sacar la sustancia profunda del texto.

La historia se desarrolla en una finca de un pueblo ficticio al que llega una pareja de la ciudad conformada por un escritor que busca inspiración y su esposa, con quien pasa un difícil momento sentimental.

“Hay una particularidad de la obra que creo que puede ser compleja para las teatralidades a las que normalmente apelamos en Colombia, y radica en que hay un cierto realismo con el que está construida la historia; pero si uno realmente lo mira en detalle, se da cuenta de que es solo una capa superficial”, asegura el dramaturgo sobre la pieza, que se presentará en el Teatro La Mama.

La complejidad de la obra reside en que aunque parece centrarse en el drama cotidiano de una pareja, hay una especie de aire místico que se construye a partir de un tercer personaje, el cuidandero de la finca, que está convencido de la existencia de seres superiores que pueden tener efecto en nuestras elecciones de vida.

“Es un personaje que es muy fácil volverlo un charlatán, pero es muy complejo porque, efectivamente, trae de una manera explícita esto que está implícito en el resto de la obra, que es la vena más mística y esotérica”, añade Lozano.

Con la batuta de Badillo, y a partir de un elocuente dispositivo escénico y una sutil partitura de movimientos, los actores lograron transmitir no solo los enfrentamientos de la pareja y el ambiente rural, sino el delicado humor planteado por el autor. 

“Es un texto que tiene una veta de humor que hay que tratar de no volverla ni parodia ni chiste, pero tampoco hay que anularla porque es un humor negro, potente, y erosiona los fundamentos de esta ficción”, dice Lozano.

Hay otra pieza reciente que también plantea una mezcla, pero entre elementos cotidianos y una ficción cobijada dentro del formato de radioteatro. Se trata de “Laurita y las tetas”, escrita por Juan Pablo Castro y que se presenta en La Maldita Vanidad.  

Camila Valenzuela (centro) encarna a Laura.

“La obra salió de deseos contrapuestos, de ganas de hacer varias cosas; una de ellas era una novela urbana, que es casi toda la secuencia del personaje del radioteatro, Cecilia... A partir de ella exploré un poco lo que es la noche en Bogotá y los personajes menos vistos de alguna forma en la ciudad”, cuenta el joven autor, que estudió Literatura en la Universidad de Buenos Aires.

Otro de los aspectos llamativos de la producción es su manera de acercarse a una delicada enfermedad, proponiendo varias pinceladas de ironía. Según Castro, la forma más convencional de hablar sobre el cáncer, que sería un poco sentimental, cuidadosa y con algo de compasión por los personajes, permite expresar un espectro de emociones muy limitado.

“Abordarlo de una forma que no fuera la convencional permite decir, tanto a los personajes que rodean a Laura como a Laura, cosas que, en general, no se escuchan, pero que sabemos que la gente piensa, que dice en un momento quizá más íntimo o cuando ha pasado un tiempo más prolongado”, sostiene Castro.

En otra orilla, lejana a este movimiento independiente, el director artístico del Teatro Nacional, Nicolás Montero, quiso explotar una nueva veta de historias: la literatura colombiana. Así nació la adaptación del libro “Tratado de culinaria para mujeres tristes” (de Héctor Abad Faciolince), que dirige Johan Velandia.

“Tratado de culinaria para mujeres”.

“En realidad, todo el crédito es de Johan –afirma Montero–; yo, efectivamente, estoy detrás de literatura colombiana que se puede hacer en teatro y que sea efectiva; ahora, Johan cogió ese potro que fue Tratado de culinaria, le dio las vueltas que le tenía que dar y hoy tenemos un espectáculo al que, por fortuna, le está yendo muy bien”. 

Junto con las protagonistas de la obra -Ana María Sánchez, Diana Belmonte, Carolina Cuervo, Cecilia Navia y Paula Estrada (quien en la nueva temporada fue reemplazada por Laura Londoño)-, Velandia lideró un proceso de laboratorio para crear la adaptación de este recetario en el que Abad habla sobre tristezas y melancolías.

“Lo primero que noté fue la convicción de estas actrices para darles vida a estos monólogos, a estas viñetas literarias; y, efectivamente, las volvieron carne y hueso de mano de su director. Sí se les da la voz a los monólogos femeninos en una perspectiva un poco más compleja, en la que se involucran el amor, la crueldad, la dulzura, el desencanto...”, cuenta Montero, quien añade que en esta línea de adaptaciones hay proyectos futuros que, por ejemplo, profundizan en un polémico escándalo financiero reciente en Colombia.”


Las historias sonoras beben del universo de la televisión pero lo amplifican

ESPAÑA: LAS SERIES DE TV SE CONVIERTEN EN “PODCAST”

Los actores Jaime Blanch y Hugo Silva durante el proceso de grabación del podcast 'Una llamada a tiempo', el podcast transmedia de El Ministerio del Tiempo.

“El formato podcast es maleable, flexible y muy propicio para la hiperespecialización.

Este año 2018 ha comenzado con dos noticias que confirman la exploración de este formato para nuevos fines: Blink es el nuevo podcast del banco BBVA que nace con la intención de reforzar la difusión de sus contenidos propios. Por otro lado, el Diario de Navarra también apuesta por el podcast como un elemento informativo que amplía su oferta con nuevas temáticas dirigidas a públicos específicos. 

La tendencia de la que hoy queremos hablar  incide en esta cualidad elástica del podcasting, sin embargo, tiene que ver más con la ficción y, muy concretamente, con la capacidad que tienen los podcasts para ensanchar universos ajenos tan contundentes como las que generan las series de televisión más vistas del momento. Para abordar este fenómeno hablaremos de dos ejemplos bien definidos: los que tienen que ver con la ficción de RTVE, el ente público, pero también con las iniciativas de televisión bajo demanda como Movistar.

Pero, ¿qué es un podcast transmedia y en qué se diferencia de otros? 

Podríamos definir esta variante del siguiente modo: dentro de la llamada ‘estrategia’ o ‘comunicación’ transmedia de una serie de televisión –definida como un proceso narrativo que propone la diseminación del contenido esencial de una historia en otros formatos, soportes, canales y plataformas offline u online– se ha generado una serie de podcasts que beben del universo primario de la ficción televisiva pero que la amplifican para llegar al público más objetivo. 

“La clave para que el podcast transmedia funcione es, sin duda, que la serie genere en los seguidores una necesidad de saber, de profundizar en la historia, de completar datos y tramas. En este sentido, probablemente, no hay actualmente en la ficción española una serie más adecuada para esto que •El ministerio del tiempo”, explica Mayca Aguilera, realizadora del podcast junto a Benigno Moreno y el departamento de ficción de Radio Nacional de España. 

La serie de Javier Olivares congrega a un nutrido grupo de fans  -los ‘ministéricos’- que celebran con entusiasmo las sofisticadas estrategias transmedia que han ido generando desde la aparición de la serie en 2015. 

“Los podcasts como elementos que complementan la historia surgen en rtve.es con una necesidad muy concreta. Al pasar de la serie “Isabel a Carlos Rey Emperador” en 2014 nos damos cuenta de que hay un gap de contenido entre ambas historias que debería ser cubierto de alguna manera para facilitar a los fans de la serie la transición de una historia a otra. Es como surge “Carlos de Gante”, una conversación ficticia de Carlos V en su retiro de Yuste donde recuerda su infancia en Flandes, que conforma su carácter como emperador que se ve en la serie”, apunta Alberto Fernández Torres, subdirector de Contenidos y Transmedia de RTVE Digital. 

A partir de ese momento se empieza a mirar a otras series y se entiende que la primera temporada del podcast de “El Ministerio del Tiempo” -titulada “Tiempo de valientes” y que consta de seis capítulos– cumple una función muy determinada en la segunda temporada televisiva: dar continuidad a la historia de Julián, el personaje que encarna Rodolfo Sancho que, por cuestión de agenda, debe ausentarse de la serie durante varios episodios con la excusa de un viaje a Cuba en 1898. 

La segunda temporada de podcast –titulada “Una llamada a tiempo”, cuatro capítulos– se emitió de forma paralela a la tercera temporada televisiva y ponía el foco en qué había hecho Pacino –personaje al que da vida Hugo Silva– durante su tiempo de ausencia. 

Todos los guiones de estas ficciones sonoras fueron escritos por Agustín Alonso y Pablo Lara.

“Los podcasts transmedia son consumibles de modo independiente. 

No hace falta haber visto la serie para seguir y comprender las historias del podcast. Pero sí creo que son productos a los que se saca verdadero partido si son consumidos de forma conjunta. De hecho, esa es la gracia de los productos transmedia, el poder completar el universo creado en la serie con elementos accesorios a ella que dan perspectivas diferentes de los personajes o de las tramas. También creo que, como producto consumido de modo independiente, siempre será menos interesante que las ficciones sonoras creadas exclusivamente para sonido”, explica Aguilera. “Recuperando el espíritu de las radionovelas y con el apoyo imprescindible del equipo de Ficción Sonora de RNE, los podcasts han permitido dar una mayor cercanía a la comunidad con sus protagonistas”, comenta Fernández Torres. Mayca Aguilera, sin embargo, cree que referirse constantemente a términos como ‘radioteatro’ o ‘radionovela’ puede llegar a ser contraproducente: 

“Por fin empieza a hablarse del placer de escuchar historias exclusivamente sonoras que surgen en el entorno de la radio convencional y que de manera natural acaban difundiéndose a través de internet, ya desligadas de la oscura y alargada sombra del ‘antiguo radioteatro’, o de ese verbo tan utilizado durante estos últimos años: la radio ‘recupera’ el radioteatro o la radionovela… ‘Recupera’ aquellos fantásticos y elaborados productos radiofónicos que toda la familia escuchaba y que nunca debieron desaparecer de las parrillas. Sí, es verdad, fue muy bonito pero en un mundo distinto a este mundo, añadiría yo. Un mundo con un oyente distinto que tiene otra forma de vida, nuevos medios de comunicación y difusión y nuevas formas de consumo”.

Alejo Sauras y Carolina Alba durante el proceso de grabación del podcast “Bienvenido a la pasarela”, el podcast transmedia de la serie 'Estoy vivo'.

Se abre otra cuestión importante que radica en la semántica y la narrativa sonora: ¿los podcasts ligados a las series de televisión deben tener unas características distintas de los otros que no persiguen en el mismo objetivo? “Creo que el podcast transmedia debe ser breve en duración, sencillo en estructura, rápido en desarrollo de la acción, muy vivo en sus diálogos, muy claro en sus desenlaces. Debe ser una píldora que deje buen sabor de boca y tras la que el oyente diga: “¿Ya? ¡Qué corto! Escucharía otro”. Es un producto complementario a una serie, no lo olvidemos. Así que por norma general lo lógico es que la fuerza de una ficción sonora independiente sea mayor”, responde Mayca Aguilera. El último ejemplo de podcast transmedia de la televisión pública ha sido “Bienvenido a la pasarela”, una serie de siete capítulos que se emite en paralelo a la serie. La historia que narra es previa al episodio 1 de la serie Estoy vivo: “El objetivo es explicar, dar datos y completar la historia contada en la serie de televisión”, concluye Aguilera.” (artículo editado en el diario El País).

Para seguir leyendo, tipear

https://elpais.com/elpais/2018/01/16/dias_de_vino_y_podcasts/1516098004_327663.html


En España han nacido en la última década casi una decena de editoriales especializadas en dramaturgia contemporánea

EL LIBRO TEATRAL TOMA LAS TABLAS

Asistentes al XVIII Salón Internacional del Libro Teatral, en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.

“Cuenta el dramaturgo Ignacio del Moral, presidente de la Asociación de Autoras y Autores de Teatro (AAT), que cuando él empezó a escribir, hace cuatro décadas, no era fácil encontrar publicadas en español las obras más recientes.  “Desde los años cincuenta hasta finales de los setenta editoriales como Escelicer y Losada imprimían todo lo que se estrenaba: Buero, Sastre, Lorca, Valle-Inclán… Pero en los ochenta estos sellos decayeron y teníamos que rebuscar en revistas como Primer Acto o Yorick para acceder a lo que se estaba escribiendo en ese momento", recuerda. A principios del siglo XXI, sin contar los grandes catálogos de clásicos, solo había dos sellos especializados en teatro contemporáneo: Ñaque (desde 1994) y Fundamentos (que compagina con otros géneros desde los setenta).

Hoy, el panorama ha cambiado y quizá no sea exagerado hablar de un boom. En el Salón del Libro Teatral en el teatro Valle-Inclán de Madrid (promovido por la AAT) se dieron cita una treintena de expositores entre editoriales, revistas e instituciones que también publican, como el Centro Dramático Nacional o la Sociedad General de Autores (SGAE). A Fundamentos y Ñaque se sumaron Artezblai en 2001 y Antígona en 2010. Desde entonces no han dejado de aparecer nuevos sellos: Esperpento, Acto Primero, Ediciones Invasoras, Continta Me Tienes, Ediciones Irreverentes y la Uña Rota. Según la Federación de Gremios de Editores, en 2016 se publicaron 761 títulos teatrales, sumando obras literarias y tratados.

¿Qué ha pasado en la última década? “Cada vez es más fácil la impresión, puedes hacer tiradas pequeñas sin demasiado coste. Y, por otra parte, en este auge tiene mucho que ver el tremendo empuje de la última generación de dramaturgos: se han formado juntos en laboratorios y escuelas de arte dramático, tienen sentido de comunidad y se mueven mucho”, opina Del Moral. Lo mismo piensa Fernando Bercebal, director de Ñaque: “Hace 10 años, los autores no tenían perfiles en redes y escribían a la espera de que una compañía pusiera en pie su obra. Pero hoy, como cualquier artista o profesional de otras áreas, entienden su perfil como su personal branding [marca personal] e intentan promocionarse utilizando todas las herramientas a su alcance, incluida la edición de sus textos".

Sobrevuela en general la conciencia de que es necesario editar los textos para fijar el repertorio contemporáneo español. “Esto es importantísimo. Solo cuando una obra queda impresa puede cobrar vida más allá de su entorno; es decir, puede llegar a conocerse en otros países y en el futuro”, comenta Del Moral. Un buen ejemplo es Juan Mayorga, el dramaturgo español vivo más representado hoy en el mundo. “Mis piezas se estrenan con frecuencia en Corea del Sur. ¿Por qué? Porque hay allí un traductor y una editorial comprometidos con mi trabajo”, explica Mayorga. “Por otro lado, gracias a las traducciones he podido conocer a autores extranjeros que luego han influido en mi escritura. Por eso es fundamental la publicación de los textos”, añade.

Las tiradas iniciales son bajas, nunca sobrepasan los 500 ejemplares. Algún título de Mayorga ha llegado a los 4.000 en pocos meses, pero esto es excepcional. “Se publican muchos títulos y eso es bueno para mantener el repertorio. Pero no estoy seguro de que se lea más que antes”, considera Del Moral. Los nuevos sellos son frágiles y sobreviven gracias a éxitos puntuales y a que sus lectores son muy fieles. “No solo compran los profesionales. A muchos espectadores les gusta conservar los textos de los espectáculos que han visto. En nuestro catálogo hay autores que podríamos decir que están de moda, como Alberto Conejero o Miguel del Arco, que llegan a los 2.000 ejemplares en poco tiempo”, asegura Conchita Piña, cofundadora de Antígona y una de las pocas agentes literarias especializadas en dramaturgos en España.

Especialmente meritoria es la apuesta de las nuevas editoriales por el teatro más performático, en el que el texto está muy vinculado a una puesta en escena concreta. “A veces es difícil, porque son textos cambiantes, pero también es importante fijar estas obras para el futuro. Y su lectura puede ser tan satisfactoria como un libro de poesía”, apunta Mario Pedrazuela, editor de La Uña Rota, que publica a dramaturgos de vanguardia como Rodrigo García, Angélica Liddell o Pablo Gisbert.

En los últimos años también han cobrado también las colecciones institucionales. Una que promueve especialmente la creación contemporánea es Escritos en la Escena, que inició el Centro Dramático Nacional en 2012. Desde entonces, cada año esta institución invita a tres dramaturgos emergentes a desarrollar un texto a la vez que su puesta en escena, en colaboración con un director y actores, para su inmediata representación y publicación. El viernes pasado se estrenó la primera de esta temporada, Juegos para toda la familia, que firma Sergio Martínez Vila. Así se escribía el teatro en la época de Shakespeare, ni más ni menos.” (diario El País, nota editada en diciembre de 2017)


Especial: donación de la biblioteca de la entidad

Su responsable agradeció cálidamente el envío de material

DONACION DE LIBROS A LA BIBLIOTECA DE PERICO, JUJUY

Desde la ciudad de Perico, en la provincia de Jujuy, Rodrigo Sendra, responsable de la biblioteca comunitaria de la localidad, escribió a Argentores  a raíz de un reciente envío de material. “Quiero agradecerles por la donación recibida; es muy valiosa para ampliar nuestro stock de ejemplares y así potenciar nuestro acervo. Desde ya muchas gracias y estamos a disposición para lo que necesiten”, puntualizó. Además de las líneas enviadas a la biblioteca de Argentores, Sendra adjuntó fotos del material recibido, ya a disposición de la comunidad, que aquí compartimos:


Ida y vuelta

Editor periodístico: Leonardo Coire.
Noticias derecho al autor.